jueves, 28 de enero de 2010

CINE TERROR: BIENVENIDOS A ZOMBIELAND

TÍTULO ORIGINAL:Zombieland
AÑO: 2009
DURACIÓN: 85 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Ruben Fleischer
GUIÓN: Paul Wernick, Rhett Reese
MÚSICA: David Sardy
FOTOGRAFÍA: Michael Bonvillain
REPARTO: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Emma Stone, Abigail Breslin, Amber Heard, Bill Murray
PRODUCTORA: Columbia Pictures / Relativity Media / Pariah
WEB OFICIAL. http://www.sites.sonypicturesreleasing.es/sites/zombieland_site/#/home/
GÉNERO Y CRÍTICA: Comedia. Terror. Acción


Como buen amante al subgénero de los muertos vivientes siempre he tenido la inquietud de buscar más y más material relacionado con estos. Asi mismo esto ha traído como consecuencia que en ocasiones el material revisado sea algo desparejo, desde el grandioso George Romero con su trilogía original, La noche de los muertos vivientes (1968), El amanecer de los muertos (1978) y El día de los muertos vivientes (1985), pasando por Lucio Fulci y su perturbadora Zombi (1979), las divertidas Re-Animator (Stuart Gordon, 1985) y El regreso de los muertos vivientes (Dan O´Banon).

Hasta uno que otro truño como Zombie Strippers (Jay Lee. 2008) con un Robert Englund de capa caída y una Jenna Jameson un tanto desangelada, tal vez por que aquí no se la follan, jajaja. Sin olvidar una de las cintas que más repulsión me han causado por su excrementable factura en cuanto fondo y forma, la odiosa House of Dead de Uwe Boll.


De hecho el material es basto y sería casi imposible mencionar todos los títulos relacionados a estos fascinantes seres (perdón por que he omitido muchos) pero lo cierto es que los filmes relacionados con estos siempre han estado presentes, lo que nos lleva a esta cinta llamada Zombieland, opera prima de Ruben Fleischer.

Zombieland es un pastiche de varios géneros bien balanceados, es una road movie con dosis de comedia, acción, romance y un poco de horror.

Pero vayamos por partes, la cinta comienza con una imagen del planeta tierra en donde podemos observar que éste esta devastado, se encuentra en llamas, una voz en off nos narra los acontecimientos ocurridos. La humanidad ha sido exterminada y solo quedan millones de zombies hambrientos caminando en lo que antes era un mundo civilizado (¿será?).

Acto seguido aparece un joven llamado simplemente Columbus (Jesse Eisenberg) de aspecto físico nada imponente, más parecido a un frikki, este nos explica como ha sobrevivido a la catástrofe enumerándonos unas simples pero efectivas reglas: por ejemplo para no ser presa de los no muertos hay que tener buena condición física, los gordos mueren primero, jajaja, genial.

Cuando huyas en auto, debes ponerte siempre el cinturón de seguridad, ya que si chocas accidentalmente saldrás volando por el parabrisas y serias carnada fácil. El remate es muy importante, los zombis mueren si les deshaces el cráneo, no importa con que (hasta con los discos de acetato, jajaja), si les disparas asegúrate que estén bien fritos, no ahorren balas por que si no también eres comida, esto es el remate.

Asi mismo nunca, pero nunca, pretendas ser un héroe, si no también te carga el payaso. Estas son algunas reglas que nos comparte Columbus (Eisenberg), es por eso que esta parte del film es genial visualmente, además que es un homenaje al propio cine de zombis, es como decir que sobrevive el que tenga más conocimiento sobre el tema.

Después nos encontramos con que Columbus no es el único sobreviviente, éste encuentra a Tallahassee (Woody Harrelson) un adicto a los twinkies, de hecho este tipo es capaz de arriesgar su vida por conseguir alguno de estos pastelillos. También se encuentra con Wichita (Emma Stone) y Little Rock (Abigail Breslin) un par de hermanas dedicadas a embaucar y que por cierto les hacen ver su suerte al otro par.

Basta decir que lo que en un principio puede parecer tópico con respecto a los personajes y situaciones, se va convirtiendo en una montaña rusa de emociones, ya que los héroes van tomando profundidad conforme avanza el relato, esto gracias a la inserción de algunos pasajes que nos explican como vivió cada uno el Apocalipsis. Este favorece y alarga la trama, además de que nos conecta emocionalmente con los personajes, es por eso que estos se vuelven entrañables.

Sin embargo mucho tiene que ver por la labor de los actores, ya que estos lucen cómodos en sus roles y se puede percibir una gran química entre ellos. Aunque destacaría a Woody Harrelson, que aquí se lo pasa de lo lindo repartiendo mamporros a los zombies, además que dota de cierta tridimensionalidad al personaje, ya que bajo ese aspecto de hombre rudo se esconde un ser sensible.

Asi mismo el humor que se maneja en la cinta es bastante negro y ácido, es por eso que el filme además de ser un homenaje al género, también es una sátira, la cual explora de manera un tanto superficial la condición humana, como la incapacidad del hombre para relacionarse con su prójimo, o como en una catástrofe mundial el poder económico no importa, no sobreviven precisamente los más fuertes ni más ricos, ni los más honestos, si no vean a este cuarteto bastante disfuncional, jajaja.

Y como cereza en el pastel tenemos uno de los mejores cameos en el cine actual, la aparición de Bill Murray como el mismo, cabe hacer mención que el propio Murray se burla de si mismo y a su vez de la industria. ¡Que grande es el buenazo de Bill! solo el puede hacer estos papeles, el hombre siempre parece melancólico, pero su humor aunque simplón es bastante efectivo.

Para el cierre, el director deja lo mejor en un escenario que encaja a la perfección, un parque de diversiones lleno de zombies. Para finalizar decir que Zombieland es una divertida y en ocasiones emotiva cinta, que tiene muchos puntos a favor como su apartado visual y ritmo narrativo.

Y aunque en ocasiones la cinta cae en los lugares comunes del género, ésta se siente fresca por su honestidad y algunas vueltas de tuerca en su argumento. Pequeña joya zombiematográfica (si se puede decir) que me dejo un buen sabor de boca como lo hiciera en su momento la genial Shaun of the Dead (Edgar Wright, 2004).

lunes, 25 de enero de 2010

CIENCIA FICCION: SOLDADO UNIVERSAL, REGENERACIÓN

TÍTULO ORIGINAL: Universal Soldier: Regeneration (Universal Soldier 3)
AÑO: 2009
DURACIÓN; 97 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: John Hyams
GUIÓN: Victor Ostrovsky (Personajes: Richard Rothstein, Christopher Leitch, Dean Devlin)
MÚSICA: Michael Krassner, Kris Hill
FOTOGRAFÍA: Peter Hyams
REPARTO: Jean-Claude Van Damme, Dolph Lundgren, Andrei Arlovski, Mike Pyle, Garry Cooper, Corey Johnson, Emily Joyce, Kerry Shale
PRODUCTORA: Sony Pictures Home Video / Foresight Unlimited
GÉNERO Y CRÍTICA: Ciencia-Ficción. Acción. Secuela.


La espera valió la pena, he podido ver la nueva secuela de Soldado Universal llamada simplemente Regeneración, de hecho tenía expectativas muy altas sobre el último trabajo de Jean Claude, aunque debo aceptar que también poseía ciertas reservas, esto lo menciono por que como es un producto salido directamente a video, de repente nos cuelan algunos bodrios infumables.

Pero siendo totalmente honesto (espero que no me haya ganado la emoción), creo que esta nueva entrega de la saga funciona bien y no es descabellado mencionar que es mejor incluso que sus predecesoras, ya que aunque se podría considerar una serie b (por su argumento no muy original) esta se percibe correcta en su apartado visual, de hecho la cinta se despoja de pretensiones, aunque en determinados momentos no remita a las cintas de Terminator.

La historia comienza cuando dos chicos salen de un museo, al parecer son gente bastante importante ya que llevan guardaespaldas, de repente un convoy elimina a estos y secuestran a los chicos. Lo que provoca una persecución por las calles del centro Chechenia, varios de los secuestradores perecen en la operación. Solo uno sigue en pie, este elimina a varios policías y logra escapar con los jóvenes. Aunque fue baleado, no demuestra dolor, se trata de un UniSol (Andrei Arlovski). de nueva generación.

Cabe hacer mención que esta primera secuencia esta bien planificada, de hecho se nota bastante inspirada por parte de su director, desde ese instante ya podemos ir percibiendo por donde va la película.

Después nos enteramos que los chicos son hijos del Primer Ministro Chechenio, han sido capturados para negociar la liberación de 150 prisioneros de la resistencia, la que esta a cargo del Comandante Topov (Zahary Baharov), este promete detonar una bomba en el corazón de Chernobyl si sus demandas no son cumplidas, lo que provocaría una catástrofe mundial.

Pero como todos sabemos los salvadores del mundo no pueden permitir esto, el grandioso y poderoso ejército estadounidense (si, estoy siendo sarcástico) meterá las manos para detener el desastre. Lo que no saben es que Topov (Baharov) cuenta con el más poderoso UniSol (Arlovski) el cual parece invencible, de hecho se despacha a cuatro Unisols americanos, a mano limpia, y a un pelotón.

Esta es de las mejores partes del filme, ya que la inclusión del pelotón americano a Chernobyl esta bien filmada, de hecho me recordó una secuencia de un filme de Kubrick (aquí empiezan las mentadas de madre por tal sacrilegio al que esto escribe) Full Metal Jacket (1987). Ya que el escenario es muy parecido, una ciudad en ruinas, las balaceras son cruentas y violentas.

Asi mismo las coreografías de las peleas son emocionantes, olvídense del ralenti, aquí no hay, las peleas cuerpo a cuerpo duelen, hay sangre, muy al estilo de la trilogía Bourne.

Hasta este momento ya estamos a la mitad del filme, ¿pero donde esta Van Damme? Este solo aparece en algunas escenas bastante dispersas. Su personaje Luc Deveraux, esta atormentado, lleva años de terapia psicológica, se encuentra en un programa de rehabilitación, es como un perro de pelea que quiere sublimar su naturaleza.

Es por eso que las apariciones de Deveraux (Van Damme) hasta ese momento son solo una forma de exploración en la psique del personaje para darle más tridimensionalidad. Van Damme luce cómodo interpretando al atormentado héroe, entrega otra actuación mesurada pero creíble.

Pero no se preocupen amantes del cine de acción y seguidores del músculos de Brúcelas, éste hará acto de presencia en el último episodio del film. Ya que como nadie puede vencer al nuevo y mejorado UniSol (Arlovski), obligan a Deveraux a enfrentarlo, ya que éste es el mejor UniSol de la antigua generación.

Los últimos 20 minutos del film son memorables, acción pura y dura, Van Damme en plena forma. Deveraux (Van Damme) ingresa al complejo en Chernobyl, se despacha a todos los rebeldes solo con su metralleta, el UniSol se muestra implacable, sobre todo en los combates cuerpo a cuerpo, utilizando solo un cuchillo, genial. Además de que ésta secuencia esta resuelta con una toma continua, la cual logra transmitir más realismo a lo que estamos viendo.

Y para el enfrentamiento final, como aperitivo, aparece Andrew Scott (Dolph Lundgren) el viejo archienemigo de Deveraux. Aunque el enfrentamiento es emocionante, por las coreografías de la pelea, la incursión de Lundgren este en la historia se siente forzada. Inclusive si esta no hubiese aparecido no afectaría la trama, no obstante fue bueno ver de nuevo al actor alemán, que dicho sea de paso luce bastante conservado, no asi el actor belga que aunque conserva buena condición física ya no puede ocultar la edad.

Asi mismo creo que Lundgren merecía una mejor participación en la cinta, ya que su aparición podría considerarse un simple cameo, pero bueno, su presencia viene a inyectarle un poco de nostalgia al film. Como es de esperar, Deveraux (Van Damme) vence al malo de la función (Arlovski) en una buena pelea cuerpo a cuerpo logrando rescatar a los chicos.

Es por eso que Soldado Universal: Regeneración, es una buena cinta de acción, que contiene buenas dosis de violencia, buena fotografía y un ritmo bastante fluido. Y aunque no es una maravilla, si es de los mejores trabajos de su protagonista, que demuestra que esta de regreso. Tal vez los personajes sean bastante tópicos y la exploración de los mismos se sienta forzada pero en conjunto funciona.

Cinta recomendable para aquellos que como yo, añoran los maravillosos ochentas y noventas, donde los John McClean, los Rambos, etc. eran héroes de carne y hueso que podían contener cualquier catástrofe mundial a puño limpio, jajaja.

sábado, 23 de enero de 2010

CIENCIA FICCIÓN: PARQUE JURASICO

TÍTULO ORIGINAL: Jurassic Park
AÑO: 1993
DURACIÓN: 120 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Steven Spielberg
GUIÓN: David Koepp & Michael Crichton (Novela: Michael Crichton)
MÚSICA: John Williams
FOTOGRAFÍA: Dean Cundey
REPARTO: Sam Neill, Jeff Goldblum, Richard Attenborough, Laura Dern, Samuel L. Jackson, Richard Kiley, Joseph Mazzello, Bob Peck, Martin Ferrero, B.D. Wong, Wayne Knight, Ariana Richards
PRODUCTORA: Universal Pictures/ Amblin Entertainment
GÉNERO Y CRÍTICA:1993: 3 Oscar: mejor sonido, efectos de sonido, efectos visuales / Ciencia-Ficción. Fantástico.


A petición especial de un buen amigo y seguidor (el buen George) de este humilde blog, he revisado de nuevo esta cinta realizada por uno de los directores más influyentes en el cine comercial contemporáneo, el señor Steven Spielberg.

De hecho volver a ver la cinta me pareció un ejercicio bastante interesante y hasta cierto punto morboso, ya que independientemente de que la cinta funcione o no, uno se da cuenta que la historia es cíclica y por ende en determinados momentos esta se repite, lo menciono por que en su momento Jurassic Park revolucionó para bien o para mal (como cada quien lo quiera ver) la manera de hacer blockbusters para consumo masivo, el ejemplo más tangible es la laureada por muchos, y hasta cierto punto sobrevalorada Avatar de James Cameron.

Al igual que Cameron con su última cinta, en 1993 Spielberg buscaba técnicas y herramientas tecnológicas que le pudieran dar la posibilidad de contar mejor su épica. La era digital había llegado para quedarse, de hecho el propio Cameron ya había realizado un par de cintas con estos avances, Abismo (1989) y Terminator 2: El Juicio Final (1991).

La cinta de Spielberg nos cuenta la historia de un millonario, John Hammond (Richard Attenborough) que gracias a las investigaciones que realiza su compañía logra obtener ADN de dinosaurio, el cual se encontraba en un insecto y que con el paso del tiempo quedo intacto atrapado en brea, por si fuera poco, este gran descubrimiento puede regresar a los dinosaurios al mundo moderno.

Este es un hallazgo demasiado importante para la humanidad, por lo que el filántropo decide compartirlo con ella, creando Jurassic Park, un parque temático para que todos puedan ver a los seres más extraordinarios vivitos y coleando, 65 millones de años nos separaban de esta especie, ahora nos hemos fusionado.

Sin embargo no todo es felicidad, ya que un empleado pereció cuando ponían a os velociraptors en los diferentes compartimentos del parque, por lo que John Hammond es demandado y la apertura del complejo corre el riesgo de no llevarse acabo. Este último, para salvar la reputación del parque (ya que va enfocado al divertimento familiar) junta a un equipo multidisciplinario, con el fin de que den su aprobación al lugar y este cumpla su cometido.

En ese momento se nos presenta a los personajes, tenemos al Dr. Alan Grant (Sam Neill) un paleontólogo al igual que la Dra. Sattler (Laura Dent) quienes sienten una gran pasión por la investigación de los dinosaurios. Así como también conocemos al Dr. Ian Malcolm (Jeff Goldblum) un matemático, este es más escéptico y cauteloso. Por último también encontramos a un abogado que se encargara de verificar la parte legal del parque.

La cinta esta estructurada de tal forma que podemos identificar como ésta se divide en dos partes, la primera tiene la finalidad de plantear y sustentar algunas teorías sobre la existencias de los dinosaurios, recordemos Michael Crichton antes de ser novelista, fue científico, es por eso que sus novelas gozan de ciertos elementos teóricos, por lo que crea una corriente llamada Tecno Thriller.

Así mismo cuenta con un ritmo narrativo que mantiene un cierto interés en el espectador por lo que se muestra y explica (el nacimiento de pequeños velociraptors por ejemplo), además de que sirve como plataforma para explorar las diferentes motivaciones de los personajes principales, y aunque estos son algo tópicos logran funcionar en su entorno. Pero principalmente nos prepara para la gran función, que es donde Spielberg da muestras de su capacidad para crear grandes espectáculos que entretienen al presente.

Aquí comienza la segunda mitad de la cinta, con una de las secuencias más emocionantes del film (lo adivinaron) la aparición en escena del Tiranosaurio Rex, que luce bastante real, gracias a la combinación de animación digital y la utilización de los animatronics creados por el gran Stan Winston. Asi mismo las atmósferas, una adecuada fotografía y un buen manejo de suspense es efectiva, como olvidar ese vaso con agua que nos avisaba que algo grande se acercaba. Esta secuencia brinda los mejores veinte minutos del film, además de que se refuerza de una banda sonora bastante efectiva a cargo de de John Williams.

Sin embargo después de este acontecimiento la cinta baja un poco el ritmo, para entrar en reflexiones por parte de sus personajes, en específico el Dr. Grant (Neill) y el Dr. Malcom (Goldblum) que en un principio se encuentran maravillados con la existencia de los dinosaurios, pero que sin embargo después de los acontecimientos ocurridos, se dan cuenta que Jurassic Park es solo una ilusión, ya que el hombre cuando juega a ser Dios finalmente sale perdiendo y lo que es peor conyeva consecuencias desastrozas. Como decía el Dr. Malcom la naturaleza siempre encuentra la forma de crear vida, es por eso que el supuesto control de natalidad de los Dinosaurios se modifica, y estos pueden reproducirse. Básicamente ese es el mensaje de la cinta.

Aunque para el final ésta remonta con un enfrentamiento entre el T Rex y los villanos de la función, los Velociraptors quienes son presentados como seres realmente inteligentes. Estos entregan también grandes momentos de tensión en la historia.

Jurassic Park, es una película realmente entretenida, que gracias a la capacidad de su director, así como un reparto de actores solventes, convierten a este título en un producto recomendable.

Aunque también mantiene algunos fallos habituales en la filmografía de su director, como la incursión de los niños en el relato (una constante), los cuales ablandan el resultado, puesto que aunque cuenta con momentos oscuros (como la muerte del abogado) estos no llegan a perturbar demasiado, aunque se agradece el humor negro que se muestra por momentos. No obstante es entendible ya que la cinta por ser un producto de consumo masivo, tenía que estar mesurado.

A 17 años de su creación, Jurassic Park no pierde la emoción ni su capacidad de sorpresa, sus dinosaurios se siguen percibiendo bastante reales y naturales, gracias a un gran equipo de artistas, no se si pueda considerarla un clásico moderno de la ciencia ficción, pero lo que si es seguro es que se convirtió en un fenómeno en la cultura popular que persiste hasta nuestros días, y que como comentaba en un principio revolucionó la manera de hacer cine para grandes masas, algo que el Sr. Spielberg entiende y domina.

Pero como siempre sucede en este tipo de filmes, dejo bastantes ganancias económicas y dos secuelas menos inspiradas que terminaron temporalmente con la franquicia. Esto lo comento por que próximamente tendremos más dinosaurios, probablemente en 3D (un artificio para esconder carencias narrativas) con posibles tres secuelas para reanimar la vieja franquicia.


Sam Neill en una imagen bastante icónica

martes, 19 de enero de 2010

CINE DE AUTOR: LA PIANISTA

TÍTULO ORIGINAL La pianiste
AÑO: 2001
DURACIÓN;130 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Michael Haneke
GUIÓN: Michael Haneke (Novela: Elfriede Jelinek)
MÚSICA: Martin Achenbach
FOTOGRAFÍA: Christian Berger
REPARTO: Isabelle Huppert, Benoît Magimel, Annie Girardot, Anna Sigalevitch, Susanne Lothar, Udo Samel
PRODUCTORA: Wega-Film / MK2 / Les Films Alain Sarde
GÉNERO Y CRÍTICA:2001 Cannes, Mejor actriz (Huppert) y Mejor actor (Magimel)Drama.


Ver el cine de Michael Haneke es hacer un viaje a los rincones más oscuros del ser humano, su obra se despoja de autocomplacencias y la mayoría de las veces duele verla, pero no cabe duda que no deja indiferente a cualquiera que se de la oportunidad de deleitarse de su particular visión del hombre.

Es por eso que la obra del director alemán se percibe fresca y no caduca, el ejemplo tangible es esta cinta, la cual he visto en dos ocasiones, y aunque hay un periodo bastante amplio entre cada revisión, puedo decir que no deja de sorprenderme lo buena que es, ya que revive sensaciones cuando uno la esta visionando (aunque estas sean en su mayoría desagradables), y es que son pocas las obras que logran trascender aun cuando la proyección se ha terminado.

La Pianista nos muestra sin tapujos la miserable vida de Erika Kohut (Isabelle Huppert) una maestra de piano que esta en sus cuarenta y tantos años, vive con su madre (Annie Girardot), esta última es controladora y posesiva, y por si fuera poco la trata como una adolescente.

Los que conocen a Erika (Huppert) la perciben como un ser inclemente y aunque es una excelente maestra sus alumnos le temen por lo dura que es en su disciplina. Entre las actividades extraescolares que tiene Erika, están las visitas a los cines pornos donde intenta experimentar alguna sensación que le cause placer, sin embargo esta tan castrada sexualmente, pero sobre todo emocionalmente que no logra sentir nada. Esto lo podemos constatar en una de las escenas más perturbadoras del filme, cuando la protagonista se corta el clítoris, una muestra más de la imposibilidad de sentirse plena. Cabe hacer mención que nada es gratuito en este titulo.

La relación que lleva con su madre es bastante enfermiza, ya que su progenitora jamás le ha brindado afecto y siempre la ha minimizado, por lo que Erika casi siempre busca la aprobación de esta, provocando enfrentamientos bastante frecuentes.

Sin embargo y de manera inesperada un joven, Walter Klemmer (Benoit Magimel) entra en la vida de Erika, causando en ella ciertas inquietudes, cosas que nunca había sentido, pero no se preocupen amigos lectores, esta no es una historia de amor (o ¿si?) por lo menos no es común y corriente. Para cuando el personaje de Klemmer a aparecido en la historia, el presente ya ha recibido varios baldes de agua fría por parte del director, el cual sin tapujos cuestiona la moral, la identidad sexualidad, el masoquismo, la igualdad de géneros, discute incluso la condición del propio arte mostrándolo como frívolo y banal.

De nuevo a Haneke le importa un carajo lo que podamos pensar, se percibe trasgresor y honesto en su discurso. Y solo vamos a la mitad del relato, pero el director nos tiene preparado lo mejor para el acto final.

El filme es perturbador tanto como desolador, es un puñetazo en la cara, es un descenso a los infiernos internos del ser humano, aquí no hay clichés, no hay pedanterías, esto es cine y punto señores.

Mención aparte merecen los actores, los cuales entregan unas interpretaciones geniales, Isabelle Hupert tiene la difícil tarea de dotar de tridimensionalidad a su personaje, conforme se desarrolla la cinta el personaje de Erika se va transformado, nunca es igual, la actriz logra transmitir los estados emocionales que vive su personaje.

Su contraparte masculina (Klemmer) no se queda atrás, ambos personajes están tan bien interpretados que aterrorizan, ya que no vemos estereotipos, vemos a personas pasando por un proceso psicológico bastante duro.

El guión no tiene fisuras, demostrando que es la columna vertebral del film, (como debería de ser en cualquier obra cinematográfica), su ritmo es pausado pero engancha desde su inicio y si a eso añadimos la buena dirección de Haneke, el resultado es una excelente cinta, incomoda por momentos, no cabe duda.

La Pianista es una cinta que debe verse, tal vez no sea fácil pero ¿a quien le gustan las cosas peladitas y en la boca?, su revisión es obligada como la obra de su creador para aquel guste de buen cine. Para finalizar debo confesar que espero con ansias ver el nuevo trabajo de este señor, llamado La Cinta Blanca (2009).

También puedes ver:

Funny Games, 2007 (Funny Games U.S.)
Caché, 2005 (Observador Oculto)

lunes, 18 de enero de 2010

CINE DE CULTO: EL CAMINANTE

TÍTULO ORIGINAL The Hitcher
AÑO: 1986
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Robert Harmon
GUIÓN: Eric Red
MÚSICA: Mark Isham
FOTOGRAFÍA: John Seale
REPARTO: C. Thomas Howell, Rutger Hauer, Jennifer Jason Leigh, Jeffrey DeMunn, John M. Jackson
PRODUCTORA: TriStar Pictures / HBO / Silver Screen Partners
GÉNERO Y CRÍTICA: Thriller. Acción. Terror.


Algunas cintas que conservan el status de culto en ocasiones no son grandes obras cinematográficas, pero pueden tener características que hacen que trasciendan a través del tiempo, además de que en ocasiones algunos trabajos se perciben honestos.

En el caso de El Caminante, al mismo tiempo de que cuenta con los elementos mencionados con anterioridad, también tiene a un actor bastante carismático y de una gran presciencia, el grandioso Rutger Hauer, el cual será recordado por muchos, por su interpretación como el Replicante de la ya mítica Blade Runner (Ridley Scott, 1982), pero que sin embargo tiene en su haber más de una treintena de cintas a sus espaldas.

La cinta de Robert Harmon comienza de manera magistral, ya que emplea algunos planos generales del desierto que nos muestran las solitarias autopistas que conectan a la ciudad de Chicago con Los Ángeles, en ellas podemos observar a un sedan rojo.

El auto avanza a través de una tormenta, parece que va a amanecer, el ambiente se percibe frío, de repente estamos dentro del auto, un joven llamado Jim Hasley (C. Thomas Howell) lo conduce y lucha por no dormirse, toma un poco de café, un volkswagen amarillo lo rebasa. El chico viaja a través de la carretera con el fin de entregar el auto en otro Estado.

Otras tomas nos muestran algunos letreros que señalan varias rutas, y de nuevo más desierto, Hasley (Howell) sigue conduciendo su auto y metros adelante un extraño le hace la parada (continua lloviendo), el joven duda pero recoge al hombre . De hecho el propio Hasley le comenta al caminante: -Mi madre me dijo que nunca recogiera a un extraño.

El extraño (Hauer) esta empapado y no dice ni una palabra, sin embargo sus profundos ojos azules denotan algo perturbador, el joven trata de conversar con el, pero este no contesta. Algunos metros adelante, los dos tripulantes ven al volkswagen amarillo que rebaso al sedan rojo, este se encuentra estacionado bajo la lluvia, con las puertas abiertas. Hasley quiere detenerse para ayudar a los tripulantes, pero el extraño le comenta que no hay nada que hacer, que estos están muertos, ya que el los asesino. En ese instante comienza la peor pesadilla para Hasley ya que lleva con el a un psicópata, el cual solo pide aventón para satisfacer sus instintos asesinos, pero que en el fondo solo quiere ser detenido.

Lo anterior es la premisa de esta road movie, que nos lleva por un viaje lleno de tensión, gracias al villano (Hauer) que sin decir casi ni una sola palabra logra transmitir toda la maldad y sadismo de un ser enfermo. Así mismo el buen manejo de atmósferas, así como una adecuada fotografía del desierto, hacen de este el sitio perfecto para sentir angustia y terror. Además de que el relato cuenta con situaciones mal sanas y políticamente incorrectas, para muestra la escena de la chica que es desmembrada cuando esta se encuentra amarrada a dos camiones.

Así mismo la historia también plantea una extraña relación entre victima y victimario, ya que sin conocerse realmente, ellos saben que solo uno podrá sobrevivir. Y es que John Ryder (Hauer) no busca eliminar a Hasley (Howell) en primera instancia, su principal objetivo es que el joven lo detenga poniéndolo a prueba, ya que Ryder comienza un juego perverso incriminando a su Némesis en los crímenes que el cometió.

Sin embargo no todo es perfecto, ya que en el argumento hay algunas vueltas de tuerca bastante inverosímiles que rompen un poco el suspenso y ritmo con el que contaba la cinta, por ejemplo los eventos que pasan en la comisaría, por mencionar alguno. Esto trae como consecuencia que la película tenga algunos bajones de ritmo, pero que en el último acto, también bastante increíble, remonta para tener un cierre correcto.

La cinta no cuenta con gore, más sin embargo el director inserta buenos momentos con algunas dosis de violencia bastante sugerentes. Por otro lado creo firmemente que la cinta pasaría sin pena ni gloria si no hubiese contado con Hauer, ya que el actor tiene una presencia física que impone, además de que su interpretación es bastante natural, por lo que su personaje causa más temor aún.

El joven Howell cumple como el héroe en turno, y su interpretación está correcta, algo que se agradece en este tipo de producciones. Jennifer Jason Leigh no tiene un papel muy sobresaliente en la historia, aunque su personaje se incluye para darle más tensión al relato, algo que no se cumple al 100 %.

El Caminante es una cinta entretenida que se percibe honesta en su propuesta, y que gracias a su villano, así como una solvente dirección logra trascender, causando en el espectador (al menos a mi me paso) nostalgia ya que cintas como estas ya no se hacen.

De hecho esta cinta parece una obra de arte si la comparamos con su lamentable remake realizado en el 2006, ya que aunque contaba con un buen actor, como Sean Bean, esta no le llega a los talones a Hauer.

miércoles, 13 de enero de 2010

CINE DE AUTOR: TENIENTE CORRUPTO

Teniente corrupto
TÍTULO ORIGINAL: Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans
AÑO: 2009
DURACIÓN: 121 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Werner Herzog
GUIÓN: William M. Finkelstein (Remake: Abel Ferrara, Zoë Lund, Victor Argo, Paul Calderon)
MÚSICA: Mark Isham
FOTOGRAFÍA: Peter Zeitlinger
REPARTO: Nicolas Cage, Eva Mendes, Val Kilmer, Xzibit, Shea Wigham, Fairuza Balk, Katie Chonacas, Brad Dourif, Jennifer Coolidge, Michael Shannon, Shawn Hatosy, Irma P. Hall, Vondie Curtis-Hall, Tom Bower
PRODUCTORA: Millennium Films / Nu Image Films / Edward R. Pressman Film
WEB OFICIAL: http://www.badlieutenantportofcallneworleans.com/
GÉNERO Y CRÍTICA:Drama. Drogas. Remake

Debo confesarlo esta cinta decidí verla por morbo, ya que conocía el trabajo de Abel Ferrara, del cual se supone esta basado este remake. Aquella cinta se podría considerar como un policiaco común y corriente, sin embargo contaba con un Harvey Keitel entregado en cuerpo y alma en su interpretación como el corrupto policia adicto a la cocaína, que desciende a su propio infierno existencial y trata de encontrar un poco de redención, cuando trata de resolver un caso sobre la violación y asesinato de una monja.

Además tenía curiosidad de ver cómo el Sr. Cage resolvería su personaje, ya que Keitel había dejado el listón muy en alto. Y es que repasando los últimos trabajos de Nicolás Cage (salvo algunas excepciones) podemos ver que el histrión la mayoria de las veces se pasa de rosca en sus interpretaciones, mostrándose sobreactuado.

Sin embargo como este proyecto esta a cargo de Werner Herzog, pues a la cinta se le da el beneficio de la duda, ya que el realizador tiene la experiencia y visión para encarar cualquier proyecto. De hecho Herzog es inteligente y realiza un remake un tanto diferente al original, por que aunque en esencia el argumento es el mismo, algunas aristas del propio dotan al relato de cierta originalidad.

Todo comienza en Nueva Orleáns horas después de que el huracán Katrina azoto el estado, los detectives Terence McDonagh (Nicolas Cage) y Stevie Pruit (Val Kilmer) se encuentran dentro de una comisaría, ahí encuentran a un prisionero que esta atrapado en una celda y el agua sigue aumentando, si no lo sacan morirá ahogado.

McDonagh y Pruit, hacen bromas sobre el tipo y piensan dejarlo ahí, empero el primero decide rescatarlo. Es por eso que meses después el detective McDonagh es ascendido a Teniente y se le da la medalla de honor por sus actos heroicos. Sin embargo del mismo modo, esta acción le provocó una severa lesión en la columna, asi que tendrá que medicarse de por vida con vicodin.

El Teniente McDonagh ante la sociedad, asi como para el cuerpo policiaco es un hombre honorable. Sin embargo este se dedica a la extorsión, el juego, el tráfico de drogas y sobre todo es adicto a la cocaína.

Como comentaba el argumento es casi el mismo de la original, pero en esta historia se introduce una historia de amor, la cual encaja bien ya que esta desencadena algunas subtramas que enriquecen el relato.

De hecho Herzog mantiene la trama con un ritmo pausado pero fluido, y nos sumerge en la psique del protagonista, el cual dicho sea de paso es mostrado con una moral bastante dudosa, prácticamente la primera hora de metraje conocemos las motivaciones del mismo. Esta primera mitad del film es hasta cierto punto como cualquier cinta policíaca, donde el Teniente investiga un caso, sigue pistas, etc.

Pero entrados en la segunda mitad comienza el desmadre, donde Herzog y Cage parece que se divierten de lo grande, ya que algunas situaciones se vuelven bizarras, a veces hasta surrealistas, pero sobre todo cargadas de humor bastante negro y no queda más carcajearse. Si no, basta con ver la escena donde aparecen unas iguanas, solo puedo decir que es delirante.

Lo que en la cinta de Ferrara era sórdido y explícito, en el trabajo del director alemán se muestra de manera más sugerente y con estilo, pero el mensaje es igual de contundente.

Es por eso que la interpretación de Cage encaja a la perfección con el tono de la cinta, ya que nuestro calvo amigo logra matizar a su personaje. Su aspecto físico, asi como su desenvolvimiento es el de un personaje patético, pero cuando este se pone drogado, el señor Cage hace lo que mejor sabe y nos entrega sus mejores muecas y tics a los que nos tiene acostumbrados.

El reparto de secundarios cumple con su labor, entre los que se encuentran Val Kilmer, Xzibit y Eva Méndez la cual tiene un papel decoroso, evitando ser la típica mujer florero en este tipo de cintas. Se nota que Herzog sabe manejar a sus actores.

En el aspecto visual la cinta no tiene fallas, la fotografía, asi como los encuadres y composición de los mismos estan bien, de hecho llevan el sello característico de su director.

En general la cinta no esta mal, aunque al igual que la original queda en un thriller policíaco bastante común. Es por eso que uno se pregunta por que Herzog acepto realizar este film, probablemente para costear algún proyecto más personal. Sin embargo hay que darle una oportunidad, ya que su director como los grandes pintores, como por ejemplo Francisco de Goya, hacian obras por encargo y se mofaba de algunos sectores de poder, al igual Herzog con esta cinta se pitorrea de la industria y para hacer eso hay que tenerlos bien puestos.



-McDonagh: ¡Dispárale otra vez!
-Big Fate: ¿Para qué, si ya esta muerto?
-McDonagh: Pero su alma sigue bailando........

lunes, 11 de enero de 2010

CIENCIA FICCIÓN: ALIENS VS DEPREDADOR 2

TÍTULO ORIGINAL AVPR: Aliens vs. Predator: Requiem (Alien vs. Predator 2)
AÑO: 2007
DURACIÓN: 86 min.
PAÍS:E.U.
DIRECTOR: Colin Strause, Greg Strause
GUIÓN: Shane Salerno (Personajes: Dan O'Bannon, Ron Shusett, Jim Thomas, John Thomas)
MÚSICA: Brian Tyler
FOTOGRAFÍA: Daniel Pearl
REPARTO: Steven Pasquale, Reiko Aylesworth, John Ortiz, Johnny Lewis, Ariel Gade, Kristen Hager, Sam Trammell, Robert Joy, David Paetkau, Chelah Horsdal
PRODUCTORA: Twentieth Century-Fox / Brandywine Productions / Davis Entertainment / Dune Entertainment
WEB OFICIAL: http://www.avp2.es/
GÉNERO Y CRÍTICA: Ciencia-Ficción. Terror. Fantástico.


Cierta mañana de un sábado, después de levantarme a eso de las 6:30, ¿Qué por que me levante a esa hora en sábado? la razón es muy simple, mi hija de dos años no me dejo dormir, esto por que se acostó con mi esposa y conmigo, y pues la pequeña se movía, me tiraba patadas en las costillas, manotazos en la cara, asi me dieron la seis de la mañana y el sueño se había ido.

Entonces pensé, voy aprovechar para ver una película, solo que ahora el problema era que titulo ver. Asi comenzó el vía crucis, ¿ver una de Pasolini?, ¿Cuál? Saló o los 120 días en Sodoma pensé, pero después concluí, creo que no, esta muy grotesca y es muy temprano para degustar ese platillo, además los simbolismos asi como su discurso no creo poderlos divisar al 100% si todavía me encontraba en calidad de bulto.

Bueno, ¿una de Van Damme? al fin y al cabo el músculos de Brúcelas casi nunca me decepciona, pero recordé que hace poco había visto la excrementable Street Fighter, lo que me provocó náuseas y desistí en esta opción. ¿Una de Wong Kar-Wai? este director es de los macizos en su propuesta, pero no hace mucho había revisado Happy Together (luego subo la reseña) asi que harto de tanta indecisión, recordé que tenía pendiente ver la secuela de la naif y videoclipera Alien vs Depredador.

Total solo tenía que sentarme en el sillón, ponerle pausa a mi cerebro y darle play al dvd. Y debo confesar que la experiencia fue agradable, ya que esta secuela al no tener tantas pretensiones resulta una entretenida serie b, eso si es mejor que su antecesora.

La cinta comienza exactamente donde termina la primera, el Alien alojado en el cuerpo del Depredador que murió en combate se esta gestando, lo que provoca que cuando este sale del cuerpo se reproduzcan y desencadena una masacre donde los Predators sacan la peor parte. Instantes después la nave se estrella en un pueblo de los E.U. en medio de una zona boscosa. Como podrán inferir los Aliens salen de la nave y se dirigen al pueblo para masacrar a quien se cruce en su camino.

Pero para ponerle más emoción al relato (supuestamente) un Depredador desde su planeta natal, capta la señal de la nave que se estrello y decide ir a cazar a los parásitos extraterrestres. Por supuesto en medio de esta batalla estarán los humanos que solo servirán de carne de cañón para darle sabor al asunto.

Esta es a grandes rasgos la trama de la cinta, que como comentaba al principio tiene características de serie b, asi mismo puedo comentar que esta película funciona como mero entretenimiento.

Por un lado nos encontramos con una puesta en escena que funciona hasta cierto punto, primeramente por que las atmósferas estan bien logradas, estas son sombrías y lúgubres (¡ah! David Fincher tu legado es muy largo) lo que mantiene casi toda la cinta con un ambiente de incertidumbre. Además la mayor parte de lo que presenciamos esta bajo la lluvia.

Otro punto favorable es que las secuencias de las batallas entre Predators y Aliens ya no cuentan con las coreografías de video juego de la primera parte, ni el famoso ralentí que causaba más pena ajena que otra cosa.

Sin embargo las batallas no se pueden apreciar del todo, ya que la fotografía empleada es tan oscura que impide vislumbrarla al 100%. Asi mismo la historia arranca de manera lenta, por que se nos presenta a los personajes, todos ellos clichés, de hecho con solo verlos ya sabemos quien va a morir primero y quienes son los héroes. En esto se pierden casi treinta minutos, por lo mismo la cinta se percibe lenta, pero cuando aparecen en escena los Aliens, Humanos y Predators comienza la diversión y mala leche.

De hecho lo mejor de la cinta es cuando esta se encuentra en pleno clímax, el cual se desarrolla en un hospital, y los Aliens lo toman como nido para reproducirse. En una escena podemos ver como en el área de maternidad hay decenas de mujeres que estan a punto de dar a luz, estas servirán como madres para los nuevos embriones alienígenas. Acto seguido presenciamos como explotan los vientres de las mujeres y salen los Aliens, esta escena es políticamente incorrecta y grotesca, genial. Además esta secuela cuenta con más gore que su predecesora, por lo que se puede disfrutar.

Si tuviera algo que achacarle a la cinta, es que esta cae en los lugares comunes, ya que se plantea lo que se ha visto en infinidad de cintas, como es de esperarse aparece el ejército Norteaméricano, el cual sabe lo que esta ocurriendo pero para guardar el secreto pues se cargan a todo el pueblo. Aunque no llega a niveles tan estúpidos, ni patrioteros como en las cintas de Michael Bay.

Para finalizar decir que Aliens vs Depredador 2 es una peliculilla pasable, llena de clichés y algunas situaciones absurdas, pero que no tiene mayores pretensiones que entretener al presente y que por su concepción supera a su predecesora, algo que no era muy difícil de lograr.

martes, 5 de enero de 2010

DRAMA: EL AMO DEL VIENTO

TÍTULO ORIGINAL: The World's Fastest Indian
AÑO: 2005
DURACIÓN: 127 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Roger Donaldson
GUIÓN: Roger Donaldson
MÚSICA: J. Peter Robinson
FOTOGRAFÍA: David Gribble
REPARTO: Anthony Hopkins, Bruce Greenwood, Diane Ladd, Paul Rodriguez, Aaron Murphy, Annie Whittle
PRODUCTORA Magnolia Pictures presenta una producción WFI Productions
GÉNERO Y CRÍTICA: Aventuras. Drama

Una tarde de sábado, me encontraba en mi casa a gusto con mi esposa y mi pequeña de dos años, un tanto cansados de las fiestas de fin de año, ya saben como es, por otra parte nunca hay nada destacable en la programación en la televisión abierta. Es por eso que decidí ver con ellas una cinta agradable, claro pero sin tanta cursilería, ni mensajes manidos.

El titulo en cuestión es El Amo del Viento, y cuenta la historia de Burt Munro (Anthony Hopkins) un sexagenario que vive en Nueva Zelanda, desde joven ha tenido un sueño, correr su vieja motocicleta Indian de 1920 en los desiertos de Utah y romper un record mundial. Dicha motocicleta ha sido modificada por Munro (Hopkins) durante años, es por eso que esta seguro de lograr la hazaña.

Sin embargo no cuenta con los recursos económicos para realizar el largo viaje al país de las barras y las estrellas. Por otro lado los que lo conocen lo tildan de loco, ya que creen que aunque pudiera hacer el viaje, seria imposible que corriera y mucho menos romper su ansiado record.

Este será solo el principio de varios obstáculos que tendrá que sortear este hombre, como el enfrentarse a una cultura distinta a la suya, sobreponerse a sus problemas cardiacos, la discriminación que sufre por su edad y un largo etc. para poder lograr su sueño.

Este es a grandes rasgos el argumento el cual es desarrollado por un guión esta estructurado de una forma sencilla y agradable, lo que hace que la cinta se disfrute y su relato se sienta fluido. Claro también encontraremos situaciones un tanto cursis, pero que sin embargo no llegan a la sensiblería, de esa que busca la lágrima fácil del respetable, por lo que se pueden pasar por alto y no afectan el esquema global de la cinta.

Asi mismo, el filme esta plasmado con una sencillez visual que viene a reforzar lo que se esta contando. De hecho aquí el director, demuestra de nuevo su oficio como narrador de historias como ya lo hiciera en su anterior filme, Trece Días (2000). Y es que en El Amo del Viento, Donaldson balancea la película con momentos de acción, algunos de suspenso y un tanto más de comedia.

Y aunque las secuencias de acción tienen buena factura y logran emocionar, las escenas más intimas donde aparece el protagonista sin estar encima de la moto son las mejores, gracias a un Anthony Hopkins entregado al personaje que interpreta.

Hopkins logra despojarse de su personalidad, asi como de sus tics que tiene tan aprendidos y brinda una de sus mejores actuaciones, haciéndonos olvidar al intérprete por completo. Es por eso que Hopkins es convincente como un anciano bonachón, que afronta las adversidades con una actitud positiva y nunca se rinde. Sin duda el actor Gales es lo mejor del film, sin desmeritar el mensaje final de la cinta.

El Amo del Viento por momentos emociona, te hace reflexionar, simplemente es una historia que inspira, es la historia de un héroe de carne y hueso, de esos que afrontan la misión más importante del ser humano, vivir la vida con plenitud.

Asi que si quieren pasar un buen rato viendo una cinta que logra emocionar, de esas que dejan un buen sabor de boca, les recomiendo esta película, la cual nos recuerda que si no lo proponemos, podemos lograr lo que queramos.