miércoles, 30 de diciembre de 2009

CINE DE CULTO: RETO A MUERTE

TÍTULO ORIGINAL: Duel (TV)
AÑO: 1971
DURACIÓN: 91 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Steven Spielberg
GUIÓN: Richard Matheson
MÚSICA: Billy Goldenberg
FOTOGRAFÍA: Jack Marta
REPARTO: Dennis Weaver, Tim Herbert, Lou Frizzell, Jacqueline Scott, Eddie Firestone, Lucille Benson, Gene Dynarski
PRODUCTORA: Universal Pictures
GÉNERO Y CRÍTICA:Intriga. Road Movie.


Reto a Muerte, viene a ser el segundo largometraje para televisión de un joven Steven Spielberg, el cual en esos momentos buscaba un sitio en la industria cinematográfica. Como bien comentó el director en alguna entrevista, trabajar en televisión no le gustaba mucho, sin embargo le sirvió para foguearse en proyectos que mas delante lo llevarían a embarcarse en lo que significo su primer éxito en taquilla, Tiburón (1975) y marcaría el nacimiento del blockbuster como lo conocemos en la actualidad.

Son varios los aspectos que hacen de Reto a Muerte una cinta interesante, tanto como emocionante y mucho más angustiante. Primeramente encontramos un guión eficaz a cargo del escritor Richard Matheson, también creador de la famosa novela Soy Leyenda.

El relato se podría considerar minimalista ya que nos econcontramos con el antihéroe, David Mann (Dennis Weaver) un hombre común y corriente que viaja a través de una de las muchas autopistas del país de las barras y las estrellas, con el fin de cerrar un negocio. Sin embargo en su trayecto se cruza con un camión cisterna, al que decide rebasar, lo que ocasiona que este lo tome como una especie de ofensa.

Este acto desencadena una pesadilla para Mann (Weaver), el cual será asediado por la monstruosa mole de metal durante todo su viaje, un viaje que pone en riesgo su existencia, y que solo con valor e inteligencia podrá sortear.

Son básicamente tres elementos los que mantienen la historia, el hombre que debe afrontar las dificultades que se le presentan, la amenaza (el camión), el cual definirá las decisiones por parte del héroe. Y por último y no menos importante, el escenario donde interactúan los dos anteriores, y que mejor que las carreteras desérticas y solitarias tan comunes, tan familiares para el espectador. Provocando que uno sienta empatia por Mann, cualquiera de nosotros ha viajado por carretera, es por eso que el terror y desesperación que vive el personaje se sienten reales.

Como he comentado el guión es efectivo, pero gracias a la visión de su director la cinta se torna vibrante, es como si nos subiéramos a una montaña rusa, hay momentos de tensión, luego encontramos otros tranquilos y de nuevo angustia y terror.

Spielberg hace lo que mejor sabe, sus secuencias de acción estan bien filmadas, uno las ve y sabe lo que esta pasando, no perdemos detalle de nada. Basta con ver las primeras tomas subjetivas, que nos dan la sensación de ir dentro del automóvil, bastante originales. Asi como sus encuadres y la composición de los mismos son acertados, pero sobre todo, el director tiene la certeza de dotar a la cinta de buen ritmo.

Asi mismo en períodos muy puntuales de la historia, se hace una exploración del personaje principal, para conocer sus motivaciones, resuelto con pequeñas escenas, como la de la gasolinera y el restaurante.

Por otro lado el camión es verdaderamente amenazador y se percibe como un ente vivo, gracias a que nunca vemos al conductor, solo se nos muestran las manos al volante o la palanca, en otras ocasiones solo el calzado del conductor. Es como si el mismísimo Demonio condujera la mole de metal, la cual en su defensa delantera conserva varias placas, visiblemente de otros autos, como si de trofeos se tratara.

Por último la elección Dennis Weaver como el antihéroe me parece acertada, aunque dota al personaje de patetismo, tal vez para darle más realismo a este.

Por lo demás puedo decir que Reto a Muerte es una cinta efectiva, que logra transmitir emociones y goza de buena factura gracias a su joven director, y un buen guión. El resultado es satisfactorio a pesar de contar con un escaso presupuesto.

Película que da muestras de la capacidad creativa de su director, en la que se percibe más honesto y menos sensiblero que en sus últimos trabajos.

Para finalizar dedico este post a mi buen amigo George, fiel admirador de Spielberg, que en sus propias palabras lo llama el Rey Midas.

martes, 29 de diciembre de 2009

COMEDIA: ¿HACEMOS UNA PORNO?

TÍTULO ORIGINAL: Zack and Miri Make a Porno
AÑO; 2008
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS:E.U.
DIRECTOR: Kevin Smith
GUIÓN: Kevin Smith
MÚSICA: James L. Venable
FOTOGRAFÍA: David Klein
REPARTO: Seth Rogen, Elizabeth Banks, Jason Mewes, Gerry Bednob, Traci Lords, Katie Morgan, Craig Robinson, Tom Savini, Jeff Anderson, Brandon Routh, Justin Long, Anne Wade, Jennifer Schwalbach Smith, David Early, Mattt Potter, Ricky Mabe
PRODUCTORA: The Weinstein Company / View Askew Productions / Blue Askew
WEB OFICIAL: http://www.hacemosunaporno.es/
GÉNERO Y CRÍTICA:Comedia.


¿Hacemos una porno? Es el regreso de Kevin Smith después de dos años de ausencia detrás de cámaras, en esta comedia el director trata de plantear una tesis acerca del cine porno, sin embargo el resultado no ha sido del todo satisfactorio y se queda a medio gas.

Zack (Seth Rogen) y Miri (Elizabeth Banks) son amigos desde la infancia, se ven como compinches y nunca se han sentido atraídos sexualmente. Zack (Rogen) trabaja como mesero en una cafetería, es un tipo con pocas aspiraciones y se toma la vida muy Light.

Miri (Banks) también tiene un empleo similar, y aunque es un poco más responsable que su compañero, este par no es lo suficientemente maduro para afrontar las responsabilidades que se les presentan, sobre todo las económicas.

Pero llega un momento en que estos dos treintañeros, no pueden solventar sus gastos, los que incluyen la renta de su departamento, la luz, el agua, la calefacción. Y si a eso añadimos que Zack gasto sus últimos dólares en una vagina de de carne que compro por Internet (jajaja) para masturbarse, pues la situación se puso peor.

Sin embargo este par para sentirse mejor, decide acudir a la reunión de exalumnos de su generación del bachillerato. Ahí se encontraran con compañeros que han tenido una vida mejor en aspectos económicos, lo que les refleja que quiza no han tomado las mejores decisiones y han desperdiciado un poco su vida.

Zack es un tipo regordete, guarro y vale madrista, por lo que se la pasa bebiendo cerveza e insinuándose a sus ex compañeras durante toda la reunión. Miri por su parte ve a un ex galán, Bobby Long (Brandon Routh) y se le insinúa, lo que no sabe es que este tipo bien parecido es gay y va con su novio Brandon (Justin Long) este último, es actor al igual que Bobby (Routh) de películas porno gay, jajajaja. Cabe mencionar que este segmento donde aparece Brandon Routh y Justin Long como pareja es genial, ya que los actores no tienen ningún enfado en burlarse de si mismos.

Asi pues nuestra pareja protagonista analiza su situación después de la reunión y como estan quebrados, a Zack (Rogen) se le ocurre una grandiosa idea, como converso un poco con Brandon (Long) sobre las ganancias de producir y distribuir porno, decide hacer su propia película porno con Miri (Banks) y asi salir de su precaria situación económica.

En este momento la trama realmente comienza, y es donde Smith trata de abordar ciertos temas un tanto espinosos para algunos sectores de la sociedad moderna, desde su punto de vista muy peculiar. Como por ejemplo la sexualidad como producto de consumo en masas, asi como también se cuestiona a una sociedad cada vez más hipócrita (que usa la moral a su conveniencia), la igualdad de géneros, el amor, etc.

Y aunque el tono de la cinta es desmadroso, el análisis no llega a ser tan mordaz como uno quisiera, aunque hay momentos gloriosos, como por ejemplo las referencias que hace el director a la saga Star Wars, cuando los protagonistas buscan una trama para su cinta. Como muchos sabrán, algunas cintas xxx basan sus historias y estética (algunas bastante cutres) en cintas famosas y lo trasladan a su mundo. Aquí los protagonistas planean grabar una versión porno de La Guerra de las Galaxias.

Al final por problemas de distinta índole, no pueden hacer la de Star Wars, pero Zack (Rogen) no se da por vencido y ambienta la cafetería donde labora como set para filmar la ansiada película. Aquí la cinta vuelve a repuntar ya que las situaciones que viven sus personajes, son bastante divertidas, por ejemplo, cuando se muestra la planificación de las escenas sexuales que tendrán sus actores, que si abra sexo anal, que si sexo oral, etc. O el reclutamiento de actores para la cinta, algunos personajes son bastante peculiares.

Asi mismo la cinta se sostiene gracias a su pareja protagónica, la cual muestra gran química en pantalla, de hecho los actores lucen naturales en sus roles. De Seth Rogen, pues hace lo mismo de siempre, mostrándose como un tipo desmadroso. La que me causo una impresión bastante grata fue Elizabeth Banks, que se percibe fresca y se nota que se divierte en su rol.

Asi como los personajes secundarios, que estan correctos y refuerzan la labor de los protagonistas. Los diálogos son otro punto fuerte en la cinta, ya que algunos son bastante mordaces y ácidos en determinados momentos.

Lo que no acaba de convencerme mucho es su desenlace de la cinta un tanto cursi y melosa, ya que aunque se adivinaba desde su desarrollo por donde van los tiros, uno esperaría algo menos convencional.

Por otro lado la historia avanza con algunos baches, lo que provoca que el film pierda ritmo y se vuelva un tanto tedioso en algunos pasajes del mismo, esto lo podría achacar al guión, que para mi gusto es alargado sin necesidad.

Podría decir que ¿Hacemos una Porno? Es una cinta entretenida, con sus momentos gloriosos, pero que resulta hasta cierto punto blanda en su mensaje final. Y aunque no llega a niveles tan estúpidos como las cintas de American Pie, el producto final se percibe no tan redondo como uno quisiera.

lunes, 28 de diciembre de 2009

CINE DE ARTE: EL CHICO

TIULO ORIGINAL: The Kid
AÑO: 1921
DURACIÓN: 50 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Charles Chaplin
GUIÓN: Charles Chaplin
MÚSICA: Película muda / Versión restaurada: Charles Chaplin
FOTOGRAFÍA: Rollie Totheroh (B&W)
REPARTO:Charles Chaplin, Jackie Coogan, Edna Purviance, Carl Miller, Tom Wilson, Henry Bergman, Lita Grey
PRODUCTORA: Charles Chaplin Productions / First National Picture
GÉNERO Y CRÍTICA: Comedia. Drama. Pobreza. Película muda.


Pues si he demorado un poco para subir otra reseña, ya saben como son estas fiestas navideñas, pero bueno, para no caer en las típicas y tópicas recomendaciones de estas temporadas, he decidido traerles a ustedes una cinta que desde mi punto de vista es un logro cinematográfico, una cinta si se puede decir pequeña, pero a su vez monumental, tanto en su forma pero aún más en su fondo.

Una cinta despojada de grandilocuencias, la cinta en cuestión es El Chico (The Kid), dirigida e interpretada por el mítico Charlie Chaplin.

La cinta nos cuenta la historia de una mujer (Edna Purviance) que da a luz a un varón, sin embargo como el padre no se hace responsable, la mujer decide abandonar al pequeño a su suerte. Pero para suerte del pequeño bebe, es hallado por un simpático y siempre bonachón Vagabundo (Charlie Chaplin) que en un principio trata de deshacerse de él.

Empero, el Vagabundo encuentra una nota en los ropajes del infante que dicen “amen y cuiden a este bebe” y asi el buen corazón de nuestro protagonista decide adoptar al bebe. Pasan cinco años, el vagabundo y el chico viven en un pequeño edificio, un cuarto, donde se encuentra la cama, una pequeña estufa, y una mesa que funge como comedor.

El vagabundo y el chico se han adaptado, tienen roles bien definidos, mas que como padre e hijo, son como camaradas. Hay buenos momentos de humor durante todo el film, a cargo del chico y Chaplin, de los que se percibe una buena química. Basta con ver la secuencia donde el vagabundo y el chico, salen a trabajar.

El chico rompe las ventanas de las casas por donde transita, corre para ocultarse, y momentos después el vagabundo pasa por la misma casa, con ventanas nuevas y mastique. En ese momento las personas salen a ver el desastre y aprovechan que va pasando el protagonista, para que les ponga ventanas nuevas. Lo que no esperaban nuestros tramposos amigos, es que por el barrio un policia los descubre, lo que provoca que estos escapen, geniales de verdad los momentos de humor.

Esta es un muestra de las situaciones con las que cuenta la cinta, por otro lado los gags empleados por Chaplin son bastantes divertidos y les aseguro que no dejaran de reírse. Pero no todo es regocijo y la película, dentro de su guión cuenta con un conflicto, ese que han de enfrentar y resolver nuestros protagonistas, para tener un desenlace más o menos feliz.

Cabe hacer mención que el ritmo de la cinta es bastante fluido, y aunque en momentos muy específicos la historia se torna más tranquila (por la exploración de personajes) la cinta tiene una calidad narrativa eficaz.

Asi mismo cuando uno ve El Chico, puede notar que su apartado visual no se percibe caduco, de hecho los encuadres, asi como las tomas utilizadas y su puesta en escena se aprecian actuales. Otro aspecto destacable es su musicalización, esta se compone de varias piezas musicales clásicas, ya que tratándose de cine mudo, había que apoyarse en la música para reforzar los aspectos emocionales que se quieren resaltar en la historia.

Pero sobre todo lo que hay que destacar es la interpretación de Chaplin, como el eterno vagabundo de gran corazón, sus muecas, sus gesticulaciones, asi como su lenguaje corporal dotan al personaje de humanismo. Asi como la interpretación del chico, el niño es convincente, te hace reir, por momentos casi llorar, que buen actor es.

Como comentaba en un principio, la cinta se despoja de pedanterías en su mensaje, percibiéndose honesta. Esta de más decir que Charlie Chaplin fue, una gran influencia para muchos comediantes, como Cantinflas, aquí en México, que deja ver mucho el estilo del comediante inglés, solo adaptándolo a su cultura y mexicanizándolo.

Asi que si quieren disfrutar de una buena película para estas fechas, donde todo es amor y bondad (y mucho consumismo). Y se encuentran hartos de las mismas películas que pasan cada año, disfruten de The Kid, cinta que no defraudara, ni a chicos, ni a grandes. De hecho a mi pequeña de dos años, le ha gustado.

miércoles, 23 de diciembre de 2009

CINE TERROR: HALLOWEEN 2

TÍTULO ORIGINAL:H2 (Halloween II)
AÑO: 2009
DURACIÓN; 101 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Rob Zombie
GUIÓN; Rob Zombie
MÚSICA: Tyler Bates
FOTOGRAFÍA: Brandon Trost
REPARTO: Scout Taylor-Compton, Tyler Mane, Malcolm McDowell, Brad Dourif
PRODUCTORA: Dimension Films / The Weinstein Company
WEB OFICIAL: http://www.halloween2-movie.com/
GÉNERO Y CRÍTICA: Terror. Secuela

Debo confesar que la primera parte de Halloween, dirigida por Rob Zombie, me pareció correcta, sus atmósferas, encuadres, la violencia empleada como recurso narrativo, etc., pero sobre todo el planteamiento que hace Zombie en la primera mitad de la cinta explicando el origen de Michael Myers, puesto que lo demás era casi una calca del trabajo que había realizado Carpenter.

Esto era comprensible puesto que Zombie al hacer el remake de aquella mítica película, no podía variar mucho el contenido por respeto a la misma y su personaje principal. Ahora dos años después, el director norteamericano tiene libertad creativa y se desprende de los tópicos de la saga, imprimiendo su visión personal sobre el icónico Michael Myers.

Como resultado H2 es un tanto despareja y extraña por momentos, pero tiene ciertos elementos que hacen que este slasher sea sobresaliente, por lo que no la consideraría una mala cinta.

H2 arranca momentos después del desenlace de la primera, presenciamos como se llevan a Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) al hospital por las heridas que ha sufrido por el cruento ataque de Michael Myers (Tyler Mane). Asi mismo nos hayamos con que el cuerpo de Myers es llevado al forense, ya que parece estar muerto.

Pero como es de esperar Michael (Mane) no esta muerto, ha sobrevivido a la ráfaga de disparos que le propino la policia (¿Cómo? No importa, aquí la lógica se deja de lado) y se despacha a uno de los hombres que van en el camión, le corta la cabeza con un vidrio, desde esta escena ya podemos ir viendo el gore empleado, cabe mencionar que este esta bien realizado.

La ventaja que tiene esta cinta con otros slashers, es que Zombie se toma en serio lo que esta contando y le imprime componentes que hacen que el espectador en todo momento se sienta incomodo, esto lo logra apoyándose en su aspecto visual, ya que el director crea atmósferas opresivas apoyándose en la iluminación con una paleta en verdes y ocres, asi como la musica utilizada.

Por otra parte creo que es un acierto que Zombie haya utilizado el formato en 16 mm, ya que este deja un grano más notorio en la cinta, por lo que hay una sensación de suciedad en todo el film, acentuando un ambiente mal sano y lúgubre, característico en el cine del director.

Es por eso que H2 se percibe como una pesadilla desde que inicia, conforme avanza la trama, asi mismo los ataques de Myers cada vez son más cruentos y salvajes, para muestra esta el ataque en el hospital y en un table dance, realmente perturbadores.

Otro punto favorable, es la representación de Michael Myers, el cual en algunos segmentos del filme aparece sin la mascara, luciendo una cabellera y barba larga (muy parecido a Rob Zombie) esto muestra un poco su perfil psicológico, asi como sus motivaciones. Myers se transforma cuando se pone la máscara, no dice ninguna palabra pero cuando ataca, ahora podemos percibir una especie de gemido volviendo a Michael más salvaje.

La incursión del personaje de Sheri Moon Zombie como la madre de Myers, fue muy cuestionada cuando leí sobre el film, sin embargo cuando uno ve y entiende la propuesta del director encaja bastante bien. Deborah Myers (Moon Zombie) aparece en el subconsciente de Myers, por lo que la cinta se vuelve bastante onírica.

Asi mismo la exploración del personaje de Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) es de lo mejor, ella es el eje de esta historia. Han pasado 2 años desde los ataques que sufrió, por lo que su vida no es la misma, tiene pesadillas con Myers, de hecho parece que presencia los asesinatos de este, como si estuvieran conectados mentalmente.

Hasta este punto H2 funciona bastante bien, en su aspecto narrativo y visual, pero lo que viene a lastrarla, es el personaje del Dr. Loomis (Malcolm McDowell) este no encaja en la trama, de hecho termina por ser un fastidio. Lo que Loomis representaba en la saga original (la eterna Némesis de Myers) aquí termina por ser un ser repulsivo que lucra con la desgracia y el dolor de las victimas de Haddonfield, cuando publica un libro sobre los acontecimientos.

O quizá la intención de Zombie era mostrar otra cara del ser humano con el personaje del Dr. Loomis (McDowell) el ser humano convertido en monstruo, sucumbiendo ante los placeres mundanos, y cuestionarnos ¿quien es más monstruo Myers o Loomis? Debo decir que esta fue mi interpretación, pero no termina de encajar por completo el personaje que realiza Malcolm McDowell.

¿El desenlace? mejor veanla ustedes mismos ( queda abierto a varias interpretaciones), eso si huele a continuación, de la cual ya se contempla estrenarla en 3D, en la que también puedo decir ya no estará Zombie al frente del proyecto y creo que esta bien, el director necesita embarcarse en proyectos más personales para que pueda explotar su visión al 100 %, y nos regale otra joyita como Los Renegados del Diablo (2005), aunque esta cinta no le ha salido nada mal, pero como mencionaba al principio, la cinta es despareja por los bajones de ritmo y en un primer visionado se percibe extraña.

H2 es una cinta recomendable, muy por encima de las peliculitas de terror para adolescentes que se vienen haciendo desde hace tiempo, es cruda y violenta, y no solo eso, trata de ofrecer tridimensionalidad a sus personajes para que no sean simples monigotes. Asi que lo siento Jason Voorhess, este enfrentamiento lo gano Michael Myers, ya que Halloween 2 es por mucho mejor cinta que Viernes 13 el inicio.



lunes, 21 de diciembre de 2009

Quentin Tarantino´s MALDITOS BASTARDOS

TÍTULO ORIGINAL: Inglourious Basterds (Inglorious Bastards)
AÑO: 2009
DURACIÓN:153 min
PAÍS:E.U.
DIRECTOR: Quentin Tarantino
GUIÓN: Quentin Tarantino
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson
REPARTO: Brad Pitt, Diane Kruger, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender, Samm Levine, B.J. Novak, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Paul Rust, Michael Bacall, Omar Doom, Sylvester Groth, Julie Dreyfus, Jacky Ido, August Diehl, Martin Wuttke, Richard Sammel, Christian Berkel, Sönke Möhring, Mike Myers, Rod Taylor, Denis Menochet, Cloris Leachman, Enzo G. Castellari
PRODUCTORA: Coproducción USA-Alemania; Universal Pictures / The Weinstein Company / Lawrence Bender Productions / Neunte Babelsberg Film
WEB OFICIAL: http://www.malditosbastardos.es
GÉNERO Y CRÍTICA: Bélico

Por fin sucedió, he visionado Malditos Bastardos ultimo trabajo del siempre polémico y ego centrista Quentin Tarantino (el tipo me cae bien aclaro). El cine de Tarantino siempre me ha parecido interesante y fresco, aunque para disfrutar su obra debemos tomar en cuenta varios aspectos.

Como comenta mi amigo Juan Pablo, Tarantino es un director postmoderno al igual que su cine, esto quiere decir que es auto referencial con otras obras, las cuales conoce y ama. Por lo que el cine posmodernista es una especie de pastiche de varios géneros, como hemos visto en la filmografía del mencionado director, el cual reinterpreta, analizada y muchas veces homenajea.

Malditos Bastardos, inicia como un Western, nos encontramos situados en Francia (1944) una toma panorámica muestra el tiempo y espacio, un pequeño escuadrón de alemanes llegan a una casa, donde se encuentra una familia de campesinos. Un hombre LaPadite y sus tres hijas.

La toma y encuadres son excelentes, asi como el ritmo empleado en la apertura de la cinta. Minutos después llega el escuadrón y se nos presenta al Coronel Hans Landa (Christoph Waltz), de físico no muy imponente, de carácter tranquilo, aunque como espectador uno percibe algo de maldad en el tipo.

Lo que sigue es una de las mejores secuencias tanto en el aspecto narrativo como visual e interpretativo de la película. Cuando El Coronel Landa (Waltz) interroga al señor LaPadite (Denis Menochet) para saber si no oculta ninguna familia judía, obviamente Hans Landa hace confesar a LaPadite y descubre que esconde judíos. Este primer capitulo llamado “Erase una vez...” contiene grandes diálogos, buenas interpretaciones, además de que esta cargado de buen ritmo y suspenso, como mencionaba es de lo mejor del film.

Este capitulo es un ejemplo de la estructura general que tiene la cinta, se divide en capítulos, estos a su vez tienen un inicio, planteamiento, desarrollo, su clímax y conclusión. En cada uno se van presentando diversos personajes, asi como sus motivaciones, algunos tiene mas peso en la trama que otros.

Tarantino
conoce su oficio y tiene control total de su cinta, la puesta en escena es correcta, el ritmo que imprime es fluido, aunque por momentos esta cae un poco, esto por el excesivo uso de diálogos entre personajes que muchas veces no aportan nada a la trama y la vuelven cansina.

Con esto no quiero decir que los parlamentos no sean interesantes, de hecho encontramos diálogos bastante mordaces e inteligentes, como sabrán algunos también hacen referencia a la cultura pop u otras corrientes cinematográficas.

Asi mismo nos encontramos con personajes bastantes exagerados, acorde con la cinta, basta con ver a Hitler (Martin Wuttke) o al teniente Aldo Raine (Brad Pitt), se entiende que la cinta tenga este tono (humor negro) hay que tomarla como una sátira, Tarantino reinterpreta (o se pitorrea, tomenlo como quieran)de la historia (lo mas sobresaliente del filme por cierto) se atreve a dar su propia visión del holocausto judío. Para muestra el clímax final que se da en el cine, son de esas imágenes que se te quedan en la cabeza, para descojonarse de la risa.

Entonces recapitulando, la cinta esta bien montada, tiene buena fotografía, buen ritmo, la historia es interesante y cuenta con personajes atractivos. Pero no todo es miel sobre hojuelas, ya mencione el abuso de diálogos un tanto de relleno, pero también nos encontramos con que los personajes principales LOS BASTARDOS, no salen la mayoria del tiempo, y aunque son el eje de la historia (Hitler esta preocupado por que estos Bastardos que tienen atemorizados a los soldados alemanes, puesto que los métodos con los que aniquilan son bastante cruentos) sus apariciones son muy esporádicas, de hecho lo que sale en el trailer oficial de la cinta es casi lo que veremos de ellos.

Y es que por la publicidad que se le dio a la cinta uno pensaría que el señor Pitt y compañía, harían de las suyas matando nazis a diestra y siniestra de las formas más sádicas y sangrientas posibles. Es por ello que uno pensaría que la cinta es *explotación 100 %.

Asi mismo queda una sensación de vació cuando se termina la función, no es que la cinta sea mala, pero Tarantino recicla muchos de los elementos usados en su filmografía, la musica por mencionar alguno. La propuesta ya no se nota fresca, es como por ejemplo, yo como artista plástico domino la pintura figurativa, uso una estética de comic y quiero decir algo. Pero mi obra tiene la misma composición, la misma paleta cromática, ya no me arriesgo a experimentar otras posibilidades por lo que el discurso se vuelve cansino.

Asi pasa con Malditos Bastardos, se percibe a un Tarantino autocomplaciente, que hace lo que ya domina y no arriesga más, la cinta queda de nuevo como un homenaje a los géneros que más le gustan al director.

Eso si hay que reconocer la labor interpretativa de Christoph Waltz, como el malévolo y carismático Hans Landa, el solito lleva el peso de la película y se come a los demás actores cuando aparece en escena. De hecho Hans Landa podrá ser recordado como uno de los grandes villanos del cine sin temor a equivocarme.

Asi que ¿vale la pena ver Malditos Bastardos? Yo diría que si aunque con reservas, la calidad de la cinta es buena, de hecho esta por encima de la media para lo que se hace en la actualidad, aunque se nota una sequía creativa o autocomplacencia por parte de su autor. Y eso es un poco decepcionante.

*El cine de explotación es un genero que se da a partir de una necesidad de algunos sectores de la sociedad a los que no les llamaba la atención los productos que se hacían en Hollywood, como en la actualidad sucede, además que en ciertos cines (pequeños la mayoria) no era redituable la proyección de grandes producciones.

El género de explotación contiene características muy específicas, en ellas se muestra sexo, violencia gráfica, o situaciones que se consideraban inmorales, en consecuencia se llama explotación ya que se dedica a explotar (valga la redundancia) estos elementos.

viernes, 18 de diciembre de 2009

SERIE B: CRIMINAL

TÍTULO ORIGINAL:Felon
AÑO: 2008
DURACIÓN:90 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Ric Roman Waugh
GUIÓN: Ric Roman Waugh
MÚSICA: Gerhard Daum
FOTOGRAFÍA: Dana Gonzales
REPARTO: Stephen Dorff, Val Kilmer, Harold Perrineau Jr., Sam Shepard, Anne Archer, Nick Chinlund, Marisol Nichols
PRODUCTORA: Pantry Films / Tooley Productions
GÉNERO Y CRÍTICA: Drama carcelario. Thriller .


La cinta que voy a reseñar a continuación pertenece a un subgénero cinematográfico bastante socorrido, el carcelario, este tipo de películas por lo regular son clasificadas como dramas (y vaya que algunos títulos contienen bastante) y como en la viña del señor hay de todo, películas buenas, regulares, malas y bodrios insufribles.

Lo cierto es que Criminal, es un caso extraño ya que aunque no es un bodrio ni mucho menos, mantiene una calidad aceptable en su apartado visual (para haber salido directo a dvd), y cuenta con algunas dosis arguméntales del cine de serie b.

Wade Porter (Stephen Dorff) es un ciudadano modelo, trabaja en su propio negocio de construcción, da empleo a otras personas, tiene una bonita familia, su esposa Laura (Marisol Nichols) y su pequeño hijo Michael.

Pero una noche un ladrón irrumpe en su hogar, Wade (Dorff) persigue a este, pero para que no escape le propina un golpe en la cabeza con un bate, el sospechoso queda tendido fuera de la casa de los Porter. Wade mata al ladrón, sin embargo cuando la policia llega al domicilio y hacen la investigación, inculpan a este por homicidio imprudencial, ya que no encontraron ninguna arma en el cuerpo del sospechoso, y lo peor es que el cuerpo ya no estaba dentro de la casa, por lo cual no se podía demostrar defensa propia.

Wade es juzgado y enviado a una penitenciaria para purgar una condena de tres años por los sucesos. Sin embargo dentro de la cárcel tendrá que convertirse en delincuente para sobrevivir en un ambiente hostil, con custodios corruptos y diferentes bandas de presidiarios.

Ciertamente Criminal no es muy original en su argumento y mucho menos en su ejecución, pero tiene aspectos que hacen del filme disfrutable, creo que son sus personajes principales. La interpretación de Stephen Dorff esta bien, ya que aunque su personaje esta lleno de tópicos, el actor otorga rasgos de humanidad a este haciéndolo creíble. Por otro lado tenemos al malo de la función, el custodio en jefe, Viper (Larnell Stovall), el pone a los reos a luchar entre si y organiza apuestas con otros miembros de seguridad, haciendo todo un negocio.

De Viper también se nos muestra un poco su entorno, el tipo vive con su hijo, fuera de la prisión parece un ciudadano ejemplar, vela por los intereses de sus compañeros, ya que el pueblo se mantiene de la prisión, la mayoria de los hombres trabajan como custodios en la prisión. Viper es un tipo de moral bastante cuestionable.

Por último se encuentra John Smith (Val Kilmer) un reo de alta peligrosidad, que fue sentenciado a cadena perpetua por haber asesinado a una familia completa, cuando se entero que su hija y esposa fueron violadas y ultimadas por estos.

Los tres personajes tienen cargas morales y emocionales, viven con sus propios demonios, Wade (Dorff) y Smith (Kilmer) tratan de sobrevivir, buscando la libertad interior dentro de las cuatro paredes que los mantienen cautivos.

Estos tres personajes son el eje de la cinta, sirven como análisis de varias lecturas (eso si un tanto gastadas) como por ejemplo la lucha del hombre contra diferentes adversidades, la libertad interior del ser humano. Asi como la corrupción de las autoridades en los centros penitenciarios o como la vida puede cambiar en cualquier instante segun las acciones que tomemos. Claro el mensaje no es lo bastante incisivo, puesto que se muestra muy obvio.

La cinta contiene sus dosis de drama, más sin embargo lo que la salva de convertirse en un melodrama son las interpretaciones de Dorff y Kilmer, asi como las dosis de violencia que nos regala su director. Las secuencias de las peleas entre internos estan bien planificadas, asi como la violencia expuesta, asi mismo la cinta esta filmada a modo de documental, esto le otorga más realismo al relato.

También debo comentar que la presencia de Val Kilmer me resulto agradable, este actor es de esos que se suponía iban a tener un futuro exitoso en Hollywood, pero realmente nunca tuvo papeles destacables y sus malas decisiones profesionales lo llevaron a escoger papeles que no le aportaron nada a su carrera, basta con volver a ver Batman Forever (Joel Schumacher, 1996).

Sin embargo siempre lo recordare como la encarnación de Jim Morrison en The Doors (Oliver Stone, 1991) una de sus mejores interpretaciones, asi como la del detective gay de Kiss Kiss Bang Bang (Shane Black, 2005) al lado de Robert Downey Jr.

Bueno pero en Criminal, el bueno de >Kilmer entrega una buena interpretación, bastante serena, sin exagerar registros, su físico también es diferente, para el papel de John Smith el actor norteamericano gano peso, casi esta irreconocible, parece que Kilmer quiere que lo tomen en serio como interprete, al menos su interpretación esta convincente, aunque su personaje este lleno de clichés.

Para finalizar debo indicar que Criminal no es una mala cinta, no será recordada como una obra maestra, de hecho no creo que sea muy conocida, más sin embargo por su honestidad y falta de pretensiones creo que funciona como entretenimiento aunque su mensaje ya este bastante manido.

Para los que quieran ver obras más profundas ahí estan Expreso a la Media Noche (Alan Parker. 1978), Carandiru (Héctor Babenco, 2003) o La Leyenda del Indomable (Stuart Rosenberg, 1967) con un Paul Newman en estado de gracia, por mencionar algunas.

lunes, 14 de diciembre de 2009

CINE DE AUTOR: FUNNY GAMES

TÍTULO ORIGINAL: Funny Games U.S. DURACIÓN: 111 min. PAÍS: E.U. DIRECTOR; Michael Haneke GUIÓN: Michael Haneke MÚSICA FOTOGRAFÍA: Darius Khondji REPARTO: Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt, Brady Corbet, Siobhan Fallon, Boyd Gaines, Devon Gearhart, Robert LuPone, Linda Moran PRODUCTORA: Coproducción USA-GB-Francia WEB OFICIAL: http://www.funnygames-es.com

Funny Games o Juegos Divertidos
, es sin duda alguna de esas películas que se te quedan en la cabeza aun cuando esta ya se ha terminado. Asi pasa con los títulos que dirige este señor, Michael Haneke, por lo menos a mi me paso también con la Pianista (2001) y Caché (2005), obras bastante perturbadoras, pero que reflejan aspectos bastantes sombríos de la condición humana.

Y esta no es la excepción, Funny Games plantea y analiza aspectos sociales como la locura, la deshumanización, la moral (pero no me mal interpreten, me refiero a la moral como normas que mantienen cierto orden en una sociedad cada vez más descompuesta) por mencionar algunos. La historia nos cuenta como una familia, Los Farber van a descansar a su casa cerca de un lago. La familia esta integrada por George Farber (Tim Roth) el padre, su esposa Ann Farber (Naomi Watts) y el hijo Georgie Farber (Devon Gearhart).

Sin embargo ven interrumpida su tranquilidad cuando dos jóvenes Paul (Michael Pitt) y Peter (Brady Corbet) entran en su vida, con el único objetivo de causar malestar (psicológico y físico) en la familia. En uno de los diálogos de la cinta cuando George Farber (Roth) esta herido y no entiende las razones por la que los chicos lo maltratan a él y a su familia les pregunta ¿por qué hacen esto? Acto seguido Paul (Pitt) le contesta ¿Por qué no? Los chicos quieren jugar, aunque los Farber no quieran no tienen opción, ¿el juego? La familia tiene 24 horas para tratar de sobrevivir a las vejaciones físicas y psicológicas de Paul y Peter.

Es ahí cuando uno comprende, más no entendemos el por que. Como seres humanos tenemos el potencial de hacer daño, pero como mencionaba anteriormente algunos valores morales nos contienen de realizar acciones dañinas, diferenciamos el bien del mal. Sin embargo Paul y Peter estan hastiados de la vida misma, son jóvenes sin problemas económicos, estudian en buenas universidades, pero tienen ese vacío emocional, por eso buscan en estos juegos de sadismo la sensación de vida. Me recordó un poco a lo que le ocurría a Patrick Bateman en la cinta Psicópata Americano (2000). Los personajes estan bien definidos, por lo que la cinta esta a otros niveles de las películas de terror convencionales. Asi como las acciones de los protagonistas, se muestran verosímiles dotando al relato de realidad.

Los actores estan bien en sus papeles, sobre todo Michael Pitt como el cruel Paul, mostrándose en todo momento como un ser insensible y sin escrúpulos. Tim Roth y Naomi Watts, hacen creíbles sus personajes, transmiten el miedo, el terror y el dolor al que estan siendo expuestos. Y por si no fuera poco Haneke nos involucra en la historia, para no ser simples espectadores ¿Cómo? A través de Paul, el cual en dos ocasiones voltea a la cámara preguntándonos como creemos que acabara la situación, realmente escalofriante.

Que si la cinta es gore, por momentos, pero los instantes de terror quedan a nuestra imaginación ya que el director acierta en no mostrar nada, solo escuchamos lo que sucede, esto resulta más perturbador aún. De esta forma el director alemán se muestra incisivo y contundente con el discurso que traza de una manera soberbia, gracias a un guión que no tiene fallas, trabajando como maquinaria de reloj. Basta con ver el acontecimiento que se convierte en el detonante de la pesadilla de los Farber. Otro punto favorable es sin lugar a dudas el aspecto estético y la puesta en escena, esta se muestra agradable y hermosa lo que refuerza el contraste emocional de lo que presenciamos en pantalla.

Ya que la historia nos muestra la vida cotidiana de una familia común y corriente, que busca tranquilidad en su hogar de descanso. El hogar que para el ser humano representa seguridad y tranquilidad, y que sin embargo será violada. El ritmo de la cinta es pausado, refleja el asqueante ambiente de zozobra que se percibe en la casa, uno como espectador solo puede oler la muerte en cada fotograma. Funny Games es cruda, sádica y perturbadora, se te queda en la cabeza para bien o mal, sin embargo su violencia no es gratuita, ya que a través de esta, hay un discurso entre líneas que debemos descubrir.

jueves, 10 de diciembre de 2009

CINE DE ACCIÓN: CRANK 2 ALTO VOLTAJE

TÍTULO ORIGINAL Crank 2: High Voltage
AÑO 2009
DURACIÓN: 96 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Mark Neveldine, Brian Taylor
GUIÓN: Mark Neveldine, Brian Taylor
MÚSICA; Mike Patton
FOTOGRAFÍA;Brandon Trost
REPARTO: Jason Statham, Amy Smart, Corey Haim, Bai Ling, Efren Ramirez, Dwight Yoakam, Glenn Howerton, Clifton Collins Jr.
PRODUCTORA: Lakeshore Entertainment
WEB OFICIAL: http://www.crank2.com/
GÉNERO: Acción. Secuela.

Dicen que segundas partes nunca fueron buenas, en este caso creo que no se cumple la regla. Crank 2 Alto Voltaje, es más exagerada, más guarra, y se toma menos en serio que su original.

Es por eso que Crank 2 viene a refrescar un poco el panorama actual del cine de acción, que dicho sea de paso la mayor parte del tiempo se encuentra de capa caída, y mientras algunos exponentes del género como Vin Diesel o The Rock se duermen en sus laureles tratando de figurar en otros géneros cinematográficos, un estoico y falto de carisma John Cena lucha por encontrar un hueco en la industria.

Pero sin temor a equivocarme creo que Jason Statham es el rey de la función en este género, el señor tiene carisma, el físico y no teme reírse de si mismo como lo demuestra en esta cinta.

Crank 2 comienza exactamente donde finalizó la primera, presenciamos como Chev Chelios (Statham) cae de un helicóptero y se estrella en el pavimento, acto seguido llega un grupo de mafiosos (la triada) y recogen lo que parece el cuerpo de Chelios, todo esto combinado con unos créditos de videojuego ochentero.

Para posteriormente observar como le extraen el corazón en una cirugía y le implantan uno artificial, que funciona con una batería y mantiene con vida a nuestro héroe. El motivo de la cirugía no esta muy claro, pero es el detonante de la historia para que Chelios vuelva a cruzar la ciudad de los Ángeles, dejando una orgía de sangrientas muertes y estragos para recuperar su preciado órgano, realmente genial.

La cinta es frenética desde su inicio y no da descanso al espectador, ya que entre la triada china, la mafia mexicana, la policia y una que otra bailarina exótica harán la travesía de Chelios un viaje casi surrealista.

Asi mismo hay que aclarar que la cinta no gustará a todos, y va dirigida a los fans de la primera, ya que por su estructura narrativa y visual podrá parecer chocante para los que no la entiendan o la tomen como lo que es, una sátira, un chiste a final de cuentas sobre la violencia y el cine de acción.

La edición que utilizan los directores Mark Neveldine y Brian Taylor es bastante videclipera, pero embona a la perfección con lo que se esta contando, asi como la música empleada. Los encuadres, asi como las tomas (algunas un tanto imposibles) estan correctas, otorgando fluidez a la cinta, la cual goza de una estética de comic y aun más de videojuego.

Asi mismo el filme vuelve a gozar de un humor bastante negro que no deja títere sin cabeza. Basta con ver la secuencia del table dance donde ingresa Chelios buscando pistas sobre quien tiene su corazón. En el sitio se desata una balacera donde hay muertos por doquier y una bailarina es alcanzada por varios impactos de bala en los seños y estos se desinflan, observándose como sale el silicón de ellos, para descojonarse de la risa.

O la forma en que Chelios busca las fuentes de energía para mantener latiendo su corazón (el cual necesita energía eléctrica), hay que decir que son bastante originales. Chelios como en la primera parte le consulta por teléfono a su médico de cabecera, el que le indica las maneras de obtenerlas para seguir con vida.

De las que me causaron bastante risa estan, cuando Chev Chelios les pide a uno cholos que le pasen corriente, estos sorprendidos ven como el héroe se conecta los cables, una terminal en la lengua y la otra en una tetilla. Chelios recibe la descarga y en otra toma vemos su corazón latir cual motor de carro, genial.

Pero la que se lleva la película, de nuevo es cuando recarga energía con su hermosa novia Eve (Amy Smart), ya que el buen Doc le dijo que la fricción corporal provoca energía, y ya podrán imaginar el proceso. De nuevo como en la primera parte Chelios y Eve practican el ya famoso mete saca en público llevándose una gran ovación por parte del presente, incluyendo la mía, jajajaja.

El personaje de Amy Smart es bastante florero, esta ahí para enseñar su hermoso físico y nada más, pero como comentaba esto es un chiste y las situaciones son políticamente incorrectas encajan a la perfección. El personaje, de hecho dentro de la misma cinta hace alusión sobre la condición de Eve como mero adorno.

En términos generales Crank 2 es entretenida puesto que mantiene el acelerador hasta el fondo desde su inicio, sus dos primeros tercios son una gozada, mas sin embargo su cierre es un tanto anticlimático.

Sus personajes son tópicos hasta la saciedad, las situaciones exageradas, pero funcionan como parodia al género y si ven más allá, hasta se podrían sacar diversas lecturas sociales. Las actuaciones estan correctas, Jason Statham se ve cómodo con su personaje y se percibe que se la pasa pipa dando manporros.

Asi que recomiendo Crank 2, con la consigna de no tomarla en serio y hasta la podrían disfrutar, la cinta tiene de todo sexo, gore, mala leche y un final tan inverosímil como la original.

Mi única duda es ¿habrá otra secuela? Yo diría que no, ya que con esta secuela, básicamente se reciclaron muchas cosas de la original, haciendo que esta por lo menos no fuera tan cansina, pero una tercera provocaría que la broma ya no fuera tan graciosa.