CIENCIA FICCIÓN: EL ORIGEN

TÍTULO ORIGINAL: Inception
AÑO: 2010
DURACIÓN: 148 min.
Trailers/Vídeos
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Christopher Nolan
GUIÓN: Christopher Nolan
MÚSICA: Hans Zimmer
FOTOGRAFÍA: Wally Pfister
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Tom Hardy, Cillian Murphy, Tom Berenger, Michael Caine, Dileep Rao, Lukas Haas, Pete Postlethwaite, Talulah Riley, Miranda Nolan
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Legendary Pictures / Syncopy Production
WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/inception/
GÉNERO: Ciencia ficción.


"No hay nada más contagioso, casi tanto como un virus, que una idea"
-Cobb


Pues si queridos seguidores del Rincón de Harrison, este pasado fin de semana pude ver El Origen (¡por fin! a más de un mes de su estreno, aunque esto tiene sus ventajas ya que verla cuando ya no es el estreno esperado representa menos gente en la sala, jajaja) y debo decir que ha sido una experiencia por de más satisfactoria y emocionante, pocas veces pasa que una cinta me deje pensando en ella días después de haberla visto. Creo de antemano que pasa esto con la cinta de Nolan ya que ésta es una obra honesta, despojada de grandilocuencias en su discurso, y aunque no es perfecta (tiene algunas fallas menores)si puedo asegurar que es de lo mejor que he visto este año en el cine.

La cinta nos cuenta la historia de Cobb (Leonardo Dicaprio) un espía renegado que es buscado por autoridades de todo el mundo, ya que tiene la capacidad de entrar en los sueños de cualquier persona para robar secretos, todo a través de un sistema que permite entrar en el subconsciente del sujeto. Este sistema funciona a través de un aparato que se conecta en el cuerpo humano (muy parecido como cuando te sacan sangre del brazo) y que administrando sustancias químicas inducen a un sueño profundo.

Sin embargo la última misión, que era más una demostración para un cliente llamado Saito (Ken Watanabe) no sale del todo bien ya que en esta la esposa de Cobb, Mal (Marion Cotillard) frustra la operación, aunque no sabemos el por que. Por tal motivo al despertar, Cobb y su equipo deciden escapar para no dejar rastro de la operación pero son localizados por Saito (hombre del cual descubrimos que tiene un plan entre manos) para encargarle un último trabajo a este, el cual si sale bien podrá liberarlo de los cargos por los que es perseguido y regresar por fin a su hogar.

Dicha misión consiste en insertar una idea en un sujeto para convencerlo de que tome una decisión que favorecería económicamente a Saito (Watanabe), cabe hacer mención que robar secretos es una tarea difícil, pero realizable, en cambio generar una idea o cambiar la conciencia de los sujetos es algo casi imposible, ya que el subconsciente de cada persona al sentirse agredido (cuando algún agente externo entra en el) crea una especie de defensa, por lo que sabría que algo o alguien trata de manipular su persona.

Es por eso que Arthur (Joseph Gordon-Levitt) la mano derecha de Cobb (Dicaprio) le comenta que esto es imposible, que nadie lo ha hecho, empero nuestro protagonista acepta la misión para limpiar su oscuro pasado y de paso su honor, motivo por el que reúne a un nuevo equipo para entrar en la mente de Robert Fisher (Cillian Murphy) un joven que esta a punto de heredar un importante emporio de su padre moribundo, el cual es competencia directa de la empresa que maneja Saito, motivo por el cual este último necesita que dicho imperio quiebre para tener el control del mercado.

Por tal motivo Cobb se pone en contacto con Eames (Tom Hardy) un falsificador, pero este no es un falsificador común y corriente, este hombre toma la apariencia de cualquier persona dentro de los sueños, también logra convencer a Ariadne (Ellen Page) una joven estudiante de arquitectura, la cual diseñara todos los escenarios por los que tendrán que interactuar nuestros protagonistas en el inconsciente de la víctima y por último, Yusuf (Dileep Rao) el encargado de hacer las sustancias químicas para inducir al sueño, el cual tiene la facultad de crear varios sueños dentro de uno, razón por la cual el viaje que realizaran estos será más peligrosa y perturbadora, ya que conforme vayan descendiendo más y más niveles en la mente de Fisher (Murphy) esta se tornara más hostil, puesto que se encontrarán escudriñando en la verdadera naturaleza del ser humano.

Además hay otro inconveniente, dentro del sueño cuando eres herido de muerte el resultado es que la persona despierte y no pasa nada , pero esta misión como se trata de ir a varios niveles de conciencia y se usan sustancias más poderosas para tener un sueño más profundo, cuando el individuo es herido de muerte ya no podrá despertar, pero tampoco morirá, el resultado es que el individuo queda atrapado para siempre en el limbo, una especie de purgatorio.

Tal vez la trama pueda resultar un tanto confusa (disculpas de antemano si mi redacción causa este efecto) pero la cinta de Nolan goza de una riqueza narrativa que me es casi imposible trasladar de manera escrita lo que presencie visualmente, por tal motivo cuando el presente visiona el film podrá darse cuenta que el guión que el propio Nolan escribió no tiene fisuras y mucho menos componentes artificiosos (no por nada le tomo ocho años realizarlo), motivo por el cual la cinta camina como maquinaria de reloj, sin trompicones y claro, como si de un electrocardiograma se tratará, la cinta en momentos puntuales hace que las emociones suben al 100 cuando la ocasión lo amerita.

Y es que el discurso del film es netamente existencial, ya que la misión que emprende Cobb (DiCaprio) servirá para que este enfrente a sus propios demonios, por tal motivo aspectos como las perdidas, el amor, la redención e incluso la locura serán plasmados en cada fotograma, es por eso que casi todo el viaje podría causar insertidumbre al presente, ya que se tocan aspectos bastante perturbadores del ser humano.

Por eso el diseño psicológico de los personajes es si lugar a dudas lo mejor del film, ya que aunque intervienen muchos en la trama, ninguno se percibe sobrado o de relleno, todos, por muy breve que sea la participación en este puzzle, tienen un peso específico.

Por tal motivo las interpretaciones de todos los actores son sobresalientes y se nota la mano del señor Nolan para dirigirlos, incluso se agradece la pequeña aparición de Sir Michael Caine en un breve papel, asi como la grata aparición de Tom Berenger, pero sin lugar a dudas la excelsa actuación de Leonardo DiCaprio dota de profundidad y tridimensionalidad a su personaje (sin desvelar la premisa, una gran carga que se relaciona con su esposa pone en peligro la misión), haciendo de este el eje de toda la trama y por ende, que recaiga en su quehacer interpretativo toda la cinta.

Ahora bien, como todo buen narrador de historias, el realizador ingles aprovecha las nuevas tecnologías para reforzar su relato a través de algunas secuencias de acción bastante originales y no menos espectaculares (impresionantes escenas las del los edificios doblándose y la pelea en el corredor del hotel, las cuales desafían las leyes de la física), sin embargo las secuencias donde intervienen peleas cuerpo a cuerpo (como la primera persecución que dan unos agentes a Cobb en un barrio) se perciben confusas. Es como si Nolan no se sintiera tan cómodo montando secuencias de acción, pero a final de cuentas es una percepción muy particular. Incluso el clímax final se puede llegar a percibir un tanto tardío y reiterativo, pero la conclusión, con ese final tan ambiguo como la propia película, cierra de manera magistral este peliculón (no por nada hubo diferentes exclamaciones de sorpresa por parte de los asistentes a la función, genial ¿no? ¿Cuántas cintas logran eso?)

Asi que no puedo más que recomendar de manera bastante optimista El Origen, la cual a diferencia de otras propuestas cinematográficas que se exhiben en cartelera como Salt (Phillip Noyce, 2010) o El Aprendiz de Brujo (Jon Turteltaub, 2010) apuesta por un guión inteligente, una historia atrayente y sobre todo da por hecho que el espectador cuenta con la suficiente materia gris para disfrutar de su visionado y no sentirse estafado.

p.d. El único inconveniente es que después de ver la cinta, ahora pongo a rodar una moneda para constatar que no estoy soñando, jajajaja.

CINE DE CULTO: THE EVIL DEAD

Titulo Original: The Evil Dead
AÑO : 1982
DURACIÓN: 86 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Sam Raimi
GUIÓN: Sam Raimi
MÚSICA: Joseph LoDuca
FOTOGRAFÍA: Tom Philo
REPARTO: Bruce Campbell, Ellen+Sandweiss, Betsy Baker, Hal Delrich, Sarah York
PRODUCTORA: Renaissance Pictures
GÉNERO Y CRÍTICA: Terror. Fantástico. Thriller. Gore

Últimamente he tenido problemas para seleccionar que cinta ver en el cine, se los juro vivir en Aguascalientes de repente es un martirio, entre el estreno retrasado de cintas más o menos interesantes (los piratas ya tenían Hombres de Mentes hace semanas y en calidad dvd) o pendejaditas como No eres tu soy yo (Alejandro Springall, 2010. si con Eugenio Derbez) hacen que las opciones se vuelven nulas, pero este fin de semana veo a toda costa Inception, antes de que la quiten de cartelera.

Por tal motivo, el mejor remedio para esto es recurrir a buscar viejos titulos en formato casero, es por eso que me di a la tarea de escudrillar mis dvds y me encontre de nuevo con la magnifica The Evil Dead, cinta que es de revisión rigoroza para un servidor por lo menos una o dos veces por año, ya que es como un antídoto hacia las recientes e insipientes propuestas en el genero de horror actual.

Es por eso que al ver la mencionada cinta, recorde que el año pasado (noviembre para ser más exacto) mi amigo George y yo fuimos a una proyección que se realizo en el panteón de la Salud con motivo de celebrar la segunda edición del Festival Aguascalentense sobre cine de horror llamado "Posmortem", con motivo de las festividades del día de muertos y debo decir que la experiencia fue satisfactoria, ya que mucha de la gente que asistió al evento no sabia ni lo que iba a presenciar (algunos ni conocían la cinta), expresiones como ¡no manches! o ¿eso que? hicieron que su servidor tomará las cosas con una perspectiva jocosa, y pude constatar que mucha de las veces la gente no tiene ni puta idea de lo que es el lenguaje cinematográfico en sus diversas expresiones.

Pero bueno, la historia nos cuenta sobre un grupo de jóvenes que deciden pasar un fin de semana en una cabaña en medio del bosque, para descansar y pues practicar el mete saca (jajajaja). Lo que no saben es que dentro del mismo, existe un libro hecho de carne humana llamado El Necronomicon, el cual lleva siglos sin ser descubierto, y que tiene la facultad de despertar a varias entidades demoniacas si se osa leer algunos de los pasajes de este.

Sin embargo la imprudencia de uno de los chicos, Scott (Richard DeManincor) hace que los demonios despierten de su letargo, ya que este fulano descubre en el sotano dicho libro, asi como varios apuntes que indican que el tío de una de las chavas y compañeras de viaje, se encontraba investigando sobre el Necronomicón.

Es por tal motivo que uno a uno, los chicos se iran convirtiendo en huéspedes de los demonios y se iran matando entre si, solo nuestro protagonista Ash (Bruce Campbell) tendrá la audacia de sobrevivir y como último recurso, contar con la sangre fría para despacharse a sus compañeros, incluyendo a su novia (pues todos llevan al Demonio dentro, jajaja) para sortear tan horribles acontecimientos.

En si la premisa podría parecer nada original, pero lo realmente interesante es el desarrollo de la misma, ya que Raimi rompe varios cánones en el género de terror, con algunos elementos que podemos encontrar en las cintas de terror como son: chicos que solo quieren divertirse, se embriagan y tiene sexo, razón por la cual son castigados por su falta de criterio ante situaciones extraordinarias, esto quiere decir que la mayoría de las veces en otras propuestas del género, los personajes por lo general toman decisiones bastante estúpidas y solo están para ser carne de cañón, pero Raimi, como mencionaba da una desconstrucción de esos elementos y aunque algunos personajes son meros arquetipos, el uso de vueltas de tuerca, asi como el constante uso del suspense, logran que la cinta sea un vaivén de emociones, donde en un principio no sabremos quien morirá primero y quien después.

Por tal motivo, en Evil Dead los protagonistas son chavos (2 hombres y 3 mujeres) y efectivamente quieren divertirse, tener sexo, pero cuando son atacados por los demonios, estos se encuentran en sus cinco sentidos y no actúan como orates (aunque provocan el despertar de los demonios por bromistas), también en los momentos de más tensión y miedo Raimi inserta dosis de humor negro para relajar un poco al espectador y de nuevo mete el acelerador con su cuota de sustos. Por tal motivo la narrativa es fluida y no permite que el espectador se distraiga.

Por otra parte el apartado visual que crea el director norteamericano es genial, ya que este es lúgubre y mal sano en todo el desarrollo de la cinta (el cual remite a lo que Lovecraft plasma en su obra), gracias a su efectiva puesta en escena apoyado en la iluminación y la banda sonora que por momentos se vuelve juguetona y muy tensa.

Asi mismo no hay que olvidar el manejo de cámara que hace Raimi, el cual nos entrega unos paneos, encuadres y tomas bastante originales (como la primera toma continua que nos presenta la persecución del Demonio al pobre de Ash a través de la casa para desembocar en el bosque, genial), esta propuesta plástica brinda de frescura y fluidez a la cinta, y nos demuestra que su director conoce bien su oficio.

Otro punto favorable es la caracterización de los jóvenes cuando han sido poseídos por los demonios (con humor negrísimo), ya que los efectos de maquillaje empleados asi como el gore empleado son geniales y hacen al film bastante divertido (si se puede decir). Incluso y aunque la producción cuenta con escasos recursos económicos, las prótesis de látex y alguno que otro efecto hecho netamente en stop motion, dotan al film de un aire ochentero bastante rico, organico, sin artificios como ahora sufren algunos productos actuales.

Ahora bien, los actores cumplen bien con sus interpretaciones pero sin lugar a dudas sobresale un joven Bruce Campbell, el cual lleva la cinta a sus espaldas, entregando escenas memorables como cuando pelea contra sus compañeros ya poseídos. Incluso y aunque Campbell aqui se encuentra más contenido que en la posterior secuela (Evil Dead 2, 1987) ya mostraba su gran personalidad, carisma y sobre todo si vis cómica, aspectos que lo convirtieron en una leyenda viviente del género.

Es increíble que después de 27 años la cinta siga sorprendiendo (con todo y que sus aspectos técnicos ya se noten un tanto caducos), ya que el público que asistió a la proyección era muy variado, personas mayores y muchos púberos (los cuales no sabían lo que iban a presenciar) escenas como la violación de las ramas a una de las protagonistas hicieron que un sector del público abandonara la función, jajajaja.

O casi en su clímax final cuando supuestamente había muerto uno de los demonios y este se levanta, algunas adolescentes gritaron del susto (genial, que se puede esperar de niñatas que creen que Robert Pattinson es la representación de un vampiro, jajaja ) mientras mi amigo y yo reíamos a carcajadas. The Evil Dead sigue siendo una gran película (de culto por supuesto) que aun causa muchos sustos y risas nerviosas al visionarse, además desde mi humilde punto de vista es un parte aguas en el género, demostrando además que no se necesitan grandes presupuestos para lograr un buen film, si no creatividad, perseverancia y sobre todo honestidad hacia lo que se esta haciendo.

¿Qué siguió después? la cinta fue un éxito, lanzaría a la fama a su director y su actor principal, desembocando en dos secuelas más desmadrosas y divertidas (la segunda toda una orgía de gore y humor negro), que harían a Bruce Campbell pasar a la inmortalidad con su famoso personaje llamado Ash y pondría los reflectores de Hollywood sobre Sam Raimi, tal vez para desgracia del autor, ya que de algun modo este perdió la frescura que lo caracterizó en sus primeras obras, pero eso ya es otra historia.

DC UNIVERSE: SUPERMAN REGRESA

TÍTULO ORIGINAL: Superman Returns
AÑO: 2006
DURACIÓN: 153 min
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Bryan Singer
GUIÓN: Dan Harris & Mike Dougherty (Historia: Bryan Singer, Dan Harris, Mike Dougherty. Personaje: Joe Shuster, Jerry Siegel)
MÚSICA: John Ottman
FOTOGRAFÍA: Newton Thomas Sigel
REPARTO: Brandon Routh, Kevin Spacey, Kate Bosworth, Eva Marie Saint, Frank Langella, Sam Huntington, Noel Niell, James Marsden, Stephan Bender, Kal Penn, Parker Posey
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures / Legendary Pictures / DC Comics
WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/supermanreturns/
PREMIOS: 2006: Nominada al Oscar: Mejores efectos visuales
2006: Nominada BAFTA: Mejores efectos visuales
GÉNERO: Ciencia ficción. Fantástico.


¿Por que el mundo necesita a Superman?
-Lois Lane


¿Quién lo diría? Han pasado ya cuatro años desde el último vuelo del Hombre de Acero en la gran pantalla, de hecho recuerdo que en esa epoca aun me encontraba estudiando el último año de la licenciatura por las mañanas y por las tardes trabajaba como caricaturista en un periódico. Esta etapa en mi vida fue muy satisfactoria a nivel escolar pues estaba por concluir mis estudios, pero en lo laboral las cosas no iban muy bien ya que el dueño del periódico donde trabajaba era un verdadero mamón hijo de puta (pues su ética profesional variaba dependiendo del humor del que se encontrara), incluso Jonah Jameson de Spiderman le queda corto, jajaja.

Bueno el hecho es que en esa epoca llevaba la materia de Cine en la carrera, y el maestro Juan Pablo, que nos impartía dicha asignatura nos encargaba revisar algun titulo de la cartelera para debatir sobre ella en clase. Debo hacer un paréntesis, el profe como le digo yo, con el paso del tiempo se volvió mi amigo y hasta la fecha platicamos sobre cine, comics o el existencialismo del ser humano, jajajaja. Volviendo al tema, como siempre he sido fan acérrimo de Superman, pues cuando supe que se iba a estrenar una nueva cinta del héroe azuloso me entusiasme mucho y no podía esperar para verla, total que asití al cine y cuando por fin vi la cinta en pantalla grande, escuchando los soberbios acordes que había compuesto John Williams hace mas de treinta años (ahora a cargo de John Otman) y presencie de nuevo que Superman volvia a volar, me emocione, quede satisfecho por tal experiencia.

Motivo por el cual decidí expresar mi punto de vista en la clase de cine y cuando lo hice (demasiado entusiasmado) descuide aspectos importantes del análisis, pues me gano la nostalgia y como podrán inferir mi maestro objeto varios puntos de vista que di sobre la cinta, en ese momento no estaba de acuerdo pero acepte la retroalimentación. Después salio a la venta el dvd y por supuesto lo compre para completar mi colección, de nuevo revise la cinta y mi entusiasmo bajo un poco, algo ya no me enganchaba como la primera vez.

Ahora después de cuatro años decidí volver a revisar esta nueva aventura del último hijo de Kriptón, con más cabeza que corazón y aunque el resultado no es tan malo como muchos dijeron en su momento, debo acotar que la cinta de Bryan Singer contiene varios fallos bastante importantes que hacen que este Superman no sea del todo satisfactorio.

¿De que va la cinta? Pues se nos explica en un inicio que Superman (Brandon Routh) decide abandonar la tierra ya que unos astrónomos descubren vestigios de su planeta natal Kriptón, razón por la que el superhéroe decide investigar si aun queda algo de su civilización, sin embargo el viaje que emprende Kal-El dura cinco largos años, por tal motivo el mundo aprendió a vivir sin el.

Ahora de regreso en la tierra, Superman (Routh) descubre que ha habido grandes cambios en su ausencia, Lois Lane (Kate Bosworth) al parecer se ha casado y tiene un hijo, la sociedad se ha vuelto más violenta e insolente (genial escena donde Clark ve los noticieros y presencia en lo que se ha convertido el mundo) y lo peor, Lex Luthor (Kevin Spacey) ha salido de la cárcel ya que el propio Superman por estar ausente no testifico en la corte para encerrar de por vida al siniestro villano. Todos aspectos de algún modo afectan a nivel emocional al héroe, ya que ahora más que nunca se siente como un exilidado e icomprendido.

Este es el planteamiento que hace Bryan Singer al firmar su film, posiblemente con más corazón que sesos, razón por la cual descuida aspectos importantes como el desarrollo de personajes o el hecho de no amarrar bien su guión dejando huecos en el mismo, y por si fuera poco ejecuta el filme de manera un tanto despareja y en ocasiones descuidada, ya que aunque la premisa resulta por demás interesante y se trata de contestar ¿Por qué el mundo necesita a Superman? Al final la respuesta queda a medias.

Y es que por una parte, los conflictos existenciales de los que goza Superman (Routh) pueden percibirse creíbles ya que aunque siente una gran responsabilidad por arreglar los problemas sociales por los que pasa la humanidad (por haberse ausentado tanto tiempo), su verdadero motor es el de volver hacer que Lois (Bosworth) se vuelva a enamorar de el, que lo acepte y lo perdone por haberse ido sin decir nada. Entiendo que con esto Singer y sus escritores tratan de dotar de humanidad al héroe y al menos desde mi perspectiva no veo que esto este mal, ya que descubrimos un Superman más compasivo e incluso más vulnerable.

Por eso considero que las escenas más poderosas a nivel visual e incluso narrativo son aquellas en donde los personajes de Superman y Lois intervienen, sobre todo cuando hablan de sus motivaciones, de sus temores, etc. es por eso que la escena en donde Clark (Routh) observa con su mirada de rayos X como su amada Lois sube al ascensor para dirigirse a la azotea para sufrir a solas, creo que refleja el espíritu de la cinta, a final de cuentas la historia de este Superman es sobre redención.

Incluso se puede entender por que Bryan Singer da un borrón de tajo a las secuelas tres y cuatro del Hombre de Acero y toma como punto de partida la cinta de Richard Lester, en donde esta nos situaba en la relación romántica de Lois y Superman/Clark.

Sin embargo creo que el guión falla estrepitosamente en como es enfocada la relación de Lois y Clark, ya que a este último se le trata sin respeto, el personaje de Clark es un cero a la izquierda, es como si lo que importará realmente fueran las apariciones de Superman salvando el día, cuando en realidad Clark Kent es el verdadero ente y Superman es su máscara para poder ayudar a la gente. Sin embargo y aunque se extrañan más apariciones como Clark Kent, el buen quehacer interpretativo del desconocido (hasta ese momento) Brandon Routh, logra que el personaje se vuelva entrañable y como el superhéroe volador cumple con creces.

Y el error más grande es sin lugar a dudas el villano de la cinta, el Lex Luthor de Spacey no cuenta con motivaciones claras (vender extensiones de tierra, jajaja, ridículo), por tal motivo se convierte en un villano de caricatura que trata de emular al Luthor de Gene Hackman, gracias también a la exagerada interpretación de Kevin Spacey. Aquí Luthor pudo haber sido un verdadero hijo de puta, mal sano, como el destello que se da en el climáx final cuando el propio Lex golpea con sus secuaces a Superman, esta escena por momentos se percibe dura, pero se desechan las posibilidades de haber hecho un gran villano. ¡ah! Y lo del hijo de Superman, sin palabras, este arco argumental cerraba por completo una secuela, definitivamente es una gran metida de pata.

Ahora bien, las secuencias donde Superman salva el día son geniales, obviamente todos recordaran la escena donde interviene el avión y como olvidarla si esta filmada con emoción, con fluidez, además que los efectos especiales estan geniales y apoyan el relato, asi como los otros eventos en donde el héroe muestra sus habilidades (el asalto bancario, el rescate de Metrópolis por una explosíon, etc). Sin embargo lo que lastra un poco el asunto es el ritmo tan pesado que Singer le da a todo el conjunto, sobre todo en su parte final (la isla formada de Kriptonita) ya que se percibe hueca, sin emoción, como para cerrar los huecos argumentales.

Visualmente la cinta esta genial (no esperaba menos) la puesta en escena y la recreación del Diario el Planeta son hermosas, ya que combinan lo antiguo con lo moderno, la fotografía con su paleta cromática emula al clasicismo y muchos planos gozan de una composición exquisita. Asi mismo la banda sonora se vuelve importante como lo fuera en la saga original y los arreglos que hace John Ottman a la partitura de John Williams le dan un aire fresco a la misma. Y finalmente los personajes secundarios son interpretados de manera correcta por sus actores, sobresaliendo un Frank Langella que llena la pantalla con su Perry White, brindando algunas de las mejores líneas, las cuales destilan humor negro.

Asi que puedo decir que Superman Regresa me agrado ya que llenó de algún modo el vacío de volver a ver volar al héroe mas grande del universo en la pantalla grande, es como volver a reencontrarse con un viejo amigo, empero al igual que a Singer creo gano más la nostalgia hacia el tributo, ya que la cinta por momentos se convierte en una sucesión de guiños, escenas e incluso frases a la mitología que planteo Richard Donner, por lo que la cinta es más un homenaje que una propuesta cinematográfica que busque arriesgarse.

Para finalizar debo decir que aunque la cinta no es perfecta, tampoco es un bodrio, creo que hay que ser objetivos y poner las cosas en la balanza, sin embargo y como comentaba, esta tiene grandes fallos que no hacen que el film se convirtiera en un clasico. Asi que suerte para los hermanos Nolan si es que logran levantar el proyecto llamado simplemente “El Hombre de Acero”, espero que ellos si puedan contestar ¿Por qué el mundo necesita a Superman?

CINE TERROR: UNA PELICULA SERBIA

TÍTULO ORIGINAL: Srpski film
AÑO: 2010
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: SERBIA Y MONTENEGRO
DIRECTOR: Srdjan Spasojevic
GUIÓN: Srdjan Spasojevic, Aleksandar Radivojevic
MÚSICA: Sky Wikluh
FOTOGRAFÍA: Nemanja Jovanov
REPARTO: Srdjan Todorovic, Sergej Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Katarina Zutic, Slobodan Bestic, Ana Sakic, Lena Bogdanovic, Luka Mijatovic, Andjela Nenadovic
PRODUCTORA: Contra Film / Jinga Films
GÉNERO: Terror.


Antes de comenzar la reseña de esta cinta, debo confesar que el filme de Srdjan Spasojevic realmente me partió la madre anímicamente con todo y que he visto títulos tan duros como Mártires, Calvario, Aftermath, Holocausto Caníbal o Al Interior por mencionar algunos, razón por la que después de visionar Una Película Serbia debía concentrarme en los aspectos semióticos de la misma para que mi análisis no se vieran tan nublados por mis emociones, y asi poder discernir los aspectos formales de la misma.

En un inicio la cinta arranca como cualquier thriller normalito, esta nos comienza a contar la vida de Milos (Srdjan Todorovic) un hombre que durante varios años fue el actor porno más cotizado del medio, el hombre tenía (además de un gran miembro viril, jajaja) una especie de habilidad, ya que cuando follaba a sus co protagonistas las llevaba al éxtasis motivo por el cual Milos se volvió una leyenda del porno. Sin embargo como todo en la vida se acaba y Milos ha tenido que retirarse por un tiempo, ahora vive tranquilamente con su esposa Marija (Jelena Gavrilovic) y su pequeño hijo, sin embargo el dinero que ganó trabajando cada día se va acabando ya que las cuentas no esperan.

Es por este motivo que Milos (Todorovic) pasa por un momento anímico un tanto oscuro y siente que desperdicia su vida. Empero cierto día una vieja compañera de trabajo llamada Jeca (Andjela Nenadovic) se contacta con nuestro protagonista, para comunicarle que le tiene un nuevo trabajo, y que este no es típico trabajo donde harán una porno, que incluso la gente que esta detrás de este proyecto son artistas los cuales buscan hacer arte atrvés de este proyecto y por si fuera poco si Milos acepta sera remunerado bastante bien económicamente.

En un principio Milos duda, pero acepta entrevistarse con el hombre que organiza el asunto, su nombre es Vukmir (Sergej Trifunovic) un psicólogo con doctorado (después descubriremos esto) el cual le explica al hombre que este proyecto es importante a nivel filosófico y plástico, que lo que van a grabar jamás se ha hecho, que la pornografía común y corriente es solo una ilusión. Por tal motivo la cinta a la que lo invitan a participar va a ser un parte aguas a nivel sensorial, puesto que las aspiraciones de este filme son artísticos y por eso lo han invitado, ya que para Vukmir, Milos es un artista en lo que sabe hacer, follar.

Es por eso que nuestro hombre después de discutir con su hermosa esposa sobre el trabajo, al final decide aceptarlo sin saber que este solo significará su perdición y la de sus seres queridos, ya que conforme Milos se adentra más y más en este proyecto, irá descendiendo en un infierno existencial donde el fin justifica los medios, al menos para su creador (Vukmir) ya que este a través del sufrimiento, las vejaciones y la aplicación de casi todas las filias conocidas (necrofilia, neonatofilia, humillación, violaciones, etc) hacia sus víctimas, creara una especie de nuevo arte, el cual incluso rebasa el aspecto meramente cinematográfico, motivo por el cual la cámara sirve solo como una herramienta para documentar y dejar constancia de que este existe.

Como pueden leer el argumento podría parecerse a filmes como Hostal o algunas cintas Snuff, sin embargo lo que hace diferente y realmente aterradora a la cinta de Spasojevic, es que el autor no pretende shockear al presente de manera gratuita con sus desagradables e incluso ofensivas escenas (la secuencia donde interviene un recién nacido es perturbadora y realmente te chinga emocionalmente), incluso el climax final es aterrador (este incluye la violacion de dos personas a manos de Milos sin saber que estos son...) y cuando el presente esta noqueado por lo que acaba de ver, pensando que ya no puede haber más, el final te remata de forma abrumadora para que no se olvide lo que acabas de presenciar.

Por tal motivo considero que la cinta contiene un discurso entre líneas bastante duro hacia la propia nación Serbia, despojado de maniqueísmos baratos. Es por eso que los personajes que aparecen torturados, violados, asesinados, etc. son símbolos que son usados por el autor para transmitir dicho mensaje, incluso el gran pene de Milos (de algun modo eje central de la cinta) es ese emblema que da placer, de fuerza, el que da vida y al final también es el detonante de tanta muerte.

Y es que si repasamos un poco la historia de Yugoslavia (ahora Serbia y Montenegro) por lo menos de de veinte años para acá, nos daremos cuenta esta nación a sufrido bastante, comenzando por el genocidio y la limpieza étnica que se dio en los 90´s, hasta los bloqueos comerciales por parte de la OTAN para detener la guerra en Kosovo y que a final de cuentas no sirvió de nada (solo hundieron al país en la bancarrota), por lo que se optó por bombardear dicha ciudad dejando como resultado miles de muertos y lo peor es que estos problemas en mayor o menor medida siguen vigentes en esa nación.

Por tal motivo, percibo que La Película Serbia es más que un film de terror o torturporn (de hecho cumple con creces ese apartado) pero también creo que sus aspiraciones son mayores a la mera exposición del gore y violencia gráfica, ya que aspectos técnicos como la fotografía, la puesta en escena o el montaje se alejan de los productos de serie b que buscan el mero sencionalismo, es por eso que en este titulo encontraremos una belleza plástica aunque en ocasiones los fotogramas nos muestren horror puro. Asi mismo los personajes tienen un desarrollo tridimensional donde se pueden percibir sus motivaciones, aunque sean arquetípos (con la diferencia que aqui no hay buenos, ni malos solo víctimas) y la interpretación de los actores cumple con creces para que nos creamos lo que estamos viendo.

Para finalizar debo decir que esta cinta es una muestra clara que en las artes, cualquiera que sea la rama (pintura, escultura o el propio cine) si la obra no esta bien fundamentada se cae a pedazos como un castillo de naipes, es por eso que cuando visionamos cualquier cinta podemos sentirnos estafados o en su defecto percibimos que hay algo más de trasfondo en las imágenes mostradas. Al menos a si me sucedió con este titulo, que con todo y lo repugnante, doloroso, aterrador e incluso ofensivo de sus imágenes, encontré en esta una obra transgresora y propositiva.

Asi mismo se que algunos estas ultimas líneas les parecerán una locura (si ya vieron el film), y podrían techarme de loco y un largo etc, pero nunca mencione que la cinta me gustara, solo que como obra cinematográfica la percibí honesta y eso ya es suficiente para mi, pues no he sentido que me hayan tomado el pelo.

¿Qué si la recomendaría? Por supuesto, siempre y cuando estemos abiertos a visionarla sin prejuicios, como debe verse cualquier obra. Por último y como metáfora, muchos siguen viendo en Godzilla (Ishirô Honda, 1954) solo a un tipo ataviado con un feo traje de goma destruyendo maquetitas, sin analizar el verdadero trasfondo de su creación.

CIENCIA FICCIÓN: DEPREDADORES

TÍTULO ORIGINAL: Predators
AÑO: 2010
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Nimród Antal
GUIÓN: Alex Litvak
MÚSICA: John Debney
FOTOGRAFÍA: Gyula Pados
REPARTO: Adrien Brody, Topher Grace, Danny Trejo, Walton Goggins, Alice Braga, Oleg Taktarov, Mahershalalhashbaz Ali, Louiz Ozawa.
PRODUCTORA: 20th Century Fox / Troublemaker Studios
WEB OFICIAL: http://www.Predators-movie.com
GÉNERO: Ciencia ficción. Acción. Extraterrestres. Secuela.


Antes de comenzar esta reseña quiero aclarar algunas cosas, aunque no soy fan acérrimo de la saga Depredador, considero que la cinta original es una obra clásica ya del cine de ciencia ficción, ya que tenía buenos efectos especiales pero apostaba por una historia atrayente (hombres asediados por una amenaza desconocida) que dicho sea de paso aunque no era muy original si se le da un tratamiento acertado, además de que contaba con un protagonista carismático y la solvente dirección de John McTiernan.

Por tal motivo cuando asistí el pasado viernes al cine mi primera opción era sin dudas Inception (Christopher Nolan, 2010) pero por azares del destino (¡maldición! llegue media hora después del inicio) no pude ingresar a verla, es por eso que como en la cartelera no hay nada atractivo, pues pensé ¿Depredadores? Ok, igual y mantiene ese aire pesimista y lúgubre de la obra ochentera, y después de visionarla puedo decir que el resultado no estuvo tan mal.

La cinta del impersonal Nimród Antal (su opera prima me parece genial y sus siguientes filmes cumplidores) trata de retomar de alguna forma aquellos elementos que hicieron de la obra original lo que es hoy, por tal motivo la historia nos sitúa en un lugar similar a la mencionada, una selva. De hecho el film abre de manera correcta, podemos presenciar como un soldado (Adrien Brody) cae del cielo, al parecer fue expulsado de alguna nave pues trae un paracaídas y cuando se percata que esta en caída lo activa antes de impactarse en el suelo.

Momentos después el hombre ya en tierra firme trata de ubicar en que lugar esta, sin embargo antes de que pueda hacer algo otro cuerpo cae a unos metros de el y asi conocemos a Cuchillo (Danny Trejo) jajajaja que original eres Robert Rodríguez, otro fulano que llego al mismo lugar en situaciones similares, empero cuando ambos tratan de explicarse que esta pasando estos son atacados por otro sujeto que se encontraba en el lugar antes que ellos.

Ok, hasta aquí la historia engancha, pues al igual que los diversos personajes que van apareciendo a cuadro, nosotros también nos sentimos desconcertados pues desconocemos hasta ese punto por que estan ahí. Jajajajajajajaja, miento, obviamente el manejo de suspense es correcto pero la premisa se huele a kilómetros y obviamente (al menos para un servidor) uno puede inferir que los personajes que aparecen han sido elegidos para ser cazados por los verdaderos protagonistas de la cinta, los Depredadores, por tal motivo y dependiendo de las características de cada sujeto, la pregunta seria ¿Quién morirá primero? ya que indiscutiblemente sería estúpido preguntar ¿Quién quedará vivo? si el protagonista es el señor Brody, jajaja.

Bueno pero para no alargar demás el asunto, Adrien Brody como es el macizo de la cinta se vuelve el lider de este embrollo y saca como conclusión que todos los involucrados por sus diversas habilidades han sido elegidos para sobrevivir a esa añeja y terrorífica tradición de sobrevivir ante cazadores tan letales como los mencionados extraterrestres, por tal motivo tenemos, primeramente a nuestro representante mexicano Cuchillo (el buenazo de Danny Trejo) ¿sus habilidades? Pues es un Zeta, si como lo leen, este fulano sería la versión terrestre de los Depredadores, jajaja ya que son unos verdaderos hijos de puta. Para aquel que no este familiarizado con este término, los Zetas son organizaciones delictivas que se dedican al narcotráfico, violaciones, al secuestro y demás desmanes que el pobre gobierno federal no ha podido frenar, sus operaciones las realizan por todo el país pero primordialmente en las zonas fronterizas de México, como Sonora. De hecho el chiste al que hace referencia el personaje de Trejo sobre cómo operan estos, hasta cierto punto te saca unas cuantas carcajadas por su negro humor.

Después tenemos a un ruso llamado Nikolai (Oleg Taktarov) experto en armas de calibre pesado, Isabelle (Alice Braga) una mujer que pertenece al ejército, Stans (Walton Goggins) un psicopata conenado a muerte, Mombasa (Mahershalalhashbaz Ali) un hombre negro de alguna resistencia o algo así, Hanzo (Ozawa Changchien) un yakuza y por último un científico o doctor llamado Edwin (Topher Grace), todos ellos carne de cañón.

Por tal motivo los involucrados siguen a Royce (Brody) que por cierto es un mercenario, para tratar de sobrevivir y si señores, esta es a ciencia cierta toda la trama, ya que como mencionaba los personajes irán muriendo uno a uno conforme avance la trama, pero de formas no tan desagradables como uno esperaba (siento decepcionarlos) y por si esto no fuera suficiente el mexicano y el negro son los primeros en caer, coño, jajajaja.

Ahora bien, los aspectos formales del film son los siguientes, esta se divide en dos partes, la primera mitad es emocionante, contiene suspenso y una que otra secuencias de acción, que incluso funcionan sin que los Depredadores hagan acto de presencia en pantalla, pero llegando a la segunda mitad cuando nuestros protagonistas descubren el campamento de los alienígenas es cuando la cinta comienza a desinflarse, pues parece como si el director y guionistas hubieran quemado todos sus cartuchos en la primera mitad y las ideas brillan por su ausencia, ya que se emprende otra sucesión de secuencias donde los humanos buscan sobrevivir a la amenaza, pero estas son más de lo mismo por lo que no sorprenden (ademas que se dan situaciones algo incongruentes y vueltas de tuerca un tanto forzadas).

Por otra parte algo que tampoco ayuda a la trama es la inclusión del personaje de Laurence Fishburne el cual sobra pues no aporta ningún aspecto de peso en la historia, además que la breve aparición del actor se percibe más como un cameo. Por lo tanto estos aspectos desde el punto de vista del que esto escribe, alargan demás la trama desembocando en un descafeinado clímax final, donde Adrien Brody emula o rinde una especie de homenaje a aquella mítica secuencia donde Swarchenegger a base de creatividad (y muchos cojones, claro) enfrentaba a su cazador.

Pero no todo es malo, como comentaba hay algunos momentos de tensión, algunos enfrentamientos con algo de creatividad (¿alguien se imagino que un yakuza se enfrentaría mano a mano contra un Depredador?) empero ninguno llega a ser memorable. Pero la cinta se salva por la acertada dirección de Nimród Antal, la cual tampoco es una maravilla ya que como comentaba en un inicio esta no goza de un estilo propio.

Asi mismo el reparto esta correcto, empezando por el pianista Adrien Brody, el cual le metio masa muscular a su cuerpo para hacer creíble su papel y debo decir que conforme avanza la trama el actor logra convencer al presente que es un tipo rudo, osea un verdadero hijo de puta, con una moral bastante ambigûa, al cual lo que le interesa es salvar su pellejo y los demás que se jodan, aunque al final nos muestra que tiene corazoncito y salva a la chica (que jodido ¿no?), solo espero que al actor no se le haga costumbre participar en este tipo de producciones o podría acabar como el propio Danny Trejo o peor aún como ¡Nicolas Cage!, jajajaja. Por otra parte Danny Trejo con todo y que solo sale como quince minutos frente a cámara hace un trabajo digno, en parte gracias a su gran carisma (tampoco es que su personaje le exigiera demasiado, jajajaja) y el resto del reparto esta en la misma linea.

En el aspecto visual la cinta cumple, la banda sonora emula por momentos a la original compuesta por Alan Silvestre hace más de veinte años y en general se percibe que la producción de Robert Rodríguez trata de tomarse en serio el trabajo de revivir la franquicia aunque lo logre a medias, ya que el resultado aunque cumple el mero entretenimiento, al final resulta ser pan con lo mismo. Aunque el diseño de las criaturas esta excelente y hace que estos luzcan amenazantes e impongan con su sola presencia, además hay un pequeño guiño a la saga de Alien (si son abispados se podrán dar cuenta a que me refiero).

Asi que puedo recomendar con reservas Depredadores ya que sus virtudes casi son equiparables en igual medida a sus defectos, lo que hace que esta cinta se perciba más a esos títulos de serie b salidos directamente a dvd que a un Blockbuster veraniego.

p.d. Depredadores también la recomendaría para individuos que no hayan visto la original (que lo dudo) o en su defecto, para fulanos que como un servidor no alcanzaron a ver Inception por problemas de tiempo y que sin dudar desembolzo 60 pesitos, aaaoouccchhh!

CINE DE CULTO: CUENTA CONMIGO

TÍTULO ORIGINAL: Stand by Me
AÑO: 1986
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS:E.U.
DIRECTOR: Rob Reiner
GUIÓN: Bruce A. Evans & Raynold Gideon (Novela: Stephen King)
MÚSICA: Jack Nitzsche
FOTOGRAFÍA: Thomas Del Ruth
REPARTO: Will Wheaton, River Phoenix, Corey Feldman, Jerry O'Connell, Richard Dreyfuss, Kiefer Sutherland, Bradley Gregg, Bruce Kirby, John Cusack, Jason Oliver, Marshall Bell, Frances Lee McCain, Wil Wheaton
PRODUCTORA: Columbia Pictures
PREMIOS 1986: Nominada al Oscar: Mejor guión adaptado
GÉNERO: Aventuras. Drama.


Pues si estimados lectores del Rincón de Harrison, de un tiempo para acá me ha entrado la nostalgia por revisar algunos títulos que en su mayoría datan de las décadas de los setentas, ochentas y noventas, ¿el por que? no lo se a ciencia cierta, solo puedo decir que algunas de estas cintas marcaron a varias generaciones (incluyendo a un servidor), como ahora les toca a los jovenzuelos con sus Harrys Potter o sus seudo vampirillos descafeinados salidos de las revistas Hola! de la saga Crepusculo, jajajaja pobre juventud.

Pero esto no lo hago con el afán de joder ni mucho menos, solo es una apreciación personal, además siempre que lo quieran ahí estarán (gracias a Dios) los trabajos que dejaron para la posteridad maestros como Fellini, Chaplin, Scorsese, Bergman,Eastwood e infinidad de material audiovisual que definió lo que ahora conocemos como cine. Aclaro esto solo es para expresar que en ocasiones me da la impresión que antes podíamos encontrar cintas más entretenidas, más profundas, menos artificiosas que en la actualidad (con todo y que siempre han existido bodrios en la historia del cine), además puntualizó, me refiero a ese cine que se le denomina mas comercial y accesible, ya que exponentes de calidad o mediocres los habrá siempre en E.U. Europa, Oriente, etc.

Por tal motivo decidí revisar de nuevo Stand by Me (Cuenta Conmigo) cinta que cuenta las aventuras de cuatro críos que rondan entre los diez y doce años, y que se encuentran de vacaciones en un caluroso verano en una pequeña comunidad de Oregon, sin saber que este será el último que pasaran juntos ya que cuando regresen de estas, tendrán que seguir caminos distintos puesto que algunos ingresarán a la preparatoria y otros simplemente se quedarán estancados en su lugar de origen por diversos motivos. Por cierto el film esta basado en una novela de Stephen King llamada El Cuerpo.

La cinta comienza cuando un hombre (Richard Dreyfuss) lee la primera plana de un periódico local donde la noticia de han matado a un abogado lo sorprende, ya que este era un amigo de su infancia, un chico problematico que ahora descubre con esta noticia que se hizo un hombre de bien, por tal motivo el hombre da un salto temporal de casi treinta años hacia tras y nos comienza a narrar la historia de unos chavales, Goldie (Wil Wheaton) el chico sentimental, Chris (River Phoenix) el rudo, Teddy (Corey Feldman) el frikki y Vern (un irreconocible Jerry O´Conell) el miedoso, los cuales emprenden un viaje en busca de otro chico que ha desaparecido en circunstancias extrañas (puesto que no se sabe si esta vivo o muerto)para experimentar un poco de emoción y aventura.

¿Qué como se han enterado de la desaparición del chaval? Pues una tarde cuando Vern (O´Conell) buscaba algunas cosas debajo de su casa escucho que el hermano de Chris (Phoenix), y un amigo hablaban de que habían cometido una especie de crimen y de que habían escondido el cuerpo en el bosque. Razón por la que Vern le cuenta a sus amigos y emprenden la supuesta aventura. En ese paseo que hasta cierto punto consideran inocente, los chicos irán descubriendo aspectos de sus vidas que no habían compartido entre si, además que se tocarán fibras emocionales bastante lúgubres y harán que estos se cuestionen su futuro como personas, esto solo quiere decir que su viaje los llevara por el gacho camino de darse cuenta que han dejado de ser niños y han crecido para convertirse en hombres, a su vez que descubren que este es un proceso bastante doloroso.

Por tal motivo aspectos como el maltrato familiar se tocarán en esta cinta, como es el caso de Goldie (Wheaton) el cual no necesita ser un niño golpeado para ser herido, sus papás con el hecho de no hacerle caso lo lastiman más, ya que estos no han superado la perdida de su hijo mayor (John Cusack) casi un prodigio y solo hablan de este comparandolo con el hijo menor, además que hacen sentir a Goldie que no existe. Es por eso que el chico se escuda en sus escritos (quiere ser escritor) y cuentos los cuales lo mantienen cuerdo.

Por otra parte Chris es etiquetado ante la sociedad por tener un historial casi delictivo, pues su hermano es un verdadero pandillero (actuación sobria de un Kiefer Sutherland que parece más un cameo) razón por la que nadie, ni el mismo cree en que podrá hacer cosas importantes en su vida y solo opina que Goldie será el único que podrá salir de su entorno. Y finalmente Teddy (Feldman) y Vern sufren por sus propias inseguridades, el primero escuda su dolor en su extravagante forma de ser haciéndose siempre el gracioso, ya que su padre se encuentra recluido en una institución mental y el segundo no se siente cómodo con su aspecto físico.

Es con este argumento que el director Rob Reiner y sus guionistas adaptan esta novela que a simple vista parece alegre y agradable, pero en el fondo el discurso de la película es un tanto lúgubre ya que aspectos como la mortalidad, las perdidas, la discriminación a los seres inadaptados o incluso la amistad son tocados de manera cordial para que el espectador pueda disfrutar de ella sin problemas. Incluso hay un momento en la narración donde se puede percibir ese estilo tan peculiar de Stephen King, el cual queda reflejado en la pequeña historia que cuenta Goldie, en la cual narra la vida de un chico obeso que es tratado con segregación por todo el pueblo por su aspecto físico, sin embargo cuando hay un concurso para ver quien come mas tartas el chico entra al mismo para darle una lección a todos los hipócritas del pueblo.

El obeso joven come muchas tartas con rapidez, sin embargo su meta no era ganar el concurso, si no vomitarle a los presentes todo lo que había comido (jajaja) ya que previamente se preparo para causar el vómito. Acto seguido, los asistentes y participantes del evento al presenciar semejante espectáculo comienzan a lanzarse fluidos gástricos entre ellos haciendo de este evento un espectáculo repugnante. Y el chico obeso solo observa su obra y ríe para ver como su venganza se ha cumplido, jajajaja, esta escena goza de un humor bastante negro y punzante, y como mencionaba es 100 % Stephen King.

Por tal motivo la narración es fluida y hace que el relato se disfrute, asi mismo se agradece que este no tenga momentos de lágrima fácil ni mucho menos aspectos manidos en cuanto a estos. Por otra parte y aunque los personajes pudieran considerarse bastantes arquetípicos estos logran contar con profundidad psicológica para lograr la empatia del espectador, gracias también a las correctas actuaciones del joven reparto.

Asi que si aun no ha visto Cuenta Conmigo no duden en revisarla, ya que aunque su discurso podría parecer bastante naif este logra despojarse de artificios narrativos para tomarse en serio, además de que cuenta con una banda sonora entrañable y nos regala una de las escenas más emblemáticas del cine, los chicos corriendo para tratar que no los alcance el tren.

CINE CUTRE: DESTINATION ANYWHERE

TÍTULO ORIGINAL: Destination Anywhere
AÑO: 1997
DURACIÓN: 45 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Mark Pellington (Basado en los personajes del disco de Jon Bon Jovi)
GUIÓN: Stuart Cohn, Tom Gorai
MÚSICA: jon Bon Jovi
FOTOGRAFÍA: Bobby Bukowski
REPARTO: Jon Bon Jovi, Demi Moore, Kevin Bacon, Whoopi Goldberg, Annabella Sciorra
PRODUCTORA: Universal Pictures / Epic Records
GÉNERO: Drama. Musical.

"¿Destino? cualquier parte, derecha o izquierda que importa"
-Jon


Como sabrán mis gustos musicales son hasta cierto punto variados, estos van desde The Beatles, The Rolling Stones, ZZ Top, AC DC, Kiss, pasando por Eric Clapton, The Ramones, Pink Floyd, The Doors y un largo etc, motivo por el cual también se encuentra la banda de hard rock creada allá por 1983 en de Nueva Jersey, por un jovencísimo Jon Bon Jovi, bautizada simplemente como Bon Jovi.

Se habrán de preguntar ¿qué carajo tiene que ver todo esto con el sitio? Pues simplemente que durante varios años su servidor sabia de la existencia de este film llamado Destination Anywhere y sentía curiosidad por verlo, el cual esta basado en las canciones del disco como solista de Jon Bon Jovi que lleva el mismo nombre (el cual por cierto me parece un buen material).

Por tal motivo y como el disco recibió una buena acogida por los fans y críticos, pues a alguien se le ocurrió la maravillosa idea (jajajaja) de realizar una cinta para de algún modo expandir el universo de la placa musical. Total que hace poco me encontre con el dvd y decidí comprarlo solo para corroborar que mi sentido arácnido no se equivocaba (algo en este film no olía bien) pero la curiosidad pudo más y aqui esta el resultado ¿cual es este se preguntarán? pues desgraciadamente es una completa mierda, ya que primeramente los personajes y situaciones de las canciones aquí quedan desdibujados por el risible tratamiento de telenovela que se les da, además que se nota una completa incompetencia al dirigir por parte del señor Mark Pellington, autor impersonal del cual la única cinta que encuentro rescatable de su escasa filmografía es Arlington Road (1999).

Bueno pero dejen explicar de qué va la cinta, Jon (Jon Bon Jovi) es un hombre solitario que vive en un motel de paso, una mañana despierta y en su contestador descubre un mensaje donde un tipo le amenaza diciéndole que tiene 24 horas para pagar el dinero que le debe o será hombre muerto. Ok hasta aquí el argumento tiene interés (apenas van cinco minutos de metraje) ya que se nos presenta al protagonista un hombre con un pasado turbio.

Después Jon sale del lugar (haciendo caso omiso del mensaje) y se dirige a la pequeña Italia (jajaja, si como en las películas de Scorsese) un barrio italiano que se encuentra en Nueva York para resolver algunos “asuntos pendientes antes de morir” (jajaja, creo que encajaba la frase).

El hombre camina por algunas calles de su barrio y unos tipos lo reconocen (aquí comienzan los problemas en el guión) ya que estos sujetos escupen los típicos diálogos de: ¿cómo se atreve a regresar? ¡Es hombre muerto! ¿qué no es el hombre que le debe dinero a fulano de tal?, para después visionar como Jon entra a un edificio y se encuentra con dos mujeres. Ahí nos enteramos que la más histérica, Janie (Demi Moore) es la mujer de este, la chica siempre se encuentra en estado etílico y en cuanto ve a Jon lo bronquea.

La otra mujer es Dorothy (Annabella Sciorra) una amiga que esta en los momentos difíciles y acompaña a Janie en estos. Y bueno para no hacer el cuento más largo el conflicto que vive Jon y Janie es la muerte de la pequeña hija de ambos en un accidente, razón para que la mujer se escude en las adicciones y tratar de calmar el dolor que esto le ha producido, pero que como consecuencia ha alejando a su esposo también.

Este es todo el argumento de la cinta y se desarrolla de manera pueril y aburrida, ya que el director es incapaz de dotar de ritmo a la misma, ya que todo el desarrollo de la historia recae sobre los hombros de Jon Bon Jovi (para lucimiento de este claro), por tal motivo el filme es una sucesión de escenas donde Bon Jovi camina por las calles de su barrio de noche, recorre los tables dance, las cantinas, tratando de encontrar respuestas a su existencia. Obviamente no encontraremos momentos sordidos (algo que ubiera estado genial y reflejaria más el estado anímico del protagonista) por lo que cada que avanza la cinta uno desea que esta acabe.

Claro, dentro de los pasajes de la historia se insertarán momentos donde aparezcan pequeños videoclips de las canciones más emblemáticas del disco para tratar de reforzar el discurso de la misma, asi como la aparición de algunos personajes, los cuales tendrían la función de ser un detonante emocional hacia el protagonista, sin embargo por el nulo desarrollo de los mismos y el poco tiempo que aparecen frente a la pantalla, estos quedan como simples cameos, por ahí deambulan Kevin Bacon y Whoopi Goldberg.

De las actuaciones hay que decir que estas no logran conectar con el presente, por un lado Jon Bon Jovi se esfuerza por dotar de dramatismo a su personaje pero se percibe demasiado forzado al igual que Demi Moore (la cual exagera sus registros) además que la pareja no cuenta con la química suficiente para tapar estas deficiencias. Y lo peor es que esto se presenta durante toda la cinta (la cual no llega ni a los 60 minutos de duración) y aunque en un inicio esta tenía una pizca de interés en el presente, esta se va diluyendo conforme avanza la pobre trama.

Con decirles que aspectos como la culpabilidad, el rencor, el perdon o la redención se manejan de manera bastante naif, las motivaciones de los personajes no se perciben reales, no hay evolución en ellos, no hay nada.

El aspecto visual de la cinta por lo menos cumple ya que los encuadres, paneos, fotografía e iluminación asemejan mucho a cintas del cine negro (aunque no deja de tener una estética videoclipera). Sin embargo y como he comentado, el guión es deficiente y la dirección bastante plana, sin emoción, tal vez si otro director hubiera hecho el trabajo esto sería otro rollo (¿Martin Scorsese? jajajaja, supongo que no le gusta la musica de Bon Jovi) por ejemplo quien no recuerda el videoclip que realizo Sofia Coppola para los White Stripes y su canción I Just Don’t Know What To Do With Myself en un hermoso blanco y negro o el mítico videoclip de Michael Jackson, Thriller, de John Landis toda una muestra de maestría narrativa por parte de su autor.

Asi que no puedo recomendar de ninguna manera Destination Anywhere, ya que sus pobres aspiraciones artísticas hacen de este un producto bastante desdeñable, ni siquiera engañará los fans de Jon Bon Jovi (yo casi tuve que vomitar después de ver semejante cagada y eso que tengo resistencia a esto, pues he visto cintas de Uwe Boll), de hecho lo único congruente en este bodrio es sin lugar a dudas las palabras que cita Jon “¿el destino? Ninguna parte, derecha o izquierda, que importa” ya que resumen el resultado de dicho adefesio cinematográfico. Lastima ya que el disco es genial.

KRYSZTOF KIESLOWSKI: NO MATARÁS

TÍTULO ORIGINAL: Krótki film o zabijaniu
AÑO: 1988
DURACIÓN: 85 min.
PAÍS: Polonia
DIRECTOR: Krzysztof Kieslowski
GUIÓN: Krzysztof Kieslowski & Krzysztof Piesiewicz
MÚSICA: Zbigniew Preisner
FOTOGRAFÍA: Slawomir Idziar
REPARTO:Miroslaw Baka, Krzystof Globisz, Jan Tesarz
PRODUCTORA: Film Polski
GÉNERO: Drama

Bueno, después de degustar material tan jocoso y liberador como la cinta de Chuck Norris (¡eres grande hombre!) la Furia Silenciosa, pues tuve la necesidad de revisar la obra de algún director, de esos que entienden el lenguaje cinematográfico y lo usan no solo para contar historias si no también para trascender a través de este. Y asi fue, una madrugada aproximadamente a la cinco de la mañana me di cuenta que no podía conciliar el sueño y fui directamente al mueble donde tengo mis dvds y pense, ok debo aprovechar este tiempo y que mejor que ver algo de la obra de Kieslowski, ya que este señor no tiene miramientos hacia el espectador que se atreve a revisar sus filmes, ¿la razón? estos gozan la mayoría de las veces de un discurso ideológico bastante duro y en ocasiones muy doloroso, pero sin dudas muy humano.

En este caso, No Matarás nos cuenta la historia de tres personajes: el primero es un taxista, Jan Tesarz (Waldemar Rekowski) un hombre que se encuentra una mañana lavando su auto para comenzar su labor diaria detrás del volante. Este sujeto es abordado por una pareja que pide sus servicios, sin embargo este lejos de atenderlos de manera cordial les contesta de forma defensiva y les dice que esta lavando su unidad, que en cuanto acabe los llevara. La pareja espera mientras el mal encarado taxista termina de realizar sus labores.

Empero cuando el taxista termina de asear su carro lejos de avisar a sus potenciales clientes prende el auto y se aleja del lugar, incluso ofrece sus servicios a una joven mujer que pasa por ahí, pero esta lo manda a volar. Con esta secuencia podemos percibir ya de entrada un poco la psicología de este personaje, el cual se nos muestra como un sujeto un tanto despreciable y poco honorable.

El segundo personaje y eje de la trama es: Jacek Lazar (Miroslaw Baka) un joven que se encuentra recorriendo las calles de su ciudad (Polonia) sin destino alguno, sin un objetivo concreto aparentemente, de hecho el recorrido de este lo hace parecer un fantasma, ya que asistimos como en ocasiones se topa con multitudes (un grupo de chicos que celebran que su equipo de fútbol haya ganado) y este pasa desapercibido, este hombre es hasta cierto punto un marginado social, ya que las escenas donde aparece, rodeado de tanta gente nos reflejan lo solo que uno se puede sentir, aun cuando estemos inmersos o pertenezcamos en una sociedad civilizada, la cual a final de cuentas por sus reglas o normas termina por excluir al hombre y peor aun, lastran su humanidad haciendo de estos gente de diferentas categorías sociales.

Y por último conocemos a Piotr Balicki (Krzysztof Globisz) un joven abogado que se encuentra realizando su examen profesional para poder litigar e ingresar al mundo real, donde librar batallas y luchar por la justicia social. De hecho el joven defiende su tesis con entusiasmos (claro también con fundamentos) y es aprobado, ahora ya forma parte de ese gremio tan selectivo como es el de la abogacía. Ahora pues hemos conocido a estos sujetos y sus motivaciones, por lo que uno se preguntará ¿que conexión tienen estos seres tan diferentes entre si en la historia? la respuesta es un cruel asesinato.

Efectivamente, Jacek Lazar (Miroslaw Baka) dentro de su agonia existencial, la cual conforme avanza la trama nos percatamos que es un grito de desesperación (ya que el sujeto esta lleno de carencias afectivas) termina, sin razón aparente por encontrarse con el taxista (Jan Tesarz) para quitarle la vida. Sin embargo lo más perturbador es sin duda la frialdad con la que primeramente, Jacek planea de manera meticulosa el artero crimen para después llevarlo acabo.

Esto provoca que el crimen sea descubierto cuando Jacek, lleve el auto para presumírselo a su novia sin saber que esta conocía al hombre (pues es la mujer que aparece al inicio de la cinta cuando Rekowski lava su auto y le ofrece sus servicios) razón por la que la mujer denuncia a este para ser encarcelado y juzgado a la pena máxima: la muerte.

Por tal motivo Piotr Balicki (Krzysztof Globisz) nuestro joven e inexperto abogado será el defensor de oficio de Jacek, el cual verá como utilizando todos sus recursos legales e ideológicos para salvar de la pena de muerte a su cliente, estos quedarán reducidos a simples utopías morales. Razón para que el propio Balicki cuestione a través de este caso la estructura social, moral e incluso legal de las instituciones que velan por nuestra seguridad, ya que aunque somos testigos del crimen que cometió el joven Jacek, el castigo parece por demás paradójico, además de que como sentencio el propio juez, este caso debe servir de ejemplo ante la sociedad para que eventos de esta índole no se repitan jamás. Que además si uno lo analiza esto es por demás absurdo, ¿cuantos asesinatos a sangre fría son cometidos al año en varios países primermundistas? donde ni siquiera la pena de muerte baja dichos indices.

Con esta cruda historia el director polaco nos asesta una cachetada en el rostro para despertarnos a una dura realidad, donde se expone sin miramientos la violencia inherente de la que goza el ser humano, por tal motivo no es gratuita la larga y explícita secuencia del asesinato del taxista a manos del desquiciado joven (dura aproximadamente 20 minutos). Esta no podía ser retratada de otra forma, en ella las imágenes por más shockeantes que parezcan no buscan la reacción morbosa del espectador, si no la concientización del mismo.

Mención aparte merece el apartado visual de la cinta, la cual gracias a una excelente fotografía en ocres y verdosos, asi como unos efectos de iluminación bastante correctos, logran que la cinta se vuelva casi una metáfora, pues su atmósfera casi onírica nos transmite las sensación de estar inmersos en un sueño o mejor dicho, una pesadilla. Por otra parte, encontraremos elementos o símbolos que reflejan la psicología de los personajes, por ejemplo el gato muerto que ve el taxista colgado de un poste, sin saberlo le avisaba su pavoroso futuro o la fotografía maltratada de la hermana difunta de Jacek , la cual siempre lleva consigo y decide ir a restaurar a un estudio fotográfico no es más que el reflejo del quiebre y dolor emocional que sufre el chico. Y finalmente Kieslowski no alarga demasido el relato y toca los puntos medulares del mismo, para amarrar un discurso despojado de maniqueismos.

Asi que señoras y señores, no dejen pasar la oportunidad de revisar esta obra cinematográfica, la cual a mas de veinte años de haber sido gestada sigue vigente tanto en fondo como forma (discurso ideológico y plástica visual) y nos viene a recordar que su creador era de esos tipos que si sabían hacer cine puro. Por cierto, aquella oscura madrugada cuando comencé a ver esta grandiosa cinta, se convirtió en una despejada mañana sabatina la cual decidí comenzar con el pie derecho, ya que después de visionar No Matarás uno necesita echarle ganas pues su revisión te madrea, te deja noqueado emocionalmente.

FILM NOIR: PERDIDOS EN BRUJAS

TÍTULO ORIGINAL: In Bruges
AÑO: 2008
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: Inglaterra
DIRECTOR: Martin McDonagh
GUIÓN: Martin McDonagh
MÚSICA: Carter Burwell
FOTOGRAFÍA: Eigil Bryld
REPARTO:Colin Farrell, Brendan Gleeson, Ralph Fiennes, Clémence Poésy, Jérémie Rénier, Thekla Reuten, Jordan Prentice
PRODUCTORA: Coproducción GB-Bélgica; Focus Features
WEB OFICIAL: http://www.escondidosenbrujas.es/
PREMIOS 2008: Nominada al Oscar: Mejor guión
2008: Globo de Oro: Mejor actor - comedia o musical (Farrell). 2 nominaciones
2008: BAFTA: Mejor guión. 4 nominaciones
GÉNERO: Thriller. Drama. Comedia


Recuerdo haber leído de esta cinta hace más de un año, como siempre las distribuidoras aquí en México retrasan material o de plano no lo sacan a la luz ya que por una parte o lo encuentran aburrido (por no estar lleno de explosiones ni efectos especiales) o en su defecto no saben como clasificar cualquier ejercicio cinematográfico cuando la trama o los personajes rompen los arquetipos a los que están acostumbrados, como por ejemplo buenos contra malos, es por eso que apenas tuve la oportunidad de revisar Perdidos en Brujas y debo decir que la espera valió la pena.

Sin embargo puedo citar otro ejemplo aun más perturbador de la poca visión que tienen algunos sujetos, los cuales deciden que se estrena en cine y que no, aun no puedo creer que la cinta de Spike Jonze llamada Donde viven los Monstruos (2009) no haya tenido corrida comercial, (al menos aquí en Aguascalientes) y mucho menos en formato casero de forma legal (claro los piratas brindando de algún modo un servicio casi social ya la tienen clonada, por suerte para quien no la haya visto). Bueno con este paradigma solo quería contextualizar el entorno discriminatorio del que todavía son víctimas muchas producciones independientes que por su visión muy particular quedan relegadas al olvido.

Bueno, pero ya centrándonos en la cinta que dirige Martin McDonagh, esta nos cuenta como dos matones a sueldo, Ray (Colin Farell) y Ken (Brendan Gleeson) son enviados a la ciudad de Brujas (comunidad de gran atractivo turístico por su historia cultural y belleza arquitectónica) para permanecer escondidos durante un tiempo, ya que su último trabajo salio mal y con esto esperan que las aguas se calmen un poco antes de regresar a Inglaterra. Por cierto Brujas se encuentra en Bélgica, jajajaja (cuando vean la cinta entenderán al chiste).

Pero las aventuras de este par comienzan desde el primer momento en que pisan la ciudad, por una parte Ken (Gleeson) es el tipo maduro y experimentado que funge como tutor de Ray (Farell) y no ve con malos ojos su estancia en este pintoresco pueblo, incluso lo toma como unas vacaciones para relajarse. Empero el segundo, es un hombre más joven y desmadrozo a quien no le ha hecho ninguna puta gracia que los enviaran a dicho lugar, ya que lo considera un maldito pueblo apartado de la civilización donde no hay en que divertirse ya que en vez de burdeles (como los que afloran en Budapest) aquí solo hay museos y monumentos, jajaja.

Por tal motivo este par debe permanecer en la ciudad hasta que su jefe neurótico Harry Waters (Ralph Fiennes) les llame para indicarles que deben hacer. Mientras tanto Ray y Ken se pasean por la ciudad tratando de matar (jajajaja) el tiempo, empero el primero no tardara en meterse en problemas por su difícil humor y la desesperación de estar en una ciudad en la que no pasa nada. Sin embargo lo que no saben estos dos es que su jefe les tiene deparada una sorpresa (bastante desagradable por cierto) ya que la estancia de los mafiosos en Brujas es una especie de despedida bonita jajajaja, para Ray (Farrell) ya que sin imaginarlo su jefe lo ha mandado aniquilar a manos de su amigo Ken (Gleeson), ¿la razón? debe pagar el fatídico error que cometio en su último trabajo donde por accidente mato a un niño.

align="justify">Sin embargo Ken no puede hacer el trabajo que le encarga Waters (Fiennes) ya que siente gran aprecio por Ray, motivo por el cual lo convence de irse de la ciudad. Pero cuando el jefe de estos se entera que ken no ha cumplido el encargo decide ir a Brujas para arreglar las cosas de manera personal (de hecho aprovecha el viaje ya que al parecer el es el ùnico sujeto que disfruta visitar el sitio, jajaja). Obviamente la llegada de Waters desencadenara una matanza bastante sangrienta entre mafiosos (bueno entre el y sus subordinados) ya que un evento casi azaroso hará que Ray se enfrente con el.

Ahora bien, puedo comentar que el argumento es por demás interesante, ya que aunque la cinta recurre a elementos del cine negro, como situaciones, personajes atormentados, antihéroes y sobre todo perdedores, este logra imprimir un sello muy personal para alejarnos de las comparaciones en cuanto a otras cintas de la misma temática, como por ejemplo, el lugar en donde se desarrolla la acción es un personaje más que afecta a los protagonistas a nivel emocional, ¿se imaginan esta historia situada en Aguascalientes? sería casi surrealista ¿no?, jajajaja.

Por tal motivo la buena estructura del guión dota de una riqueza psicologíca a los personajes despojandolos de ser simples arquetipos para convertirlos en seres humanos(bastante dañados a nivel emocional) pero humanos a final de cuentas, razón para que sus motivaciones se perciban creíbles e incluso lleguen a empatizar con el espectador.

Asi mismo otro aspecto que hace de esta cinta una delicia, es sin duda el oscuro humor negro 100 % ingles con el que cuenta la historia, el cual se origina en absurdas situaciones como cuando Ray (Farrell) golpea a una pareja de turistas canadienses en un bar por que el hombre insulta a la chica con la que estaba y este (Ray) citando acontecimientos como Vietnam o el asesinato de John Lennon (cosas que no tiene nada que ver con lo ocurrido) se descuenta al tipo con un golpe y remata a la mujer que estaba con este con otro porrazo en el ojo, jajaja. Cabe hacer mención que en esta escena encontramos un humor muy punzante hacia la cultura norteamericana.

Pero una de las escenas que quedan para la posteridad es cuando nuestros matones se encuentran en un cuarto de hotel con un enano y un par de putas (bastante buenas por cierto) y la conversación que inicia el pequeñín hombre, gira en torno a una guerra que se dará según el en un futuro entre negros y blancos, incluso le comenta a Ray que no habrá opción de elegir bando, si eres negro pues debes odiar a los blancos. Sin embargo Ray le cuestiona a este fulano, si las mismas reglas se aplican con enanos negros y blancos, a lo que el enano responde que si, jajajajajaja, se los juro es imposible no reírse, imaginen un enano racista.

Asi mismo los personajes logran conectar con el presente gracias a las solventes interpretaciones del par protagonico, de hecho esta es la segunda cinta donde veo a un Colin Farrell bien dirigido (la otra fue la cinta de Woody Allen, Los Inquebrantables) por lo que su interpretaciòn se percibe mesurada y hasta tiene toques donde demuestra su lado cómico, sobre todo por sus gestos, los que hacen que el histrión parezca perrito asustado (jajaja), pero en serio, el director logra que Farrel actue e incluso logra matices en su personaje, ya que el presente se cree el dolor y la carga de conciencia que le provocan haber matado a un infante por accidente.

Asi mismo Brendan Gleeson hace lo propio con su personaje y demuestra que es uno de los actores irlandeses mas solventes en la actualidad, además que logra una buena mancuerna con Farrell, incluso Ralph Fiennes con todo y que esta un poco pasado de la raya en su performance, logra encajar a la perfecciòn en esta galeria de personajes distópicos. Eso si, para los que se preguntan si hay romance y disparos, no quedaran decepcionados ya que la cinta cuenta con algunas dosis de esto y lo mejor es que encajan a la perfección en el relato por lo que no se sienten como eventos metidos arbitrariamente.

Y finalmente el apartado visual es soberbio, el director logra sacarle provecho a la Ciudad de Brujas (no se olviden esta en Belgica, jajaja)y la convierte en otro personaje de la historia, evitando gracias a Dios hacer de este sitio una postal bonita para que los turistas lo visiten. Y como no podría ser de otro modo la fotografía y la atmosfera son referentes claros del cine negro como mencionaba casi al inicio que dotan al film de personalidad propia.

Asi que no se pierdan Perdidos en Brujas, cinta que nos muestra que hasta los mafiosos más letales cuentan con buen corazòn y sobre todo codigos éticos (el final es la prueba de esto)imposibles de corromper, jajaja (ojala le aprendieran algo los narcos a estos cuates). Ademàs de que esta cinta esta llena de dialogos inteligentes y mordaces que lo mantendran a carcajada abierta.