viernes, 28 de enero de 2011

CINE DE CULTO: ESCUPO SOBRE TU TUMBA

TÍTULO ORIGINAL: I Spit on Your Grave (AKA Day of the Woman)
AÑO: 1978
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: ESTADOS UNIDOS
DIRECTOR: Meir Zarchi
GUIÓN: Meir Zarchi
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Yuri Haviv
REPARTO : Camille Keaton, Eron Tabor, Richard Pace, Anthony Nichols, Gunter Kleemann
PRODUCTORA: Cinemagic Pictures
PREMIOS , 1978 Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor actriz (Camille Keaton)
GÉNERO: Terror. Thriller.



Como ya he comentado con anterioridad el explotation es un movimiento cinematográfico que buscaba dejar mella en un sector de público muy específico (el cual podría considerarse como marginado) por ende el respetable que veía dichas producciones 100 % grindhoustescas encontraba en estas una válvula de escape para su cotidiano, además de que el visionado de estas podría considerarse como un placer culpable en comparación a las ostentosas y millonarias  producciones que se hacían en Hollywood.

Por tal motivo el mayor encanto de estos filmes es sin lugar a dudas su honestidad, la cual se ve reflejada en la mayoría de las veces en la poca capacidad creativa de sus realizadores, puesto que los huecos argumentales, actores incapaces de cambiar de registro y la exposición gratuita de la violencia o la exposición sexual sin tapujos, hacían de este cine un objeto de culto el cual hay que decir, sigue vigente hasta nuestros días.

Es por esto que Escupo en tu Tumba es sin lugar a dudas un explotation en todo el sentido de la palabra, puesto que se regodea y apuesta su efectividad en lo shockeante de sus imágenes para impactar al presente. La historia va de una joven mujer llamada Jennifer Hills (Camilla Keaton), quien es escritora en una agencia en New York y ha decidido pasar unas tranquilas vacaciones fuera de la ciudad por lo que decide aprovechar estas para escribir su nuevo libro.

Desgraciadamente para la mujer las vacaciones tranquilas que había soñado terminarán cuando un grupo de cuatro sujetos la violen infinidad de veces por el puro gusto de saciar sus bajos instintos. Como pueden leer esta es toda la premisa que nos plantea el director Meir Zarchi, la cual convierte al film en un producto que en ocasiones deambula por el camino de producciones como La Última Casa de la Izquierda (1972) o Las Colinas Tienen Ojos (1977) ambas de Wes Craven, cintas que centraban su argumento en la búsqueda de venganza, sin embargo el film de Zarchi comete un error primordial que hace que no termine de cuajar la idea, este es el intentar de tomarse las cosas demasiado en serio al insertar un discurso social que pretende crear conciencia entre el presente (la violencia de género).

Incluso la cinta comienza de forma correcta (a los cinco minutos la protagonista ya se desnudo por completo de  manera gratuita, jajaja) desarrollando el primer tercio de esta de modo bastante normalita, lo que supone que asistimos a la presentación de personajes y situaciones, para después pasar a lo netamente atractivo del film y por ende lo que le da su valor como cinta, la larga, agónica, desagradable y dolorosa secuencia de las violaciones que sufre la protagonista a manos de los cuatro sujetos.

Y es que esta secuencia es explícita, violenta y desagradable lo que causará sin lugar a dudas repulsión en el respetable, de modo que este elemento narrativo servirá para que el presente empatice con el personaje de Jennifer (Keaton) cuando esta emprenda su no menos salvaje venganza (en un tercer acto) contra lo sujetos que la ultrajaron de manera bestial.

Como es de esperar los personajes no cuentan con una exploración profunda en sus motivaciones por lo que estos se perciben como simples arquetipos, es por esto que los malos son malos y punto, asi como la mujer que funge como víctima en un inicio después es convertida en victimaría, con todo y que sus acciones son bastante incongruentes en la mayoría de las ocasiones, por ejemplo esta se pasea desnuda frente a los sujetos, da demasiada información a estos sin conocerlos sobre su condición (como que  se encuentra sola en la casa del lago que renta) y demás negligencias que desencadenaran el brutal ataque. Empero y aclaro, el que esto escribe no es misógino ni mucho menos, pero las acciones de la mujer pedían a gritos que la atacaran.

Por otra parte cabe hacer mención que el tercer acto final es por mucho lo mejor del film, pues en este podemos presenciar como la dama después de recuperarse de sus heridas físicas y emocionales, decide vengarse utilizando su cuerpo como arma, ya que esta decide seducir a los tipos que la violaron para después ultimarlos de las formas más dolorosas posibles (a uno de los hombres le corta el pene en una bañera ¡auch!). Obviamente volveremos a presenciar más y más desnudos gratuitos para complacencia del director y del respetable (jajaja), además de que se pone de manifiesto que el hombre es un ser débil (al menos en este film) y que cuando cabeza chica se calienta, la cabeza grande no piensa, jajaja.

Indiscutiblemente hay inconsistencias a nivel argumental, interpretativo, errores de continuidad y demás elementos que cualquier director medianamente solvente controla en una producción, sin embargo aqui no sucede, razón por lo cual el respetable  tiene dos opciones, o irritarse por ver semejante bodrio o en su defecto como hizo su servidor, dejarse llevar por lo absurdo de las situaciones y disfrutar como un masoquista ante tan cutre espectáculo que supone el visionado de Escupo en tu Tumba 

Sin embargo y aquí redondeo lo expuesto al principio de este análisis, la mayor virtud de Escupo sobre tu Tumba (al igual que otras producciones de esta índole) es la honestidad  y entusiasmo con la que el realizador  y su equipo filman dicho trabajo, pues se notan a leguas estas exaltaciones,  claro eso no quita que su falso y maniqueo discurso moral con el cual se quiere barnizar el film le reste ese punch que pudo haber logrado este, como es el caso de otros títulos como Ilsa, la Loba Nazi (Edmonds, 1975) que se entrega totalmente al gamberrismo sexual, o Maniac (Lusting, 1980) la cual se regodea en una exposición del gore más brutal para que los amantes del mismo se deleiten, aunque esta última también encaja bastante bien en el género del slasher.

Asi que puedo recomendar el visionado de Escupo sobre tu Tumba como una experiencia bizarra, mal sana, algo torpe e incluso políticamente incorrecta, pero sobre todo por su valor histórico (no me mal interpreten) pues cintas como estas ya no se hacen en la actualidad, sobre todo cuando estamos plagados de remakes de ínfima calidad (no puedo decir lo mismo de la nueva versión del 2010 de este título, pues no lo he visto) que en su afán de revitalizar aquel cine que mucho tiempo se considero como basura solo  hacen que añoremos y revaloricemos la fuente original.

martes, 25 de enero de 2011

CINE DE CULTO: BANGKOK PELIGROSO

TÍTULO ORIGINAL:Bangkok Dangerous
AÑO:1999
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Tailandia
DIRECTOR: Oxide Pang Chun, Danny Pang
GUIÓN: Oxide Pang Chun, Danny Pang
MÚSICA: Orange Music
FOTOGRAFÍA: Decha Srimantra
REPARTO : Pawalit Mongkolpisit, Premsinee Ratanasopha, Patharawarin Timkul, Pisek Intrakanchit, Korkiate Limpapat, Piya Boonnak
PRODUCTORA: Film Bangkok / Pang Bros.
PREMIOS , 2000: Festival de Toronto: Premio FIPRESCI
GÉNERO: Thriller.Crimen.


Si algo se puede decir del cine de los hermanos Pang es que este es bastante irregular, ya que fuera de su debut cinematográfico que es el cual  vamos a comentar el día de hoy o la correcta El Ojo (2002), todo lo demás podría considerarse como flojo e incluso excrementable, por lo que uno puede inferir que Bangkok Peligroso es sin duda el trabajo más honesto y logrado de este par.

Incluso el que esto escribe puede considerar a Bangkok Peligroso como el equivalente de El Mariachi (1992) la opera prima de Robert Rodríguez, ya que al igual que las de los Pang, esta destila frescura y mucho entusiasmo por parte de sus creadores los cuales buscan explorar una variación en los discursos narrativos, pero sobre todo en los estilísticos, además de que ambas obras gozan de un aire un tanto amateur que les aporta un toque muy particular.

Bangkok Peligroso nos narra la vida vacía de un asesino a sueldo llamado Kong (Pawalit Mongkolpisit) el cual tiene la particularidad de ser sordo mudo, motivo por el cual vive en un estado de completo aislamiento emocional, es por esto que sus únicas relaciones interpersonales son las que mantiene  con una prostituta llamada Jo (Pisek Intrakanchit) quien por cierto es quien funge como conexión entre este y el mafioso que le encomienda los objetivos a lo que ha de eliminar.

Y por otra parte su amigo Fon (Premsinee  Ratanasipha) otro asesino a sueldo retirado por una lesión en la mano la cual le impide ejecutar las tareas de esta difícil y peligrosa profesión. Conforme avanza la trama descubrimos que Kong siempre ha sido un marginado social gracias a su estado físico como queda constatado en una excelente secuencia filmada en blanco y negro, la cual nos muestra como un pequeño de cinco años es agredido a pedradas por otros críos al enterarse que este no oye, acto seguido se nos muestra una desgarradora imagen en donde el niño llora y sangra solitariamante bajo la lluvia, por tal motivo este flashback ya comienza a mostrarnos una exploración psicológica del sujeto y por ende sus motivaciones.

Asi mismo la cinta se centra en exponernos el tortuoso oficio del cual Kong sobrevive (y ha tomado más por defecto que por elección propia, ya que cuando asistimos a una de las mejores secuencias del film en donde se nos muestra al sujeto realizar lo que mejor sabe (asesinar) nos damos cuenta también que este es un ente que esta muerto en vida, pues sus acciones no le causan ningún tipo de remordimientos, inclusive también nos damos cuenta que el aspecto físico del hombre es deplorable, con todo y que gana buenas cantidades estos no se ven reflejados en el, pero todo cambia cuando conoce a Aom (Pathawarin Timkul) una chica que atiende en una farmacia y con la cual creará una relación afectiva.

Es por esto que las exaltaciones de Kong comienzan a cambiar cuando percibe que Aom ve en el a un simple ser humano y lo acepta como es, obviamente el solitario hombre a su vez descubre algo maravilloso, las barreras que el mismo se había impuesto y que le impedían sentir todo tipo de emociones  comienzan a desqubrajarse, razón por la cual descubre el  amor pero a su vez  se revela ante el  remordimiento por las atrocidades que ha cometido.

Empero no todo es miel sobre hojuelas y asi como este aspecto ha cambiado en la vida de Kong su entorno se ve afectado igualmente, pues cuando su mejor amiga (la prostituta) sea violada por un boxeador que estaba obsesionado con ella y descubramos después que este pertenecía a la mafia, las cosas se complicarán en el momento en que Fon (el amigo de Kong) tome venganza asesinando al sujeto que ultrajo  a la chica desencadenando una masacre en la cual tanto el como Kong no podrán escapar.

Lo que sigue después es presenciar un tercer acto sobresaliente, en donde Kong se lanza a eliminar a todos aquellos que lo traicionaron y acabaron  con sus amigos, cerrando el film con un final cien por ciento nihilista y en donde se puede percibir que el personaje que interpreta Pawalit Mongkolpisit como un asesino vació en sus emociones (aunque trata de cambiar) descubre que no tiene una verdadera misión en este mugroso mundo que margina a los que son diferentes, por lo que termina por hacer lo que siempre ha sabido, asesinar.

De ahí que las mayores virtudes del film sean primero, el tratamiento de personajes puesto que el protagónico con todo y que es un asesino aqui es retratado como un sujeto común y corriente, con deseos y frustraciones, motivo para  que el personaje se perciba complejo e interesante y por ende se aleje de los tópicos del género, incluso el aspecto físico del protagonista es otro acierto ya que ayuda en la humanización del mismo. Aunque debo aclarar que la relación entre Kong y Aom (punto neurálgico para que el hombre trate de cambiar) se puede sentir un tanto forzada.

Sin embargo se resuelven de manera satisfactoria las diversas subtramas y arcos argumentales que componen las historias de los personajes secundarios por lo que al final estas premisas no se sienten aisladas y al contrario redondean el relato.

Por otra parte y tal vez lo más llamativo en el film de los Pang es sin lugar a dudas el estilo visual que le impregnan a su primer trabajo, pues este cuenta con un manejo muy dinámico en la utilización de la cámara y la composición de encuadres, una iluminación que incluye luces neón y una fotografía que juega con infinidad de  de filtros, asi como la utilización en determinados momentos de una fotografía en blanco y negro. Por tal motivo todos estos elementos son utilizados en aras de proporcionarle un barniz de originalidad a una historia que no lo es tanto pero que a final de cuentas funciona.

Tal vez por esto en su momento Bangkok Peligroso causo cierto revuelo en los festivales en los que se presentó, inclusive se llego a comparar a los hermanos Pang con Wong Kar-WaiJohn Woo, obviamente el film de los directores tailandeses podría tener cierta influencia con los mencionados tanto por el desarrollo de personajes y la estilización de la violencia a nivel visual, sin embargo al ver los siguientes trabajos cinematográficos de este par uno podría inferir que tal vez tomaron lo mejor de Kar-Wai y Woo, y lo plasmaron como una especie de homenaje (por no decir plagio, jajaja) ya que si uno mira la posterior filmografía de Oxide y Dany Pang podrá darse cuenta que ya no hay ningún vestigio de originalidad en sus trabajos.

Sea como sea, Bangkok Peligroso es una cinta que merece la pena el visionado, ya que como comentaba al inicio resulta ser un film estimulante que refleja de algún modo la inquietud de unos realizadores a los cuales se les termino el gas después de su primer proyecto.

sábado, 22 de enero de 2011

DRAMA: TUS SANTOS Y TUS DEMONIOS

TÍTULO ORIGINAL: A Guide to Recognizing Your Saints
AÑO: 2006
DURACIÓN: 98 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Dito Montiel
GUIÓN: Dito Montiel (Novela: Dito Montiel)
MÚSICA: Jonathan Elias, Jimmy Haun, David Wittman
FOTOGRAFÍA: Eric Gautier
REPARTO: Robert Downey Jr., Shia LaBeouf, Chazz Palminteri, Dianne Wiest, Rosario Dawson, Channing Tatum, Martin Compston, Eric Roberts, Melonie Diaz, Julia Garro, Eleonore Hendricks, Adam Scarimbolo, Peter Anthony Tambakis
PRODUCTORA: First Look Pictures
WEB OFICIAL: http://www.firstlookstudios.com/guide
PREMIOS, 2006: Sundance: Mejor dirección drama. Premio Especial del Jurado mejor reparto
GÉNERO Drama.


“A veces, la única forma de avanzar es volver atrás”


Tenía ciertas dudas cuando compre esta cinta, de hecho la deje pasar como unas tres veces antes de adquirirla ya que consideraba que el argumento era bastante parecido a otros títulos como Calles Peligrosas (Scorsese, 1973), Una Historia del Bronx (De Niro, 1993) o Sleepers (Barry Levinson, 1996) en donde se explora la dura adolescencia, amores y demás experiencias de  sujetos ítaloamericanos que o pueden perecer por su entorno convirtiéndose en mafiosos y acabar mal, o en su defecto convertirse en un dramilla lacrimógeno para ver los domingos, además el motivo más importante que me impedia decidir a ver la cinta de Dito Montiel era sin lugar a dudas la aparición del insoportable Shia LaBeuf.

Sin embargo me arriesgue y debo decir que después de su visionado Tus Santos y tus Demonios no me decepciono, incluso me agrado la sencillez argumental  y su despojamiento de pretensiones, pues al ser una película autobiográfica sobre la vida del propio director se corría el riesgo de que se ensalzaran ciertas situaciones o eventos, dando como resultado una aburrida historia o peor aun maniquea, empero Montiel opta por abrirse y exorcizar sus demonios internos, lo que da como resultado un film honesto que nos habla de lo importante que es la amistad y como nuestras propias raíces nos persiguen aún y cuando busquemos alejarnos de estas.

La historia comienza cuando Dito (Robert Downey Jr.) recibe una llamada en la cual su mamá (Diane Wiest) le avisa que su padre  (Chazz Palminteri) se encuentra bastante enfermo por lo que le pide que regrese para llevarlo al hospital, después nos enteramos que el hombre lleva unos veinte años sin ver a sus padres por lo que no quiere regresar a su antiguo barrio en el duro Queens, ya que cuando este era un adolescente termino mal su relación con su progenitor.

Instantes después un flashback nos transporta veinte años atrás, ahora estamos a principios de los años ochentas en las calurosas calles de Astoria y podemos prescenciar como un joven Dito (Shia LaBeouf ) camina con su mejor  amigo, Antonio (Channing Tatum) un tipo rudo que siempre lo defiende cuando se mete en problemas y esta dispuestos a moler a palos a cualquiera que lo moleste.

Dito (LaBeouf) es un chico tranquilo que asiste a la escuela, por las noches se divierte con sus amigos y algunas chicas, su padre es Monty (Palminteri) un sujeto  respetado en el barrio el cual siempre se le ha inculcado  a Dito que lo más importante es la familia, motivo por el cual se vuelve sobreprotector y en ocasiones controlador lo que ha provocado que estos tengan constantes  enfrentamientos  ya que el joven no comparte los ideales de su padre.

Por otra parte Antonio (Tatum) no asiste a la escuela e invierte su tiempo en vagar por las calles del barrio junto a su hermano, pero por las tardes este siempre visita a Dito y a Monty con los cuales se siente acogido, especialmente con el patriarca ya que a través de este sublima sus carencias afectivas pues el padre de Antonio es un alcohólico que se la pasa golpeándolo por cualquier excusa, motivo también para que este tenga una relación muy estrecha con el padre de Dito.

Desgraciadamente para Monty (Palminteri) los sueños de su hijo van más allá de crecer en el barrio y casarse con alguna hermosa chica del lugar para formar una bonita familia, puesto que Dito (LaBeouf) no se siente a gusto con el ambiente, sin embargo al conocer a otro joven llamado Guiseppe (Adam Scarimbolo) el cual después se convierte en su mejor amigo y  fungirá como detonante para que nuestro protagonista tome la decisión de salirse de su entorno, lo que desencadenarán bastantes sucesos que harán que el rompimiento entre de Dito y su padre sea definitivo, ya que este y su nuevo camarada tiene más ambiciones y buscarán convertirse en músicos por lo que viajarán hasta la ciudad de Los Ángeles para materializar sus sueños.

Como es de esperar Dito (LaBeouf) no solo afectará la relación con su padre si no también la que tenía con Antonio, los cuales al final se sentirán heridos y traicionados cuando el joven los abandone. Ahora un flashforward nos vuelve a mostrar a un  Dito (Downey Jr.) adulto convertido en un famoso escritor que  ha volcado sus vivencias en el libro que pone titulo al film y en el cual trata de buscar redención a través de sus escritos con aquellos a los que se pudieron sentir agraviados por sus decisiones, pero sobre todo y como escribía a un inicio su servidor, el hombre ahora tendrá que enfrentar en persona y después de tantos años a sus Santos y sus Demonios para darse cuenta que la única forma de avanzar en la vida es volver atrás y cerrar las heridas que muchas ocasiones no nos dejan crecer como personas.

Es con esta premisa que el director Dito Montiel nos presenta su opera prima en la cual de forma honesta y a manera de homenaje nos relata las vivencias que tuvo cuando era joven, para también y lo más importante, mostrarnos a las personas que tanto ama y que  indudablemente  lo formaron como persona, es por esto que en muchas ocasiones el personaje de Dito queda relegado como un simple espectador para que los secundarios tomen más relevancia como es el caso del personaje que interpreta de excelente manera Channing Tatum (incluso me hizo olvidar que ha actuado en mierdas como G.I. Joe jajaja) al encarnar a un joven Antonio.

Incluso el espectador podrá percibir que el personaje de Antonio es el más complejo e interesante en su planteamiento, ya que aunque podría parecer el simple joven problemático con traumas y carencias afectivas, el guión hace que este se despoje de meros clichés, para convertir el personaje de Antonio en un simple ser humano.

Como sucede también con la extensa gama de personajes y situaciones que aparecen en la trama, ya que aunque algunos aparecen poco como es el caso de Flori (una excelente Dianne Wiest) la madre de Dito o Monty (un natural Chaz Palminteri), se puede acotar que sus participaciones son relevantes, además de que forman parte vital en el relato y por ende lo enriquecen.

Por tal motivo esta es una cinta sencilla, cargada de emotivos y minuciosos momentos, como por ejemplo el funeral del hermano de Antonio o el grandioso cierre de la misma, donde un Robert  Downey Jr. se reencuentra con un Antonio entrado en años (un magnifico Eric Roberts en un pequeño papel) cuando este lo va a visitar a la cárcel.

Así mismo puedo decir que la narrativa del film y su puesta de escena son correctas, tanto como la recreación y ambientación de la época, por lo que esta cinta se convierte en un producto muy sobrio y hasta clasicista en su aspecto visual. Por tal motivo puedo recomendar Tus Santos y tus Demonios pues creo que sus virtudes recaen en la sencillez de su relato y en unas solventes actuaciones, en las cuales incluso el irritable Shia LaBeouf sale bien librado, todo hay que decirlo gracias a una eficiente dirección de actores por parte del realizador.

Lástima que el siguiente proyecto cinematográfico de Montiel resulto ser un mejunje infumable llamado Fighting (2009), trabajo que sucumbia ante un guión autocomplaciente, pueril y maniqueo plagado de situaciones absurdas que buscaban la lagrima fácil del respetable, caso contrario a la opera prima del director.  Solo espero que el director norteamericano  retome el sendero en su próximo film The Son of No One (2011) el cual por lo menos goza de un reparto multiestelar que incluye a Juliette Binoche, Al Pacino, Ray Liotta y Channing Tatum, ya veremos, ya veremos.

miércoles, 19 de enero de 2011

CINE TERROR: TRES EXTREMOS

TÍTULO ORIGINAL: Saam gaang yi (Three... Extremes) (3 Extremes)
AÑO: 2004 Ver trailer externo
DURACIÓN: 118 min.
PAÍS: Hong Kong, Korea y Japón
DIRECTOR: Fruit Chan, Park Chan-Wook, Takashi Miike
GUIÓN: Lilian Lee, Park Chan-Wook, Haruko Fukushima (Historias: Lilian Lee, Park Chan-Wook, Bun Saikou)
MÚSICA: Kwong Wing Chan, Kôji Endô
FOTOGRAFÍA:Christopher Doyle, Jeong-hun Jeong, Kôichi Kawakami
REPARTO : Bai Ling, Pauline Lau, Tony Leung Ka Fai, Meme Tian, Miriam Yeung Chin Wah, Sum-Yeung Wong, Kam-Mui Fung, Wai-Man Wu, Chak-Man Ho, Miki Yeung, So-Fun Wong, Kai-Piu Yau, Byung-hun Lee, Won-hie Lim, Hye-jeong Kang, Dae-yeon Lee, Gene Woo Park, Mi Mi Lee, Gyu-sik Kim, Jung-ah Yum, Kyoko Hasegawa, Atsuro Watabe, Mai Suzuki, Yuu Suzuki, Mitsuru Akaboshi, Lee Jun Goo
PRODUCTORA: Coproducción Japón / Corea de Sur / Hong Kong
WEB OFICIAL: http://www.threeextremes.com
PREMIOS: 2004. Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor maquillaje
GÉNERO: Terror


Tres Extremos es una interesante cinta de horror proveniente de oriente en la cual tres de los directores más influyentes como Park Chan-Wook (Korea), Takashi Miike (Japón) y Fruit Chan (Hong Kong) hilvanan y unifican de manera eficaz tres historias en donde las perversidades, carencias y anhelos del ser humano son retratadas de forma genial en este aterrorizante film. Básicamente la cinta se divide en tres relatos dirigidos de manera independiente por cada uno de los realizadores mencionados, el primero se llama:

Bola de Masa Hervida (Dumpling) Dirige Fruit Chan.
Este relato nos cuenta la historia de la señora Lee (Pauline Lau), una mujer que se encuentra entrando en sus cuarentas motivo por el cual ya no se siente tan hermosa y atractiva como antes, es por esto que su marido ya no le hace mucho caso y por lo tanto la engaña con mujeres más jóvenes, asi mismo podemos presenciar como este pesar lo reciente mucho más pues en su juventud la mujer era una estrella de televisión juvenil  por lo cual su vida gira en torno a las apariencias físicas.

Es por esto que la señora Lee (Lau) llega a un complejo habitacional de clase obrera en busca de una misteriosa mujer a la cual se le conoce como tía Mei (Ling Bai), la cual dicen tiene el secreto de la eterna juventud. Instantes después la adinerada mujer ingresa al pequeño departamento de la tía Mei, este de primera instancia se percibe visiblemente sucio y descuidado, ahí la misteriosa mujer se entrevista con la señora Lee y le pregunta que necesita, por lo que esta última le explica su problemática, incluso le hace saber que el dinero no es problema pero si quiere saber si su método de verdad funciona.

Acto seguido, Mei le hace saber que la edad que esta aparenta no es la que tiene en realidad (la mujer luce de treinta) y que su secreto es una comida especial la cual la mantiene jovial, después nos enteramos que semejante muestra gastronómica son unas pequeñas bolas de masa hervida que contienen una carne muy singular lo que hace que la persona que las ingiera retrasaré los síntomas del envejecimiento.

El hecho es que Lee acepta y Mei le cocina las mentadas bolitas de masa en una especie de sopa, de primera instancia el platillo causa repulsión a la mujer pues estas son transparentes y visiblemente rosadas en su interior (de hecho un servidor se encontraba comiendo Chococrispis cuando veía el film y de verdad causa asco la susodicha sopa, hasta daban ganas de escupir el delicioso cereal, jajaja).

Conforme avanza la trama el respetable (y la mujer) descubrirán que la carne con la cual se preparan las famosas bolas de masa no es más que carne de fetos humanos, incluso de productos que rozan los seis meses de gestación y que son conseguidos por la tía Mei al comprar de manera clandestina alguno de estos en un hospital de la zona, o en su defecto son btenidos cuando practica abortos clandestinos, como podemos constatar en una de las escenas.  Al final la señora Lee irá descubriendo los extraordinarios resultados que le proporcionan las constantes comidas de la otra mujer, sin embargo todo tiene un costo y el que se tendrá que pagar es bastante alto.

Debo comentar que la historia que nos plantea Fruit Chan es bastante perturbadora y efectiva, gracias a que todo se muestra de forma muy sugerente y con tan solo unos toques de horror a nivel visual, como por ejemplo cuando el presente puede constatar como los pequeños cuerpos humanos son destazados para preparar la comida. Sin embargo lo mas horripilante quiza, sea el discurso que nos quiere dar el realizador hongkones, pues sin lugar a dudas Dumpling es una dura crítica al star system, a esa caja idiota llamada televisor que vende infinidad de sueños pueriles,  y demás artilugios que han creado  las nuevas sociedades para cubrir otro tipo de carencias (como las afectivas o incluso las de credo) donde el valor de las personas se calcula a través de la belleza física y no tanto por sus capacidades intelectivas.

Para finalizar hay que decir que en términos formales este mediometraje cumple tanto por su narración pausada, su excelente fotografía (con tonos verdozos y ocres), montaje y unas actuaciones más que solventes que refuerzan la escalofriante historia, todo a cargo de las dos principales protagonistas.

Corte (Cut) Dirige Park Chan-Wook.
Segundo cuento de terror a cargo de uno de mis realizadores favoritos y creador de la trilogía más alucinante que se haya hecho sobre la venganza, el señor Chan-Wook, que por cierto aun existen rumores de que el blandengue de Steven Spielberg quiere hacer el remake de Old boy y como protagonista quiere a Will Smith (jajajajajajajajajajajajajajajajajajajaja ¡oh Dios! que buen chiste) habiendo dicho esto pasemos a lo que nos ocupa.

La historia abre con una toma que nos muestra a una mujer que se encuentra succionando la sangre del cuello de un hombre, motivo por el cual  el sujeto esta totalmente petrificado, sin reaccionar, instantes después la mujer vampiro contesta su teléfono celular (al parecer es su amante) y comienza a platicarle a la persona que esta al otro lado de la linea telefónica que acaba de cenar (jajaja) pero que ha comenzado a sentirse mal pues probablemente le haya caído mal el aperitivo que acaba de degustar,  por lo que después se hinca y comienza a vomitar por litros infinidad de sangre. A lo lejos se oye una voz que grita ¡corte!, después descubrimos que todo se trata de la filmación de una película.

El director es un hombre llamado Ryo Ji-Ho (Byung-hung Lee), realizador bastante afamado que ha dirigido algunas de las mejores cintas de su país por lo que es muy apreciado tanto a nivel profesional como a nivel personal, ya que la gente que lo conoce y ha trabajado con el comentan que es una excelente persona por su calidad humana.

El hecho es que Ryo (Lee) regresa a su casa después de terminar de grabar la ultima toma de su reciente film, al entrar al lugar es noqueado por otro sujeto para instantes después recobrar el conocimiento y darse cuenta que se encuentra en el set de su película, ahí descubrimos que Ryo se encuentra atado de manos y de la cintura, pero esto no es lo peor, también asistimos que al otro extremo del cuarto yace su esposa suspendida y con sus manos pegadas a un piano.

Instantes después hace su aparición un extraño sujeto (Won-Hee Lim) el cual le hace saber a Ryo que si quiere salvarle los dedos a su amada esposa tendrá que sacar a la luz su verdadera naturaleza, por lo que le propone un enfermizo juego en el cual el director tendrá que hacer algunas confesiones sobre su condición moral como persona, pero por cada una que no convenza al desequilibrado sujeto, este le irá cortando uno a uno los dedos de las manos a la mujer. Y es cuando el espectador se pregunta el por que de estas acciones por parte del misterioso sujeto, la respuesta es simple, el hombre es un resentido social al cual siempre le ha ido mal y siente envidia hacia la gente que tiene más que el, por lo que descarga su furia con su familia (esto lo sabemos cuando confiesa que esa misma mañana asesino a su esposa y golpeo a su hijo).

Pero para sorpresa de Ryo este descubre que el hombre que ahora amenaza la vida de el y la de su esposa ha trabajado con el en todos sus filmes como extra, inclusive el sujeto tiene el descaro de confesarle al realizador que siempre lo trato bien por lo que el director le pregunta el por que de sus actos, a lo que el hombre responde que no soporta que este sea tan bueno, que esto no puede ser verdad pues todos cometemos pecados y que se lo demostrará obligando a nuestro protagonista a asesinar a una inocente niña pues si no lo hace además de mutilarle las manos a su esposa al final la matará. 

Es con este torcido y enfermizo argumento que Park Chan-Wook nos lleva de nuevo a explorar los recovecos más oscuros y perversos del ser humano, gracias al interesante pero a su vez temible planteamiento que se le hace al espectador ¿hasta donde sería uno capaz de llegar por salvar a un ser amado? o peor aun ¿sería uno capaz de quitarle la vida a otro ser humano para salvar la propia?, estas son algunas de las interrogante que nos hace el realizador coreano.

Claro no podían faltar esos exquisitos elementos visuales e intelectivos que hacen del cine de Chan-Wook toda una experiencia sensorial como ninguna, por lo que al contrario de lo planteado por Fruit Chan donde menos es más, aquí Park vuelve a usar la violencia  descarnada y algún toque de gore como elemento narrativo para hacer más crudo el relato, además de que el realizador vuelve a aplicar con solvencia algunas vueltas de tuerca que dejarán al espectador con cara de what fucked happened? (como queda constatado cuando el espectador descubre la verdadera identidad del niño o visiona el escalofriante final con sorpresa incluida, descojonante de verdad) y lo mejor es que estos no se perciben forzados ni facilones.

Por tal motivo Cut es todo un tour de force por parte de su protagonista y del espectador que se atreva a visionar casi cuarenta minutos de torturas psicológicas y físicas que harán de Saw (James Wan, 2004) un juego de niños,  pero lo mejor es que el trabajo del director coreano además de ser un efectivo film de terror, también es un concienzudo estudio sobre como la moral del ser humano puede ser corrompida.

La Caja (Box) Dirige Takashi Miike.
Y por último tenemos el trabajo del director japonés más inclasificable que pueda existir en la actualidad pues igual te dirige un Western, algunas cintas sobre Yakuzas, cintas de terror, drama o adaptaciones del manga mas ultra violento que pueda existir como lo fue Ichi The Killer (2001) motivo para que la basta filmografía del director nipón pueda considerarse muy atractiva para infinidad de cinéfilos que consideran a este como un autor de culto.

La historia que dirige Miike nos cuenta la historia de dos hermanas que trabajan en una carpa con su padre haciendo actos de cortónsionismo en un circo ya que por su esbelta figura las niñas caben en unas pequeñas cajas  que suponen el acto central de estas, ellas son Kyoko (Kyoko Hasegawa) y Yoshii (Atsuro Watabe) quienes cuentan con aproximadamente diez años de edad, sin embargo la relación de estas no es la mejor que uno pudiera pensar pues el padre (Mitsuru Akaboshi) prefiere a  Yoshii ya que esta es más disciplinada en las artes circenses, es por esto que el padre la conciente y recompensa más  que a Kyoko.

Sin embargo esto solo causa resentimiento y tristeza en Kyoko quien en un arranque de cólera provoca la muerte de su hermana cuando esta última ensayaba su acto en la pequeña caja, esto ocurre cuando Kyoko deja encerrada a Yoshii en la caja y  el padre se da cuenta de esto, por lo que comienza a reprender a la primera, empero estos comienzan a forcejear y accidentalemnte se tira una lámpara de gas provocando que el lugar se incendie y Yoshii perezca en el mismo.

Doce años más tarde Kyoko trabaja como escritora para una empresa, pero el recuerdo de la muerte de su hermana Yoshii no la deja en paz, incluso la presencia de esta la persigue además de que sufre de un recurrente sueño en el cual su padre la encierra en una caja y la entierra viva en un paraje desolado. Es por esto que la mujer vive con culpa y trastornada, lo que le ha impedido también poder relacionarse sentimentalmente.

En determinado momento Kyoko siente la necesidad de regresar al lugar donde ocurrieron los fatídicos eventos por lo que tendrá que enfrentar a sus demonios al reencontrarse de nuevo con Yoshii y su padre. Ya de entrada La Caja (Box) podría parecer un film de terror del llamado género yurei, sin embargo el director japonés se aleja de esto y apuesta por una exploración más profunda para sus personajes centrales, todo con el fin de dosificar un poco el horror sobrenatural y llevarlo a un plano más amplio como es el psicológico.

Motivo por el cual y conforme avance la trama el respetable se preguntará si lo que esta presenciando es real o solo es una representación de los temores más profundos de Kyoko, razón también para que el relato sea una constante metáfora sobre las ataduras que puede tener el ser humanoa nivel material o personal, lo que representa indudablemente una falta de crecimiento como ser humano para aquel que padezca esto.

Es por este motivo que el relato de Miike mantiene la atención del respetable, pues este utiliza los saltos temporales para ir desvelando las motivaciones de los personajes centrales de una forma pausada pero inteligente, asi como la aplicación de grandes silencios que incomodan al espectador por lo que el terror estará en la mente de este, motivo por el cual es imposible perder el interés, y al final el realizador remata el relato con un cierre de esos a los que nos tiene acostumbrados.

Ahora bien en el apartado visual La Caja goza del estilo tan peculiar del director nipón, con excelentes atmósferas, una fotografía lúgubre y opresiva, asi como una puesta en escena soberbia (es impecable ese cuadro que nos presenta Miike donde nos muestra un paisaje desolador donde solo existe un árbol y kilómetros de nieve alrededor en el cual la atormentada mujer quiere purgar sus pecados).

Asi que para finalizar debo comentar que Tres Extremos es un proyecto bastante macizo para todos los amantes del buen cine de terror, pues aunque incluye la visión de tres autores diferentes este no se percibe disparejo, ya que logra algo muy difícil, alejarse de los tópicos del cine de horror oriental (¡gracias a Dios!) por lo que este compilado se convierte en un film duro, enfermizo, perverso, pero sobre todo logra su cometido, perturbar al respetable. Por cierto mi segmento favorito sin lugar a dudas fue el de Cut.
 

sábado, 15 de enero de 2011

CINE DE CULTO: OLD BOY

TÍTULO ORIGINAL: Oldeuboi
AÑO: 2003
DURACIÓN:120 min.
PAÍS: Korea
DIRECTOR: Park Chan-wook
GUIÓN Park Chan-wook, Jo-yoon Hwang, Joon-hyung Im (Cómic: Nobuaki Minegishi)
MÚSICA Young-wuk Cho
FOTOGRAFÍA Chung-hoon Chung
REPARTO Min-sik Choi, Ji-tae Yu, Hye-jeong Kang, Dae-han Ji, Dal-su Oh, Byeong-ok Kim, Seung-Shin Lee, Jin-seo Yun
PRODUCTORA: Show East Co. Ltd
PREMIOS 2004: Cannes: Gran Premio del Jurado. 2004: Sitges: Mejor Película
GÉNERO: Thriller. Intriga.



“Ya sea un grano de arena o uno de piedra ambos se hunden igual en el agua”
-Oh Dae-Su

Recuerdo haber visto Old Boy allá por el año 2005 época en la que aun sentía que desconocía mucho sobre el maravilloso mundo del cine, empero siempre había tenido una fascinación por este desde que era un mocoso, motivo por el cual desde que empece a trabajar me dedique a armar mi gran colección de películas, incluso podía gastar hasta unos quinientos pesos cada quincena para hacer más grande mi acervo (claro son ciertas concesiones que uno se da cuando esta soltero y sin hijos, jajaja).

Bueno, el hecho es que el filme de Park Chan-Wook fue una grata sorpresa para un servidor la primera vez que la vio, ya que me sorprendió la efectiva narración y sobre todo la construcción tan eficaz de  personajes y situaciones,  incluso ahora que le he dado otra revisión para ponerla en el blog he descubierto que la cinta no envejece, mejor aun se siguen descubriendo más y más elementos que enriquecen el film por lo que su visionado  es casi obligatorio para aquel que se considere amante del buen cine.

Oh Dae-Su (Min-sik Choi) es un hombre que se encuentra totalmente borracho dentro de una delegación policíaca, horas más tarde y después de causar infinidad de disturbios dentro del lugar, un viejo amigo paga la fianza y logra sacarlo. Instantes después podemos ver como  Dae-Su (Choi) habla de una caseta telefónica con su hija (de la cual nos enteramos es su cumpleaños) sin embargo cuando el hombre le pasa el teléfono a su amigo para que este felicite a su hija descubrimos que el protagonista ha desaparecido.

Pasado el tiempo vemos que Dae-Su se encuentra confinado en un diminuto cuarto donde lo único que hay es una cama, un baño y una televisión, ahí el hombre se pregunta cómo y por qué llego ahí. Asi mismo asistimos que su único contacto con la civilización es el pequeño aparato con pantalla y un extraño hombre que le lleva comida a través de una escotilla con la cual cuenta la puerta del cuarto, pero de ahí en más el presente al igual que Dae-Su no sabe el por que de su encierro.

Obviamente el hombre se siente desesperado, aterrorizado y encabronado, infinidad de preguntas rondan por su cabeza pues no encuentra razones que expliquen lo que le ha ocurrido, pero pasado unos días Dae-Su comienza a resignarse y los días ahora se han convertido en meses y estos a su vez en años, para ser más exactos en quince largos años, tiempo en el que la cordura del hombre comienza a desquebrajarse y los rasgos que hacían de el un hombre también comienzan a desaparecer, haciendo de este una bestia, sin embargo Dae-Su del mismo modo ha decidido ejercitar su cuerpo para mantenerse cuerdo, al tiempo que también escribe sus pensamientos  y  a su vez prepara  su venganza, la cual alimenta a diario con la esperanza de algún día salir. Por otra parte la televisión también lo ayuda a llevar un control del tiempo pues en ella ha visto como el mundo y la civilización ha cambiado.

Pero para sorpresa del propio hombre cierto día es puesto en libertad, pues despierta en la azotea de un edificio ataviado con un elegante traje negro,  momentos después Dae-Su  avista a un sujeto que esta a punto de suicidarse, la reacción de nuestro protagonista es la de acercarse al hombre y detenerlo para después olfatearlo y  tocarlo, pues durante mas de una década el sujeto no había tenido contacto con ningún ser humano. Es por este motivo que esta escena es genial de verdad,  ya que el director logra transmitir como el personaje principal vuelve a sentirse conectado con su entorno y como se refleja su bestialidad.

Ahora Dae-Su tiene más dudas sobre su situación, sin embargo extraños sucesos comenzarán a presentarle a diversos personajes como una chica llamada Mi-Do (Kang) que le ayudará a buscar las pistas de quien y lo más importante, ¿el por qué? le hicieron esto, lo que desembocará en un complejo, violento y sobre todo enfermizo juego de venganza por parte de nuestro protagonista, el cual después descubrirá una dolorosa verdad sobre su pasado y el de un misterioso personaje llamado Woo-jin Lee responsable de todo.

Y hasta aquí puedo contar pues hacer lo contrario echaría a perder las sorpresas que nos depara este inteligente film del maestro Park Chan-Wook, ya que gracias a un inteligente pero sobre todo a una original construcción de guión y de personajes, el realizador nos asesta de nuevo una patada en los huevos, ya que la cinta representa constantemente un duro cuestionamiento moral, social e incluso filosófico al espectador acerca de la condición humana.

Y es que al igual que en Señor Venganza (2002), en Old Boy nada es lo que parece, ya que los personajes que en un inicio son presentados como víctimas, al final pueden percibirse como victimarios o viceversa, para ser más exacto las motivaciones de estos son bastante ambiguas como lo es su moral, sin embargo este aspecto enriquece el relato pues el respetable siempre estará un paso atrás en lo que plantea el director, motivo también para que cada vuelta de tuerca se descubra como un cubetazo de agua fría y lo mejor es que el respetable tendrá que poner de su parte para tratar de resolver este complejo acertijo.

Es por eso que el film camina con fluidez, sin sobresaltos, ¡bueno! solo los que tendrá el espectador cuando divise las aterradoras secuencias las cuales estan cargadas de violencia gráfica,  por ejemplo como cuando Dae-Su encuentra el complejo donde estuvo en cautiverio tantos años y comienza a interrogar al encargado del lugar para que le dé respuestas, como es de esperar este no hablará tan fácilmente, motivo por el cual el protagonista armado solo con un martillo le ira sacando diente por diente al sujeto para que le diga lo que quiere saber, de verdad esta escena es brutal.

O la excelente secuencia donde Dae-Su se despacha a una veintena de malhechores tan solo con el martillo cuando no lo quieren dejar salir del lugar, en esta Chan-Wook demuestra de nueva cuenta que es un maestro para el uso de la cámara, ya que la composición de los planos así como el montaje de los mismo es genial, como también lo son la exquisita música que acompaña a las elegantes y hermosas escenas. 

Claro no podían faltar las excelentes actuaciones de los actores principales para hacer de Old Boy una obra redonda, sobre todo la de  Min-sik Choi  (Dae-Su) quien se entrega en cuerpo y alma a su complejo personaje, el cual sufre, ríe, ama, asesina, se humilla  y al final se redime, de verdad no era fácil convencer al presente cuando el personaje goza de tantos matices pero al final incluso se logra una empatía entre este y el interprete.

Así que de verdad no dejen pasar la oportunidad de revisar Old Boy, pues es una cinta que desde un inicio te atrapa y no te suelta hasta su intenso, crudo, pero sobre todo aterrador final, por tal motivo  el que esto escribe considera que este film es un paso adelante a la mencionada Señor Venganza (2002) ya que es más ambiciosa en fondo y forma, por cierto muy al inicio del film hay un guiño a Luis Buñuel.

 

jueves, 13 de enero de 2011

CINE CUTRE: RESIDENT EVIL 4, LA RESURRECCIÓN

TÍTULO ORIGINAL: Resident Evil: Afterlife (Resident Evil 4)
AÑO: 2010
DURACIÓN: 97 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Paul W.S. Anderson
GUIÓN: Paul W.S. Anderson
MÚSICA: tomandandy
FOTOGRAFÍA: Glen MacPherson
REPARTO : Milla Jovovich, Ali Larter, Wentworth Miller, Spencer Locke, Boris Kodjoe, Kim Coates, Shawn Roberts, Sienna Guillory, Kacey Barnfield, Norman Yeung, Sergio Peris-Mencheta
PRODUCTORA:Coproducción EEUU-Reino Unido-Alemania; Sony Pictures
WEB OFICIAL: http://www.residentevil-movie.com/
GÉNERO: Terror. Acción. Ciencia ficción.



No lo voy a negar tengo la trilogía de Resident Evil en mi anaquel de películas de terror clasificada junto a la obra de Romero y otros títulos donde los muertos vivientes son los protagónicos, sin embargo y siendo conciente que la saga inspirada en el videojuego de la CAPCOM ha sido muy irregular (por no decir mediocre) creo que sin lugar a dudas esta representa un placer culpable para su servidor. Desgraciadamente la última entrega de esta franquicia es la peor de todas (¡maldición la compre para actualizar la colección!), pues carece de un guión mínimamente interesante, personajes bastante tópicos, situaciones absurdas y la apuesta de un director que piensa que somos más imbéciles que un orate al llenar la pantalla de efectos especiales y creer que nos divertiremos solo con este aspecto.

Vamos a ponerlo de este modo la nueva cinta de Paul W.S. Anderson toma lo peor de otras cintas de ciencia ficción, por ejemplo si usted alucino, casi vomito y sintió que le asestaban unas cuantas patadas en los cojones al ver la segunda y tercera entrega de Matrix (Hermanos Wachowski, 2003)  esta no es su película ya que al igual que las mencionadas, la cinta de estos falsos zombies contienen aquellas enormes fallas y excesos del llamado cine postmoderno como es el uso del bullet time a diestra y siniestra, acompañando las dichosas secuencias que pretenden ser acojonantes (¡puf!) con alguna pieza de algun grupo de rock pesado y demás  parafernalia que pueda  brindar un holgado presupuesto (eso si con una bonita fotografia) que nos dan la sensación de estar viendo un maldito videocilp de hora y media de duración, en vez de asistir a un ejercicio meramente cinematográfico.

Y aquí encontramos de nuevo las carencias narrativas y la falta de oficio del director británico, el cual proviene de esa generación del “video juego” y del cada vez más sonrojante canal MTV, motivo por el cual al tratar de contar una historia como mínimo entretenida, no es capaz de hilvanar un relato de manera coherente,   incluso se puede encontrar más imaginación y menos pretensión en los trabajos del siempre controvertido Uwe Boll ya que estos por lo menos contienen ese humor involuntario que tanto los caracterizan (jajaja). Es por este motivo que Resident Evil 4 no cuenta ni con la más mínima emoción en sus viñetas por lo que se percibe como un film frío, estéril y pueril.

Ahora bien, el respetable se preguntará de que va esta épica (jajaja es sarcasmo) pues de nada, de verdad si usted ya vio la primera parte ya no hay necesidad de revisar esta basura, de hecho W.S. Anderson vuelve a reciclar los elementos de las cintas previas en donde Alice (Milla Jovovich) es clonada, reencarnada y asesinada, para posteriormente volver a vivir y continuar su eterna lucha contra la corporación  Umbrella la cual ahora esta liderada por el niño bonito con cara de palo Albert Wesker (Shawn Roberts) una especie de Neo pero con los ojos rojos para verse más maldito (jajaja), quien es una especie del proyecto Alice pero mejorado, o sea que es más rápido e inmune ante los ataques de la heroína y sus secuaces.

Asi mismo podemos presenciar como Alice (Jovovich) emprende la búsqueda de sobrevivientes a través de varios países ya que ha escuchado en la frecuencia de radio una transmisión que indica que hay un lugar donde hay comida y lo mejor, que no hay virus, el paradisíaco lugar tiene el nombre de Arcadia.

 El hecho es que dicho lugar en realidad no existe (después descubrimos que es un barco que se encuentra estacionado en las aguas de la ciudad de Los Ángeles) pero nuestra hermosa protagonista logra encontrarse con Claire (Ali Larter) por lo que ambas deciden regresar a lo que queda de Estados Unidos, específicamente a la ciudad de Los Ángeles donde encuentran a unos cuantos sobrevivientes, todos ellos carne de cañón y con nulas posibilidades de sobrevivir ante magro panorama, ya que encontramos los típicos personajes que rayan en el cliché más corriente como el hombre negro que funge como líder por su rudeza, la nena buenona pero pendejona que te indica a gritos que va a morir a los quince minutos de su presentación, o el tipo repulsivo y egoísta que amedentra al gay en turno y solo ve por si mismo.

Por supuesto no puede faltar el rudo y misterioso hombre que conoce la salida del lugar para evitar la horda de zombies que se aproximan a devorar a tan ejemplar sequito de personajes, encarnado con total rigidez por el modelo convertido en actor Wentworth Miller, mejor conocido como Michael Scofield de la serie Prisión Break y que aquí resulta ser el hermano perdido de Claire, en otra muestra de total y completa estupidez por parte de los guionistas pues en realidad no se explica de donde sale este personaje, pero ¿que importa no? si los efectos harán eyacular a los puberes que presencien el espectáculo.

Por tales motivos los personajes principales no son más que unos peleles al servicio de los mencionados efectos especiales, por lo que no esperen ver ni siquiera  unas decentes actuaciones, solo por mencionar, Milla Jovovich esta correcta en su rol de heroína rompe cráneos y esto por que conoce demasiado el papel que esta interpretando, empero en ocasiones se percibe que se toma a broma la propia película (que otra cosa si no), Ali Larter hace lo mismo y el resto de las actuaciones estan más cercanas a las de  cualquier producción de serie b salida directo a video.

Por otra parte los personajes que deberían trascender (los zombies) en la historia estan totalmente desperdiciados, pues solo son mostrados como un elemento más para adornar un film bastante aburrido, incluso las dos escenas donde se pueden ver a los zombies acechando (las tomas donde vemos a miles de estos seres a fuera del complejo donde se esconden los protagonistas) levanta un poco la pobre cinta, sin embargo Anderson no explora estos elementos y de nuevo pone a su señora (Jovovich) a dar palos a ritmo de ralenti. Es por este motivo que al menos un servidor cuando ya habían transcurrido los primeros veinte minutos comenzaba a sospechar que las cosas no iban a llegar a buen rumbo, por lo que empecé a tener fantasías  en las cuales la Jovovich y Ali Larter me hacían un buen mameluco para ver si con esto se pasaba más rápido el tiempo, y eso que la cinta dura hora y media.

Asi que para no hacer más cansada esta reseña puedo decir que no, de verdad no recomiendo Resident Evil 4 pues es una cinta irritable, no contiene emoción, ni atmósferas opresivas, ni ritmo, ni buen gusto, ni nada que se le pueda rescatar, tampoco es que su servidor quiera ver a Bergman en esto, pero por lo menos existen directores como Neill Marshall que tratan con respeto al espectador realizando productos entretenidos aunque estos sean comerciales. 

Definitivamente comienzo a pensar que gente como Paul W.S. Anderson, Michael Bay o Stephen Summers son el verdadero virus que día a día va matando al cine y peor aún, convierte en zombies a todos aquellos que seguimos consumiendo este tipo de productos que no hacen más que encabronar a sujetos que como un servidor, perdió noventa y siete preciados minutos de su vida viendo semejante bazofia.