viernes, 26 de febrero de 2010

DRAMA: FROST/NIXÓN

TÍTULO ORIGINAL: Frost/Nixon
AÑO: 2008
DURACIÓN: 122 min.
PAÍS:E.U.
DIRECTOR: Ron Howard
GUIÓN: Peter Morgan (Obra: Peter Morgan)
MÚSICA: Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA: Salvatore Totino
REPARTO: Frank Langella, Michael Sheen, Rebecca Hall, Toby Jones, Matthew Macfadyen, Kevin Bacon, Oliver Platt, Sam Rockwell
PRODUCTORA: Imagine Entertainment / Working Title Films
WEB OFICIAL: http://www.eldesafio-lapelicula.es
PREMIOS 2008: 5 Nominaciones al Oscar, incluyendo mejor película.
GÉNERO Drama | Política. Periodismo. Biográfico. Basado en hechos reales.


Recuerdo haber visto el trailer de esta cinta el cual pintaba bastante bien, de hecho hay una frase que cita el protagonista y es la que me engancho de inmediato para ver este título. Lo realmente sorprendente es que Frost/Nixón esta dirigida por el blandengue Ron Howard, director bastante impersonal, ya que basta con mirar sus filmografía y saber que no es un dotado de genialidad.

Sin embargo dentro de su muy variada e irregular carrera puedo decir que ésta es su mejor cinta, aunque considero que se salvan títulos como Marea de Fuego (1991) y Cinderella Man (2005) con todo y que cuentan con artificios sensibileros.

Es por eso que no logro comprender como Howard es capaz de hacer un trabajo excelente como lo es Frost/Nixón y después nos entrega una de las cintas más excrementables del año pasado, Ángeles y Demonios (si demonios, cometí el error de verla). Pero bueno, para no divagar más en que si Howard tuvo una chispa de genialidad o es un completo orate, entraremos en materia, El Desafío como también se conoce a esta cinta nos traslada a un momento muy específico y crucial en la historia de los Estados Unidos incluso de la historia universal.

La renuncia del trigésimo presidente del país de las barras y las estrellas, Richard Nixón (Frank Langella) el cual fue juzgado por graves delitos, en los que figuran espionaje, obviamente realizando malversación de fondos del erario público, y un largo etc. en pocas palabras, el mencionado mandatario uso el poder con el que contaba para hacer y deshacer a su antojo.

De esta manera la renuncia de éste personaje dio la vuelta al mundo, millones de personas siguieron el discurso por televisión. Es asi como surge el caso Watergate, cabe hacer mención que Nixón es exonerado de los delitos de los que fue culpado, gracias a que el presidente interino Gerald Ford le concedió el perdón, por lo que no se podría presentar acción legal ante el ex presidente. Es asi como Nixón se volvió un personaje bastante odiado.

Al mismo tiempo pero en Inglaterra, un presentador de televisión llamado David Frost (Michael Sheen) cuenta con gran popularidad gracias a su programa The David Frost Show, en el cual realizaba entrevistas a varias celebridades. Empero vio como una oportunidad realizar una entrevista al ex mandatario, ya que esto representaba una oportunidad profesional para regresar a los E.U. y tener éxito como algún día lo hizo.

Es por eso que Frost (Sheen) contacta al representante legal de Nixón (Langella) para concertar una cita y convencerlo para ser entrevistado. Nixón y su equipo aceptan la entrevista, ya que consideran a Frost como un blandito, además de que éste último tiene que conseguir patrocinios para pagar al ex presidente la cantidad de seiscientos mil dólares para realizar dicha entrevista.

La premisa esta OK, pero en su desarrollo ésta sorprende, por que el caso Watergate o incluso la vida política del mismo Nixón ya han sido explorados en muchas ocasiones, sin embargo Howard y su guionista logran encontrar otra vertiente dotando al relato de fuerza e interés.

Igualmente el punto fuerte de la cinta son las actuaciones, el veterano actor Frank Langella realmente logra encarnar al polémico político, además que lo dota de humanidad, consigue incluso recrear sus tics, etc. verdaderamente vemos a Nixón, por momentos éste personaje es un completo hijo de puta, y en otros encuentros hasta logra la empatía del espectador, digámoslos así, es un viejo con gran colmillo.

Por otra parte Martin Sheen no se queda atrás, el actor británico esta a la altura y no se intimida ante la presciencia de Langella dando una excelente interpretación, además de que ambos histriones tienen suficiente carisma y química en pantalla. Es por eso que el duelo entre estos dos es toda una gozada, ya que además no aparecen como personajes de carton y estan tratados de manera correcta, sobre todo en sus motivaciones y conflictos internos.

De la misma forma los protagonistas estan secundados por unos excelentes actores en los que se encuentran Kevin Bacon, Oliver Platt y Sam Rockwell. Ron Howard logra un buen film, tiene la capacidad de mantener un buen ritmo, pero sobre todo hace que este tenga momentos emocionantes. Asi mismo la puesta en escena es buena, ya que se logra recrear la época donde ocurren los acontecimientos.

Pero sobre todo el filme contiene varias lecturas, obviamente habla sobre la corrupción en las grandes esferas de poder, pero también toca el tema de como los medios de comunicación influyen drásticamente en la opinión pública, elevando figuras públicas hasta el cielo o destruyéndolas cuando éstos cometen algún error.

Y no justifico las acciones del mencionado ex presidente, ya que sus acciones no fueron las más acertadas, entre Vietnam, su política social, etc. y lo que es peor éstas afectaron muchas vidas. Pero si echamos un ojo a nuestra historia actual, nos daremos cuenta que las cosas no han cambiado del todo, basta con ver a nuestros políticos los cuales con sus acciones demuestran que son unos espurios, ya que dentro de sus currículums han de contar con tráfico de influencias, malversación de fondos, chantaje, y un largisimo etc.

Asi como ocurrió con el propio Nixón, el peor castigo para estos engendros, sería despojarlos de ese poder el cual los consumiría y sus vidas perderían todo sentido.

Asi que puedo recomendar Frost/Nixón con gran entusiasmo ya que funciona como un buen ejercicio cinematográfico e intelectual, éste deja un buen sabor de boca, pero sobre todo logra despojarce de grandilocuencias.

miércoles, 24 de febrero de 2010

MUSICAL: HELP!

TÍTULO ORIGINAL: Help!
AÑO: 1965
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Richard Lester
GUIÓN: Marc Behm & Charles Wood
MÚSICA: The Beatles
FOTOGRAFÍA: David Watkin
REPARTO: The Beatles, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Leo McKern, Eleanor Bron, Victor Spinetti, Roy Kinnear, Patrick Cargill, Alfie Bass, Warren Mitchell
PRODUCTORA: Subafilms
GÉNERO: Documental. Musical


Segundo filme que realizan The Beatles de la mano de Richard Lester, el grupo más influyente en la historia de la musica con perdón de los Rolling Stones, The Doors y The Who por mencionar algunos, aunque debo acotar que también me gustan (odiosa palabra que no justifica nada) sin embargo considero que si no hubiese sido por el cuarteto de Liverpool, los grupos mencionados no existirían.

Igualmente decir que a Richard Lester este tipo de proyectos le van como anillo al dedo, el ejemplo más claro es A Hard Days Night (1964) por que cuando de mete a hacer otras cosas le salen fiascos como Superman III (1983) pero bueno, mejor pasemos a la cinta que nos ocupa.

Help! comienza con un ritual en una cueva, ahí unos aborígenes estan apunto de sacrificar a una hermosa y joven mujer, pero algo esta mal, la chica no lleva consigo un anillo y sin éste la ceremonia no podrá llevarse acabo.

Instantes después aparece una proyección, ahí observamos que estan cantando The Beatles la sensacional canción que lleva el título la cinta, una toma enfoca a Ringo Starr, éste como es costumbre lleva anillos en los dedos, y ¿que creen que pasa? nuestro narizón amigo tiene el anillo que necesitan los locos nativos para continuar su ritual, es por eso que el líder Clang (Leo McKern) y sus secuaces deciden viajar a Inglaterra para obtener el anillo.

Esta es la premisa, la cual es bastante básica en lo que se refiere a argumento, de hecho la cinta es una sucesión de gags a cargo del cuarteto de Liverpool, quienes hacen de ellos mismos, de hecho se puede percibir que John, Paul, George y Ringo se lo pasan de lo lindo realizando cualquier cantidad de bobadas.

Por otra parte también hay que señalar que aunque los chistes se puedan apreciar bastante inocentes, éstos contienen algunas dosis de sarcasmo y humor negro que no dejan títere sin cabeza, muy al estilo del que se hace uso en el programa de La Pantera Rosa y uno que otro referente a la saga Bond.

Asi mismo lo realmente valioso de la cinta es presenciar a este cuarteto en plena forma creativa, igualmente que nos transporta a una época muy particular e irrepetible como lo fueron los años sesenta.

Por otra parte, la cinta es ante todo un vehículo de lucimiento para estos magníficos músicos, que promocionaban su más reciente álbum, por lo que los apartados musicales son como pequeños video clips.

Ya que hay que recordar que en esa época aun no existía el video clip como tal, es por eso que podría considerarse a The Beatles como los precursores de estos, ya que contaban con suficientes recursos y popularidad como para realizar éstos films. Si no basta con recordar la frase tan polémica que dijo John Lennon, haciendo referencia a que The Beatles eran más populares que Jesucristo.

Asi que puedo recomendar Help! solo para incondicionales del cuarteto Británico, como lo es su servidor ya que si no lo son, tal vez la perciban como un bodrio infumable. Sin embargo la cinta cuenta con un ritmo fluido y un puñado de buenas canciones, sobresaliendo Help!, I Need You, Ticket to Ride y la mítica Yesterday, además que sus integrantes demostraban que contaban con buena Vis cómica sobresaliendo el bueno de Ringo Starr, el cual fue el único integrante de la banda que realizó una carrera en el terreno cinematogáfico.

martes, 23 de febrero de 2010

CINE DE AUTOR: PROFUNDO CARMESÍ

TÍTULO ORIGINAL: Profundo carmesí (La danza de la muerte)
AÑO: 1996
DURACIÓN: 112 min.
PAÍS: México
DIRECTOR: Arturo Ripstein
GUIÓN: Paz Alicia Garciadiego
MÚSICA: David Mansfield
FOTOGRAFÍA: Guillermo Granillo
REPARTO: Patricia Reyes Spíndola, Daniel Giménez Cacho, Regina Orozco, Marisa Paredes, Julieta Egurrola, Rosa Furman, Verónica Merchant, Sherlyn
PRODUCTORA: Coproducción México-España-Francia; Instituto Mexicano de Cinematografía / Ivania Films / MK2 Production / Wanda Films
PREMIOS 1996: Venecia: Mejor guión, mejor música y mejor escenografía
GÉNERO: Drama.


La mayor parte de la filmografía de Arturo Ripstein trata sobre el México marginado y esto no solo es exclusivo de éste director, por lo general la mayoría de creadores mexicanos abordan este tema por cierto bastante manido, lo que ha provocado, por lo menos en mi persona una flojera hacia este tipo de cine.

Sin embargo Ripstein es más inteligente y usa como pretexto la condición social, cultural, etc. para adentrarse en los rincones más oscuros del ser humano, retratando a personajes con ciertas patologías o quebrados psicológicamente.

El ejemplo más claro es éste título, en Profundo Carmesí encontramos a Coral Fabre (Regina Orozco) una mujer obesa con baja autoestima, su profesión es la de enfermera. Cuenta con dos hijos, una niña de nueve años aproximadamente y un varón de cinco.

La Gorda, como ella siempre se llama, cierta noche revisa el periódico y encuentra una sección para conseguir pareja. Ahí conoce a Nicolás Estrella (Daniel Jiménez Cacho) un “galán” de descendencia española que busca una buena mujer, por lo que Coral (Orozco) le envía una carta para poder conocerse.

Nicolás (Jiménez Cacho) recibe la carta, en ese momento nos damos cuenta que éste es un vividor, el anuncio en el periódico sirve para contactar a mujeres solas, a las que roba después de algún encuentro sexual. Además de que Nicolás tiene un trauma, su calvicie, la cual esconde con el uso de pelucas.

Tiempo después éste par se conoce, el hombre como es de esperar utiliza a la mujer y le roba. Pero lo que no se espera Nicolás es que se ha metido con una mujer obsesiva, celosa y trastornada, que cree estar enamorada y lo que es peor, ya no podrá deshacerse de ella.

En este momento de la trama comienzan a suceder acontecimientos bastante perturbadores, Coral chantajea a Nicolás pues ha descubierto que éste es un embaucador y lo obliga a permanecer junto a ella, incluso se deshace de sus hijos regalándolos a un hospicio para estar al lado del hombre que “ama”.

Asi ambos inician un viaje de autodestrucción, ya que crean una relación de co dependencia, los dos son seres con vacíos emocionales, su única propósito es permanecer juntos.

Asi mismo el par visita a las mujeres que le han escrito a Nicolás, con el fin de obtener ganancias económicas, estos se presentan ante ellas como hermanos sin embargo cuando Nicolás comienza a relacionarse con las víctimas, Coral entra en un arranque de celos por lo que asesina a las mujeres.

El primer asesinato a manos de Coral sorprende a Nicolás quien no entiende el proceder de la enferma mujer, empero conforme van adentrándose en cada crimen ya no hay marcha atrás para ambos, culminando en una secuencia bastante cruenta y dolorosa emocionalmente, de verdad el cierre de la cinta logra trastornar al presente.

Aunque debo acotar, que la resolución no se da de manera arbitraria, ya que ésta es bastante lógica de acuerdo a lo que se venía esbozando durante el desarrollo de la cinta.

Hay que mencionar que la cinta de Ripstein esta bien contada, el ritmo es pausado pero fluido, asi mismo aunque presenciamos los asesinatos que comete éste par, en ocasiones estos no se perciben tan feroces, pero instituyo que se plantean de ese modo para que cuando lleguemos al cierre, este se sienta como un balde de agua fría.

Por otra parte debo resaltar la puesta en escena, ya que la cinta aunque no goza de mucho presupuesto, se nota que esta bien empleado para recrear la época en la cual transcurre la historia, los años cincuenta. Además que cuenta con una acertada fotografía.

Otro punto favorable sin duda son las interpretaciones de los actores principales, éstos componen seres patéticos y repugnantes, al mismo tiempo que la cinta goza de bastante humor negro.

Es de agradecer que esta cinta no caiga en los tópicos del cine nacional contemporáneo, el cual insiste en retratar a una sociedad decadente, por lo menos aquí se explora un tema más universal como lo es la locura, la violencia y sus consecuencias.

Profundo Carmesí es una aceptable road movie, por momentos me recordó a cintas como Asesinos por Naturaleza (Oliver Stone, 1994) y Kalifornia (Dominic Sena, 1994) con las cuales comparte características, más sin embargo no tiene nada que pedirles.


sábado, 20 de febrero de 2010

DC UNIVERSE: SUPERMAN

TÍTULO ORIGINAL Superman: The Movie
AÑO: 1978
DURACIÓN: 143 min.
PAÍS: REINO UNIDO
DIRECTOR: Richard Donner
GUIÓN: Robert Benton, David Newman, Leslie Newman, Mario Puzo (Cómic: Joe Shuster, Jerry Siegel)
MÚSICA: John Williams
FOTOGRAFÍA: Geoffrey Unsworth
REPARTO: Christopher Reeve, Marlon Brando, Margot Kidder, Gene Hackman, Terence Stamp, Glenn Ford, Trevor Howard, Ned Beatty, Jackie Cooper, Aaron Smolinski, Jackie Cooper, Susannah York, Larry Hagman
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures
GÉNERO: Ciencia-Ficción. Fantástico. Aventuras Cómic.


Aaayyyy¡¡¡ que buenos recuerdos tengo de esta cinta, lastima que no pude verla en el cine en su momento (yo aún no nacía), hubiera sido una experiencia inolvidable. Sin embargo con el paso de los años pude conseguir el film en vhs, y posteriormente en dvd en varias ediciones, asi pues siendo un acérrimo fan de Superman puedo decir con orgullo que esta ha sido la cinta que más he visto en mi vida (unas 15 veces por lo menos y lo acepto soy un frikki) pero también puedo comentar que cada vez que reviso este título descubro nuevos aspectos que enriquecen la experiencia cinematográfica.

Asi también el motivo de reseñar esta ya clásica cinta, es por los últimos rumores que han surgido en torno al nuevo relanzamiento de la franquicia a manos de Christopher Nolan y no precisamente como director, si no como asesor del proyecto, esto de algún modo significaría la salida de Bryan Singer y Brandon Routh del mismo. Sin embargo quisiera abordar esta semblanza haciendo un poco de historia, ya que aunque considero que la cinta funciona por méritos propios, creo también que es interesante explicar algunos factores que hacen a Superman el primer modelo a seguir en lo que se refiere a adaptaciones de comics al terreno cinematográfico como lo conocemos en la actualidad.

Cuando se gesto la idea de realizar una superproducción como lo fue esta cinta, los productores Alexander Saldkin e Ila Saldkin sabían que este proyecto les dejaría buenas ganancias económicas si lograban reunir un buen equipo multidisciplinario. Es por eso que en un principio los Saldkin querían a Steven Spielberg para dirigir la cinta, gracias a Dios esto no ocurrió, ya que el Rey Midas (jajaja) cobraba un sueldo estratosférico, además que hubiera aportado una visión un tanto sensiblera al proyecto. Asi pues después de varias opciones se decidieron por Richard Donner, director solvente que había dirigido algunos episodios de la serie televisiva Dimensión Desconocida y el Hombre Nuclear, además que tenía cierto éxito con su cinta de terror La Profecía (1976).

Con un director competente y que no cobraba mucho, el siguiente paso lógico era tener un buen guión (la columna vertebral de la cinta) por lo que se contrato a Mario Puzo quien contaba ya con un Oscar por la adaptación de su propia novela al cine, de la película de El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972). Con estos elementos lo lógico era tener un buen reparto para que la cinta funcionara, es por eso que la elección del casting era algo muy importante.
Primeramente había que encontrar al actor que interpretaría al Hombre de Acero, por supuesto se manejaron varios nombres, entre los más conocidos Robert Redford, Burt Reynols y hasta Sylvester Stallone, este último parecía una broma de mal gusto ¿no creen? Y no es que Sly me caiga mal, pero de ¿Superman? No me jodan no tiene ni la estatura y su rostro más bien sería el de un Superman después de haber peleado contra Doomsday, jajaja.

Sin embargo ninguno de los mencionados convencía a Donner, ya que creía que el actor que encarnara al superhéroe debía ser un actor desconocido, esto con el fin de que el público viera al personaje y no a una estrella de Hollywood en mayas azules.

Es por eso que cuando un joven Christopher Reeve, actor de teatro, se presento con gafas a audicionar para el papel principal se quedo con el personaje, ya que su físico era muy parecido al personaje del comic. Es así que teniendo al actor principal, también era necesario respaldar al joven debutante con unos actores experimentados como lo eran Marlon Brando, Gene Hackman y Glenn Ford. De Brando se podría considerar el cameo más caro en la historia del cine, ya que el actor cobro 4 millones de dólares por aparecer en pantalla solo 15 minutos como el padre biológico del héroe.

Pero la presencia del actor aportaba sobriedad a la cinta y era un indicativo que el proyecto era serio. Pero centrándonos en la cinta, esta abre de manera magistral, un niño hojea un comic de Action Comics, las viñetas muestran al Diario el Planeta y nos narra que este es un símbolo de esperanza en la gran Metrópolis lugar donde habita Superman. En ese momento la toma se abre y nos sitúa en el espacio, escuchamos una banda sonora (genial John Williams) y aparecen unos títulos que emocionan al presente.

Para momentos después situarnos en Kriptón, donde somos testigos del juicio que Jor-El (Brando) le realiza al general Zod (Terence Stamp) y sus secuaces enviándolos a la zona fantasma, no sin antes recibir una amenaza por parte de Zod de que algún día un descendiente de Jor-El sucumbirá ante el.

Empero un acontecimiento más importante esta por suceder, el planeta Kriptón explotará gracias a la radiación del sol rojo, es por eso que Jor-El envía a su único hijo a la tierra lugar en donde podrá vivir gracias al sol amarillo, lo que le proporcionará superpoderes. Lo siguiente es la explosión del planeta y el viaje del pequeño Kal-El a la tierra, este será adoptado por los Kent, Jonathan (Ford) y Martha los cuales le enseñaran a ser un buen hombre, para cuando Clark se convierta en adulto y haga su viaje interior y a su vez a Metrópolis cumpla su destino.

Este es a grandes rasgos la trama del filme, sin embargo aunque el planteamiento es sencillo y conocido por la mayoría, en la ejecución es donde el director sabe como hacer que funcione. Esto lo comento por que Donner invierte una hora de metraje para dibujar bien el personaje de Clark Kent/Superman, pasando desde su infancia, adolescencia y por último la edad adulta, concediendole tridimensionalidad al héroe, ya que conocemos sus motivaciones, sus miedos, capacidades, etc. Es por eso que cuando su padre Jonathan (Ford) muere de un paro cardiaco, el joven Clark se cuestiona por que con tantos poderes no ha podido salvar a su ser querido.

Asi mismo una de las escenas más emocionantes es cuando Clark (Reeve) conversa con su padre (Brando) a través de los cristales de la Fortaleza de la Soledad, donde este último le explica su verdadera naturaleza y la posible misión que tiene en el planeta, todo se resume en la frase que dice Jor-El, “Los humanos son una raza buena, solo necesitan una luz que los guié” e instantes después Clark emprende el vuelo ya como Superman.

En ese momento llegamos a Metrópolis, ciudad cosmopolita, Clark Kent (Reeve) es contratado como reportero en el Diario El Planeta, ahí conoce a Lois Lane (Margot Kidder) una mujer bastante independiente, inteligente y aguerrida. Pero también en la gran urbe Kent conocerá a su Némesis, la mente criminal más poderosa del mundo (jajaja) Lex Luthor (Gene Hackman) lo que desencadenara en un enfrentamiento de proporciones catastróficas.

Es importante mencionar que el tono de la cinta es afable, más sin embargo contiene dosis de humor negro y algunos pasajes oscuros, en su mayoría a cargo del personaje de Lex Luthor (Gene Hackman), esto en parte gracias a que Richard Donner quería un equilibrio en la cinta, ya que la historia debía ser creíble pero a su vez accesible a todo el público.

Además de que la cinta esta bien contada, Donner sabe en que momento hacer la presentación de Superman (Reeve) de manera increíble cuando la historia lo ameritaba, precisamente cuando éste rescata a Lois (Kidder) de caer al vació y a su vez al helicóptero, esta secuencia es espectacular, aun hace que la piel se me ponga chinita, igualmente que se nota más honesta que el rescate del avión de la película de Singer, lo más emocionante de ese filme.

Es asi como inicia una especie de montaña rusa de emociones hasta la culminación del film, gracias a las hazañas que realiza el superhéroe.

Pero lo verdaderamente emocionante son aquellas escenas donde Luthor (Hackman) planea de manera maquiavélica acabar con Superman, ya que conoce su debilidad, la Kriptonita. Además de que la muerte de Superman para Luthor es también, una forma de comprobar que es el villano más grande del mundo, y si a su vez obtiene ganancias económicas pues mejor, todo gracias a la programación de unos cohetes que detonaran en la falla de San Andrés provocando la desaparición de millones de tierra y muertes.

Es por eso que comentaba que la historia se toma en serio y contiene algunas dosis de perversión, pero como podrán inferir el bien siempre triunfa por encima del mal, al menos aquí con una secuencia demencial y a su vez bastante original que solo podría realizar el Hombre de Acero para salvar la tarde y a su amor.

De los actores comentar que realizan buenas interpretaciones, sobre todo Christopher Reeve, el cual logra apropiarse del personaje. Ya que cuando aparece como el tímido Clark Kent, su voz y hasta su aspecto físico componen a un ser inseguro, pero no ingenuo, al mismo tiempo que se nota natural. En cambio cuando se convierte en el superhéroe, su postura y sus no verbales cambian, encarnando otro personaje, éste Superman es creíble, se percibe humano, sincero, uno como espectador se conecta con el personaje, que en gran medida es gracias al actor.

Su interpretación nunca es plana, Reeve logra transmitir las emociones y estados de ánimo por los que pasa su personaje.

Gene Hackman se lo pasa de lo lindo con su bufonesco pero no menos perverso Lex Luthor, el actor tiene presencia y su interpretación no resulta ridícula y mucho menos forzada. Es por eso que éste Luthor atrapa por momentos al espectador, Hackman escupe las mejores líneas del guión y aunque no logra intimidar del todo es un villano a la altura para el héroe.

Margot Kidder en las primeras revisiones del film nunca me gusto mucho, su Lois Lane me parecía repelente, tal vez por la época en la que el film esta ambientado. Aunque su personaje esta esbozado como una mujer independiente y rebelde, por momentos la forma en que aborda ciertas situaciones hacen que parezca lo contrario, pero creo que es más por el guión y no por culpa de la actriz, sin embargo le he encontrado cariño con el paso del tiempo.

Asi mismo me parece genial que el personaje femenino no solo sea un adorno en la historia.

Jimmy Olsen y Perry White, estan retratados de manera correcta, de hecho conservan la particularidad de los personajes del comic.

Eso si Jackie Cooper como White es una gozada, logra transmitir la escencia del jefe mandón, recto y hosco que está a cargo del Diario el Planeta.

Así mismo la dirección de Richard Donner es acertada, hace que la cinta aunque excede las dos horas de metraje tenga un ritmo fluido, además de que la puesta en escena es excelente, la recreación de la ciudad de Metrópolis esta correcta, así como el Diario el Planeta, o La Fortaleza de la Soledad son claros ejemplos de lo importante de la producción.

Por otra parte el diseño del traje que usa el superhéroe es correcto, Christopher Reeve tuvo que someterse a una rutina de ejercicios para aumentar masa muscular para que el disfraz se viera bien, el detalle de la S en la capa es genial. Los efectos especiales son excelentes para la época, aun hoy revisando la cinta en sus versiones remasterizadas, éstos no se sienten caducos, los vuelos que realiza Superman se perciben naturales.

Si tuviera algo de que estar un poco inconforme sería el romance del héroe con la Señorita Lane (Kidder), ya que éste aunque forma parte de la mitología del personaje de la DC, aquí se retrata por momentos bastante empalagoso, pero bueno en esta historia donde hay un héroe, y un villano era obvio que debía entrar la dama en peligro, y aunque es un tópico, se resuelve de forma correcta.

Así que puedo decir que Superman es un buen film, cuenta con un gran presupuesto que es aprovechado para entregar un producto entretenido para las grandes masas, y lo mejor es que no insulta la inteligencia del presente. Por otra parte creo que la calidad no debe estar peleada con el esparcimiento, un ejemplo claro sería The Dark Knigth (2009) del propio Christopher Nolan, personaje que mencione al principio de este análisis, repite algunos elementos que Donner supo manejar y reinventa el mito de Batman, haciéndolo más atractivo para las actuales generaciones.

Para finalizar quiero mencionar que probablemente no creería que un hombre pudiera volar, sin embargo después de ver a Chrstopher Reeve haciendo de Superman, no queda más que dejarse llevar por la magia y carisma del fallecido actor. Superman sería su mejor papel cinematográfico, ya que aunque no era mal actor jamás pudo separarse de la imagen del personaje de historieta, tal vez como muchos mencionan Reeve nació para interpretar al héroe volador.

Aun ahora a 32 años de distancia de la gestación de este film es difícil imaginar a otro actor portando el traje (aunque Brandon Routh no lo hizo mal), no obstante quisiera que el Hombre de Acero surcara de nuevo la pantalla de plata, pero otra parte de mi no lo desea, si bien hay detrás un tipo talentoso como Nolan para encarar el supuesto proyecto, intuyo que no podrán superar lo hecho por Donner, el ejemplo claro fue que a Bryan Singer le quedo grande el proyecto.

Y si Superman, fue un éxito tanto comercial como con la crítica, obviamente desemboco en varias secuelas, tres para ser exacto, las cuales fueron decayendo en calidad, pero eso es otra historia.

martes, 16 de febrero de 2010

CINE DE HORROR: GÉNESIS

TÍTULO ORIGINAL: Génesis
AÑO: 1994
DURACIÓN: 30 min.
DIRECTOR: Nacho Cerdá
GUIÓN: Nacho Cerdá
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Roger Martínez
REPARTO: Pep Tosar, Trae Houlihan.
PRODUCTORA: Antonio Belart
GÉNERO Y CRÍTICA: Horror.


Génesis cierra la trilogía de cortometrajes que analizan ese fenómeno tan interesante y temido por el hombre, la muerte. Lo interesante es que este cortometraje se aleja de Aftermath en su cuestión visual y narrativa, por lo que el director español vuelva a acertar y entrega un nuevo cuento de horror que al igual que su predecesor quedará para la posteridad.

En Génesis la cinta abre con unas imágenes que proyectan a una pareja en un día de campo, los protagonistas se notan felices, aunque la persona que esta grabando se enfoca más en la mujer, después la cinta se quema.

Acto seguido nos encontramos en el taller de un artista, un escultor (Pep Tosar), la cámara recorre todos los rincones del lugar, ahí observamos varios bustos sin terminar, algunos cuerpos en yeso y en el centro del lugar una escultura de un cuerpo femenino de tamaño real, el artista detalla con cuidado los acabados.

El hombre sufre trabajando en su obra, su rostro denota angustia, tal vez un poco de culpabilidad, la siguiente toma encuadra el rostro de la escultura, este es el de la mujer que vimos al inicio de la cinta, la esposa del escultor.

El escultor cubre la obra con una manta, se encuentra cansado por lo que toma un descanso, sin embargo despierta abruptamente, unos flashbacks que nos muestran imágenes perturbadoras nos indican que un evento trágico aconteció en la vida de este hombre.

Básicamente la historia transcurre de la misma forma, el hombre conforme avanza la trama se quiebra psicológicamente, la pérdida de su mujer (Trae Houlihan) no la ha superado.

Génesis al igual que Aftermath cuenta con un buen ritmo narrativo y no decae en ningún momento, la historia esta bien contada, asi mismo este film puede percibirse más mesurado en la cuestión de violencia.

Sin embargo el relato cuenta con varias dosis de terror pero a nivel psicológico, lo que nos hace cuestionarnos si estamos dentro de un sueño, esto lo comento por que las atmósferas por momentos se vuelven bastante oníricas.

De nuevo Nacho Cerdá demuestra que sabe como causar en el espectador sensaciones gracias al aspecto visual, todo un logro nivel sensorial, ya que logra atmósferas muy interesantes y provocadoras. Su discurso de nuevo va al grano y sin tapujos.

Pep Tosar logra encarnar a un hombre trastornado, su performance es bastante bueno, realmente el espectador logra empalizar con este y su locura. Como en Aftermath, aquí no hay diálogos y ni falta hacen, solo el hombre, su creación y el escenario.

Génesis es una buena cinta, esta al mismo nivel de calidad que Aftermath pero su planteamiento es distinto, asimismo que es un excelente cierre para la “llamada” trilogía sobre la muerte. Relato oscuro, aterrador, hermoso, pero sobre todo desolador, por cierto el final no tiene desperdicio.

lunes, 15 de febrero de 2010

CINE DE HORROR: AFTERMATH

TÍTULO ORIGINAL: Aftermath
AÑO: 1994
DURACIÓN: 35 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Nacho Cerdá
GUIÓN: Nacho Cerdá
MÚSICA:
FOTOGRAFÍA: David Gribble
REPARTO: PEP TOSAR, JORDI TARRIDA, ÁNGEL TARRIS, XEVI COLLELLMIR.
PRODUCTORA: Nacho Cerdá
GÉNERO Y CRÍTICA: Horror.


Grata sorpresa me he llevado con este cortometraje de Nacho Cerdá, el cual me recomendó mi amigo Juan Pablo. De hecho como el propio director explica en una entrevista, Aftermath es la continuación de un proyecto que realizó cuando todavía se encontraba estudiando llamado Awakening, y que culmina con Génesis realizando así una trilogía donde el tema central es la muerte.

De Awakening puedo comentar que es un corto bastante experimental y un tanto amateur, pero no por eso deja de ser interesante, rodado totalmente en blanco y negro por momentos me recuerda más a un episodio de la Dimensión Desconocida con algunos momentos de horror.

Pero centrándonos en Aftermath, este nos cuenta la historia de un medico forense en un día “normal” de trabajo, el tipo lidia con la muerte todos los días por lo que ha creado una relación estrecha con esta.

La cinta comienza con unos títulos bastante originales que simulan un electrocardiograma, para pasar a la primera secuencia donde observamos el cadaver de un perro, para asi pasar a un camillero llevando un cuerpo, acto seguido lo deposita dentro de una fosa donde se le realizará la respetiva exhumación.

Asi mismo en otro secuencia vemos a un galeno entregando las pertenencias de una joven a los padres de esta. Con estas secuencias podemos ir percibiendo el tono que ira tomando la cinta, desde ese momento la sensación que percibe es de desolación.

Pero lo mejor (o lo peor) esta por comenzar cuando somos testigos de la realización la primera autopsia, de hecho no hay palabras para describir lo que uno como espectador ve en pantalla, las imágenes son crudas y sin concesiones para el que se atreva a mirar, ya que todo esta mostrado de manera bastante gráfica.

En la sala hay dos forenses, mientras uno hace su trabajo otro solo observa, sin embargo notamos es sus no verbales como le va afectando a nivel emocional lo que esta mirando. Asi mismo este también realiza su tarea y procede con otro cuerpo, en ese momento notamos en su rostro signos de excitación.

Pero donde esta galeno saca sus más bajos instintos es cuando llega el cuerpo de una joven para su disección, el hombre se encuentra ahora solo por lo que cierra con llave el lugar. El cuerpo femenino aun conserva algunos ropajes, los cuales serán despojados en un ritual casi enfermizo.

Lo siguiente es el pasaje más perturbador de la cinta, seremos testigos de una violación, no importa que el cuerpo ya no cuente con alma, este esta siendo agredido y punto.

Nacho Cerdá da un punto muy particular y válido sobre la condición de morir, se despoja de discursos moralistas y muestra sin tapujos una perspectiva de los rincones más oscuros del ser humano. Asi mismo, la obra se percibe honesta es por eso que aunque hay imágenes cruentas (que para algunos sectores de la sociedad podrían causar algo de incomodidad), puedo decir que nada es gratuito.

Por otra parte, el mensaje final no tendría tanto impacto si no estuviera bien cohesionado con su apartado visual, este viene a ser otro punto fuerte en el film, ya que la fotografía en tonos azulosos logra transmitir esa atmósfera lúgubre que nos remite a muerte. Por último pero no menos importante la interpretación de Pep Tosar, como el desquiciado galeno, dota de tridimensionalidad a su personaje entregando una actuación que te deja frío.

Asi como el excelente uso de efectos especiales para la recreación de los cadáveres exhumados, los cuales estan hechos de un material muy parecido al látex, lo que trae como consecuencia un realismo en el discurso visual.

No se que más podría decir de Aftermath, si no que es una obra redonda, potente, aterradora por supuesto y hermosa visualmente (si no estoy loco, dentro de lo más grotesco uno puede encontrar belleza), no será para todos los gustos ya que toca un tema tan delicado como la necrofilia, más sin embargo se agradece que haya directores arriesgados en sus propuestas, realizando filmes proposititos como este.

Aftermath es una cinta que debe ser vista por sus valores cinematográficos, los cuales cumple con creces, y aunque se descubra como una cinta de horror hay que ser capaces de ver más allá para comprender su verdadero discurso.

jueves, 11 de febrero de 2010

CINE DE AUTOR: LA CIENCIA DEL SUEÑO

TÍTULO ORIGINAL:The Science of Sleep
AÑO: 2006
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: FRANCIA
DIRECTOR: Michel Gondry
GUIÓN: Michel Gondry
MÚSICA: Jean-Michelle Bernard
FOTOGRAFÍA: Jean-Louis Bompoint
REPARTO: Gael García Bernal, Charlotte Gainsbourg, Alain Chabat, Miou-Miou, Emma de Caunes, Sacha Bourdo, Aurelia Petit, Pierre Vaneck
PRODUCTORA: Partizan Films / Gaumont / France 3 Cinema / Canal + / TPS Star
WEB OFICIAL: http://wip.warnerbros.com/scienceofsleep/
GÉNERO Y CRÍTICA: Fantástico


La Ciencia del Sueño es el tercer largometraje del director francés Michel Gondry, el cual comenzó su carrera en el mundo del video clip realizando algunos trabajos para artistas como Bjôrk, The White Stripes, Radioheat, entre otros, demostrando que contaba con una visión muy particular a la hora de plasmar pequeñas historias, sobretodo en su aspecto visual, su punto más fuerte.

Es asi que después de haber realizado una de las cintas más hermosas y a su vez dolorosas que haya visto que tratan sobre la vida misma, las pérdidas y sus consecuencias (Eterno Resplandor de una Mente Sin Recuerdos, 2004) que gran parte de su grandeza se debe al guión de Charlie Kaufman y un reparto que no tiene desperdicio, se embarca en esta divertida, melancólica, pero sobre todo mágica cinta.

La Ciencia del Sueño nos lleva en un viaje por los escondrijos más recónditos de la psique de Stéphane Miroux (Gael García Bernal), un joven mexicano que emigra a Francia para vivir con su madre, sin embargo Stéphane se siente como un extraño, ya que no encaja en un sitio que no es el suyo, además que con regularidad tiene periodos donde se extrae de la realidad. Esto trae como consecuencia que conozcamos sus motivaciones, sus sueños, sus temores, sus añoranzas, textualmente entramos a su cabeza.

Stéphane (García Bernal) conoce a una chica que se acaba de mudar frente al departamento de su madre, ella es Stéphanie (Charlotte Gainsbourg) una chica sencilla de la cual Stéphane se enamora.

Pero esta historia de amor no es sencilla y mucho menos ordinaria, ya que entre los viajes de Stéphane a su interior donde por momentos ya no sabemos que es realidad y que es sueño, vemos como la cordura de este se desmorona a cada paso.

Por otra parte Gondry con este planteamiento, nos invita a dejarnos llevar en el desequilibrado viaje de su protagonista, insertando segmentos de verdadero surrealismo e imaginación visual, toda una gozada ya que estos reflejan las emociones que esta viviendo el protagonista.

Estos pequeños pero a su vez grandes cortometrajes, son pequeñas historias dentro del film, son en ocasiones tan naif que solo podemos ser cómplices de lo que estamos presenciando, más sin embargo detrás de esa inocencia hay lecturas más profundas que cada espectador deberá descubrir.

Así mismo esta de más decir que visualmente la cinta es hermosa y podemos encontrar una puesta en escena bastante lograda, por momentos parece que el director francés le rinde un pequeño homenaje a Georges Mélies y su Viaje a la Luna, 1902.

Por otra parte debo comentar que Gael García Bernal esta más que correcto en su actuación, considero que el director eligió a este por su físico, ya que el actor mexicano logra encarnar a un tipo común y corriente. Así mismo la estructura narrativa de la cinta es fluida, logrando que la historia avance sin complicaciones, aunque en algunos momentos da la impresión de que se estanca un poco.

La Ciencia del Sueño es una cinta original, es un cuento sobre la condición humana, de nuevo Michel Gondry explora un tema que ya esta muy manido “las consecuencias de enamorarse y vivir”, pero que gracias a una buena combinación de humor negro, creatividad, honestidad y una pizca de no tomarse demasiado en serio, logra como resultado un film redondo.

Solo espero que el director galés no termine por sucumbir ante la aplastante maquinaria Hollywoodense, la cual se apropia en ocasiones de tipos talentosos como el y les roba su esencia a cambio de unos billetes. Esto lo comento por que próximamente podremos ver su nuevo trabajo El Avispón Verde. 2010, adaptación cinematográfica de aquella mítica serie de televisón y en la que podremos comprobar si Gondry sale avante. Al menos yo le doy el beneficio de la duda.

Para finalizar quiero dedicar esta reseña para mi buen amigo Claudio el cual se encuentra pasando por un momento difícil, échale ganas hermano, ya sabes que cuentas conmigo.