miércoles, 27 de abril de 2011

DRAMA: CHAPLIN

TÍTULO ORIGINAL: Chaplin
AÑO: 1992
DURACIÓN: 145 min.
PAÍS: Inglaterra
DIRECTOR: Richard Attenborough
GUIÓN: William Goldman, William Boyd, Bryan Forbes
MÚSICA: John Barry
FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist
REPARTO: Robert Downey Jr., Anthony Hopkins, Dan Aykroyd, Geraldine Chaplin, Kevin Dunn, Milla Jovovich, Kevin Kline, Diane Lane, Penelope Ann Miller, Marisa Tomei, James Woods, David Duchovny, Moira Kelly, Paul Rhys, Bill Paterson, Nancy Travis
PRODUCTORA: Coproducción GB-USA-Francia-Italia
PREMIOS: 1992, 3 Nominaciones al Oscar: Mejor actor (Robert Downey Jr.), bso, dirección artística
1992: 3 nominaciones al Globo de Oro: Mejor actor drama, bso, actriz sec. (geraldine)
1992: BAFTA: Mejor actor (Robert Downey Jr.). 4 nominaciones
GÉNERO Drama.



Una figura esbelta en la cual se dibuja un sombrero de Bombin y un bastón son enmarcadas por una luz externa de un cuarto oscuro, instantes después se enciende la luz de aquel oscuro lugar y un primer plano se encarga de mostrarnos el rostro de nuestro protagonista el cual se refleja en un espejo, ahí el hombre se quita un bigote postizo y  lo guarda con delicadeza en el cajón de su buró,  después, éste comienza a desmaquillarse la cara e inmediatamente el espectador descubre en el sujeto un semblante melancólico que refleja todo menos alegría. Asi conocemos al gran Charles Chaplin (Robert Downey Jr.)

Con esta primera escena se perciben las intenciones del director Richard Attenborough de desmitificar la figura icónica del grandioso Chaplin, pues ya de entrada el primer plano al que hago alusión explora de manera eficiente la psicología del personaje.  Basado en  la autobiografía que el propio Chaplin escribiera, la cinta del director de Gandhi (1982) nos narra varios pasajes de la vida del realizador de origen inglés comenzando por su infancia, mostrándonos a un niño desenvuelto en el ámbito artístico en el cual encontraba una forma de escape a la precaria situación económica por la que pasaba su madre Hannah (Geraldine Chaplin) y los constantes embates de psicosis que sufria ésta.

Sin embargo no fue hasta la edad de 19 años cuando Charles entrara de lleno al mundo del espectáculo cuando su hermano mayor Sydney (Paul Rhys), del cual fue separado durante años cuando estos fueron internados en orfanatos diferentes a causa de la enfermedad mental  de su madre, lo ayudara a entrar al teatro londinense, lugar en el que tomo gran relevancia por su rutina cómica en la cual se caracterizaba como un viejo alcohólico y bohemio, interpretación que le valió una contratación en Hollywood con uno de los primeros directores de comedia Mack Sennett (Dan Aykroyd).

Fue en ese momento donde la magia surgió y nace el personaje del vagabundo, cuando a Charles (Downey Jr.) se le pide que vaya a cambiarse de ropa en el cuarto de utilería para grabar su primera escena, y este descubre un sombrero, los grandes zapatos negros de payaso y el bastón. A partir de ese momento las cosas no volverían a ser igual para Charlie pues gracias a su talento se convertiría en un gran comediante, por lo que después este a través de los años comenzaría a desarrollar sus propios proyectos, escribiendo y dirigiendo, incluso llegaría a fundar junto con su amigo de toda la vida, el actor Douglas Fairbanks (Kevin Kline) la ya desaparecida United Artists. Sin embargo no todo sería opulencia y alegría en la vida del genio, pues los constantes escándalos que provocaban sus matrimonios y rompimientos (se caso cuatro veces), su forma de pensar en contra del régimen capitalista (se le tacho de comunista), la constante persecución política a la que fue expuesto durante más de veinte años por parte de Edgar Hoover (Kevin Dunn) director del FBI y la enfermedad de su madre fueron aspectos que aquejaron al ídolo durante toda su vida. 

Siempre es un tanto difícil de analizar o darle su justa apreciación a cintas que estan basadas en personajes famosos pues ya de entrada nos enfrentamos a ese fenómeno del culto a la figura icónica que representa el sujeto a explorar, por lo que o se tiende a idealizar a este como ha pasado con otros biopics, por ejemplo se me viene a la mente Invictus (Eastwood, 2009) o en el mejor de los casos se crea toda una historia que tome algunos elementos verídicos y otros tantos ficticios para desarrollar un verdadero relato cinematográfico (The Doors de Oliver Stone, 1991 y Nowhere Boy de Sam Taylor, 2009). 

Desgraciadamente el film de Attenborough con todo y que se inclina por la segunda opción (exploración de personajes, relato cinematográfico, etc.) no deja de percibirse como un trabajo autocomplaciente, inclusive su servidor (que  contaba con demasiadas expectativas en esta cinta) encontró un film bastante frío a nivel emocional con todo y que por momentos se exalta la figura del distinguido Chaplin. Y es que los pasajes estan contados con cierta desgana y aunque algunos de estos cuentan con algunos toques de originalidad o misticismo a nivel visual, como por ejemplo cuando el protagonista encuentra la ropa que lo convertiría en el legendario Vagabundo o los contados guiños a ciertas cintas como La Quimera de Oro (1925) y el famoso pasito con los palillos y las salchichas, estos no son suficientes para impregnar todo el largometraje de este entusiasmo.
 
Es por esto que el presente asistirá a una cinta que por momentos se hace larga y lo peor se siente lenta (con todo y que se utilizan los saltos temporales), motivo por el cual aspectos tan atractivos a nivel de exploración psicológica como eran los de escudriñar en los gustos sexuales que Chaplin sentía por las mujeres menores de edad, la relación con su madre o el conflicto político con Hoover se dejan de lado para contarnos un biopic normalito que no propone nada nuevo, y peor aun se pudo transmitir  cualquier tarde por la tele de paga (eso si con una soberbia puesta en escena), pues como bien comento el film de Attenborough solo expone muy por encima las motivaciones que tenía Chaplin (Downey Jr.) para crear su arte (aspecto que queda bastante sobrado si mejor revisamos la obra original) y  desaprovecha  la oportunidad  de contar una  historia más lugubre a nivel  psicológico.

Es por esto que lo que sostiene realmente a la cinta son sin lugar a dudas las solventes interpretaciones del reparto multiestelar encabezado por un joven Robert Downey Jr. (en plena decadencia emocional gracias a la adicción de drogas) que logra mimetizarse con su personaje, motivo por el cual el presente llega a conectarse con el protagonista y ve al propio Chaplin en Downey Jr. no por nada el histrión fue nominado al oscar como mejor actor, desgraciadamente para el (y para el respetable) el ya supervalorado Al Pacino se llevo la tan ansiada estatuilla dorada por la sosa Perfume de Mujer (Martin Brest, 1992) la cual por cierto es un remake de la cinta italiana de 1974 llamada Profumo Di Donna (Dino Risi)  pero esa ya es otra historia.

Eso si la imagineria visual es excelente, pues el film esta rodado como si se tratase de una película de Chaplin, con la utilización de las clásicas transferencias entre escenas, el manejo de la cámara, la iluminación y una fotografía orgánica con una paleta cromática en tonos tierra que le da ese aire de cine clásico al trabajo de  Richard Attenborough, asi como una excelente banda sonora a cargo del ya difunto John Barry, son aspectos a destacar en este irregular proyecto.

Asi que puedo decir que el Chaplin de Richard Attenborough es una cinta mal lograda, pues como explicará el propio realizador en entrevistas posteriores, el estudio no lo dejo realizar el proyecto como el hubiese querido (cosa que se nota en el resultado final), empero para bien o para mal lo único rescatable de esta cinta es el performance que realiza  Downey Jr. pues este papel lo puso en el panorama como interprete solvente.

Para finalizar creo que la mejor forma de homenajear al gran Charles Chaplin es viendo su vasta obra ya que esta sigue gozando de esa frescura y honestidad que solo el sabia dotarla.


lunes, 25 de abril de 2011

CINE DE AUTOR: EL GRAN DICTADOR

TÍTULO ORIGINAL: The Great Dictator
AÑO: 1940
DURACIÓN: 128 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Charles Chaplin
GUIÓN: Charles Chaplin
MÚSICA: Charles Chaplin & Meredith Willson
FOTOGRAFÍA: Rollie Totheroh & Karl Struss (B&W)
REPARTO : Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Henry Daniell, Carter De Haven, Grace Hayle, Maurice Moscovitch, Billy Gilbert
PRODUCTORA: United Artists
PREMIOS : 1940, 5 nominaciones al Oscar: Película, actor (Chaplin), actor sec. (Oakie), bso, guión
GÉNERO: Comedia.



Indudablemente uno de los grandes realizadores y excelente narrador de historias en la cinematografía universal es el señor Charles Chaplin,  hombre que supo plasmar y sublimar a través de su exquisita obra aquellos demonios internos que lo aquejaron durante toda su vida, por tal motivo vislumbrar cualquiera de los filmes del vagabundo con buen corazón es hacer un viaje a los aspectos más  intrínsecos del ser humano, es por esto que los relatos de la extensa filmografía del genio Chaplin son netamente universales.
Es así que El Gran Dictador no pudo llegar en mejor momento (1940, año en el que la segunda guerra mundial se desarrolla y Hitler es el personaje principal de este suceso histórico) pues aunque el propio actor y director inglés ya había realizado su primer filme sonoro con Tiempos Modernos (1938, filme en el cual el autor criticaba los efectos de la recesión y la industrialización), fue con la mencionada sátira contra el nazismo con la cual el personaje del vagabundo  le habla de manera clara y sin concesiones al mundo con un ominoso y mordaz discurso, en donde el respetable puede percibir a un Chaplin comprometido con su entorno en una de las escenas más emblemáticas del filme.
La cinta no podía comenzar de manera más que genial (a nivel visual y narrativo) ya que una larga toma nos muestra las trincheras donde unos soldados repelen el ataque de su enemigo, en segundo plano se vislumbran explosiones y decenas de hombres ataviados con trajes militares que avanzan entre fuego cruzado, instantes después conocemos a nuestro gracioso protagonista, Jewish (Chaplin), un barbero judío convertido en soldado el cual busca a toda costa evitar la confrontación escondiéndose, sin embargo éste siempre es metido en peligro cuando alguno de sus superiores lo obligan a tomar las armas (jajaja, excelente la escena de la granada o la de la neblina para partirse de risa).

Total que descubrimos que Jewish (Chaplin) pertenece a la resistencia que lucha contra el ejercito de Tomania (Alemania de manera ficticia) el cual está comandado por el Dictador Hynkel (Chaplin en doble papel interpretando a Hitler, jajaja), fracción que es vencida por los tomanianos, empero cuando Jewish esta a punto de huir (pues sus compañeros lo han dejado a su suerte) encuentra en su camino a un soldado de alto rango llamado Schultz (Reginald Gardiner) el cual estamal herido, motivo por el cual nuestro protagonista decide ayudarlo a escapar  piloteando una avioneta (escena llena de humor e ingenio, jajaja). Sin embargo el aeroplano queda sin combustible (jajaja) y los dos tripulantes junto con la nave se colapsan al vacio lo que trae como consecuencia que nuestro protagonista pierda la memoria y quede confinado veinte años en un gettho solo para descubrir después que  el mundo esta gobernado por Hynkel (Chaplin) el gran dictador de Tomania.
Empero las cosas no se quedarán asi pues Jewish el barbero comienza a despertar conciecia entre sus compañeros judios que habitan el gettho para exigir sus derechos como personas ante los constantes abusos del pueblo tomanio, mientras en Tomania, Hynk el planea la invasión del único país que queda libre para contar con el control total del mundo, pero este se encuentra con un pequeño inconveniente, el dictador de Bacteria, Napaloni (Jack Oakie) tambien quiere ese pais lo que provoca que estos esten en constantes enfrentamientos (aunque sea a pastelazos, jajajaja) para quedarse con el tan ansiado trozo de tierra. Pero un giro inesperado en la historia cambiara el panorama cuando Jewish sea confundido con Hynkel y este tenga en sus manos el destino del mundo.

Con este argumento el realizador británico desarrolla una satírica cinta que combina el humor más negro con algunas dosis de la comedia más inocente con la finalidad de crear un discurso despojado de maniqueísmos baratos, motivo por el cual uno de los puntos neurálgicos en la cinta es la representación cuasi bufonesca de un Hitler obsesionado con el poder, de ahí que la interpretación de Chaplin como el autonombrado líder alemán sea de vital importancia para trasmitir ese mensaje de intolerancia a la difícil situación que acontecía en el mundo por esos momentos, además de que pone de manifiesto la absurda situación que representaba la maldita guerra, todo a través de excelentes gags y humor físico en los que Chaplin era todo un experto.

Para  la posteridad ha quedado la escena donde Chaplin ataviado con un traje que asemeja un uniforme nazi (en clara interpretación bufonesca de Hitler reitero) comienza a jugar con una pelota con la forma del planeta tierra, jajaja. Así pues es indudable que aunque la cinta camina por los senderos de la comedia más fina, es lógico que el realizador también ha querido hacer énfasis en su discurso pesimista de la cual esta impregnada la historia, motivo por el cual el film no está despojado de aspectos sordidos y ominosos por lo que la inserción de algunas escenas donde se ve a soldados nazis disparándole a judíos tal vez rompan con la inocencia del film.
 
Así mismo como en anteriores filmes, Chaplin hace que los arquetípicos personajes (como el del vagabundo) estén sin embargo llenos de tridimensionalidad y motivaciones, por lo que estos van detonando las acciones que definirán el rumbo de la historia, aunque siempre parezcan de manera azarosa en el siempre bonachón Charlot (Chapiln). Por otra parte, y aquí hay que destacar que el apartado visual es excelente pues al igual que en Tiempos Modernos (1938) la puesta en escena es soberbia, la escenografía majestuosa, la fotografía preciosa y por último el lenguaje plástico y narrativo que impregnan la manera de utilizar la cámara hacen de este film una obra maestra.
Claro que todo lo anterior no funcionaría tan bien si los actores no estuvieran a la altura de las circunstancias, y aquí de nueva cuenta Charles Chaplin vuelve a demostrar que es un solvente director de actores, ya que logra sacar increíbles performances de sus histriones, aunque sin lugar a dudas el respetable recordará para la posteridad a Chaplin encarnando a un torpe e inepto Hitler, escupiendo no se que tantas frases en alemán que harán que el presente llore, pero de la risa, jajajajaja, al ver a tan patético personaje tratando de conquistar al mundo. Y por otro lado el actor/director interpreta por última vez y a manera de despedida  al vagabundo en una actuación netamente melancólica, no sin antes decir todo lo que piensa en la ya famosa escena que cierra el film.
Así que estimado lector no pierda la oportunidad de volver a revisar El Gran Dictador  (así como la filmografía del gran Chaplin) pues puede volver a sorprenderse como le paso a su servidor, al encontrar tan exquisito ejercicio cinematográfico el cual borda por momentos el cine de aventuras, el drama y por supuesto la comedia.
Además de que los hará llorar ya sea de risa o de tristeza pero sin dudas dejará algo en el espectador (cosa que pasa muy pocas veces en la actualidad) pues es indudable que este filme cuenta con infinidad de virtudes, más sin embargo la más palpable es la honestidad en su discurso.

martes, 19 de abril de 2011

CINE DE AUTOR: NEGOCIOS DE FAMILIA

TÍTULO ORIGINAL: Family Business
AÑO:1988
DURACIÓN:116 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Sidney Lumet
GUIÓN: Vincent Patrick (Novela: Vincent Patrick)
MÚSICA: Cy Coleman
FOTOGRAFÍA: Andrzej Bartkowiak
REPARTO: Sean Connery, Dustin Hoffman, Matthew Broderick, Rosana DeSoto, Janet Carroll, Victoria Jackson, Bill McCutcheon, Deborah Rush, Marilyn Cooper, Salem Ludwig, Rex Everhart
PRODUCTORA: Tri-Star Pictures
GÉNERO: Intriga. Comedia negra.





Con el reciente fallecimiento de Sidney Lumet el pasado 9 de abril a los 86 años de edad quisiera iniciar a manera de homenaje el ciclo de grandes directores, comenzando por supuesto con un film del mencionado director norteamericano, tal vez no el mejor en su interesantísima filmografía, pero sin lugar a dudas es indudable que incluso en los proyectos menos afortunados se nota la mano de un verdadero realizador.

Negocios Familiares corresponde al penúltimo periodo creativo en la carrera del director (la década de los 90´s), ya que  en los años 2006 y 2007 Lumet realiza dos solventes cintas, la primera Declárame Culpable en la cual hasta le demuestra al respetable que Vin Diesel sabe actuar cuando se le dirige bien y la segunda, Antes de que el Diablo sepa que estas Muerto, un drama sobre dos hermanos (grandioso Philip Seymour Hoffman y un correcto Ethan Hawke) que rompen todos las reglas tanto éticas como morales para robarle a sus padres desencadenando muerte y desgracia, son sin lugar a dudas una memorable despedida por parte del realizador de Tarde de Perros (1975).

La cinta comienza con una toma continua aérea que nos va mostrando el pintoresco Nueva York de finales de los noventas, con sus icónicos taxis amarillos  y las diversas personas que diariamante circulan y  convergen en tan cosmopolita ciudad, hasta que la secuencia se detiene en el viejo Bronx en el techo de un edificio en donde se nos muestra al filo del estribo, una pila de cenizas. Después, ya en otra escena conocemos a Vito (Dustin Hoffman) un hombre que se encuentra cenando con sus suegros y su mujer, Elaine (Rosana Desoto), ya que se está celebrando el inicio de la pascua, instantes después llega a la festividad Adam (Matthew Broderick), el hijo de Vito el cual se une al banquete.

En dicha reunión Vito (Hoffman) cuestiona a su hijo por que se salió de la Universidad pues al parecer Adam (Broderick) es un joven bastante inteligente, incluso contaba con una beca que pagaba en su totalidad sus estudios, por lo que el vástago contesta que asistir a la universidad no era realmente lo que quería y aclara que se encuentra en una búsqueda interna para saber que rumbo deberá tomar su vida,  empero, de cierto modo su padre (Hoffman)  no ve con buenos ojos dicha situación, pero deja que el joven siga con su decisión.

En otro punto de la ciudad, el respetable asiste el juicio de Jessie (Sean Connery), un pícaro viejo que responde a los cargos de agresión a un policía, el cual ataco en una taberna cuando supuestamente este ultimo insulto a su madre (jajajaja) y por eso tuvo que defender el honor de su progenitora, aunque el acusado (Connery) argumenta que no recuerda bien como ocurrieron los hechos, pues replica que es solo un viejo que fue a tomar unos tragos, jajajaja. Momentos después, el fiscal comienza a sacar los antecedentes penales del buen Jessie y comenta que este tiene un largo historial delictivo, además de que objeta diciendo que dejo bastante dañado al oficial pues este presentaba infinidad de patadas en el rostro (jajajaja) por lo que el acusado solo pone cara de demencia, jajajaja. 

Acto seguido el juez fija la fianza y Jessie (Connery) sale del recinto con una sonrisa pícara , cabe hacer mención que en dicha escena el presente puede notar ese aire de desvergüenza y carisma que le impregna el actor escocés a su personaje, motivo por el cual este logra enganchar con el público desde su primera aparición.

Después nos enteramos que Jessie (Connery) es el padre de Vito (Hoffman), el cual no ve desde hace tiempo ya que el segundo ha estado resentido con este por la amarga y vergonzosa infancia que le hizo pasar su padre, sobretodo cuando lo hacia partícipe de sus robos (jajaja). Sin embargo para Adam (Broderick) su abuelo es casi un héroe, motivo por el cual paga la fianza de este para que pueda salir de prisión (con dinero de Vito, jajaja), empero y sin saberlo este acontecimiento hará que este trío de sujetos disfuncionales vuelvan a convivir cuando el más joven de los tres les proponga a los otros dos un sencillo robo, el cual supuestamente solo consiste en introducir una tarjeta electrónica, entrar, salir y repartirse un millón de dólares, sin violencia, sin sospechas, sin policías. 

Asi pues  ¿qué podría salir mal con este fabuloso plan?, desgraciadamente todo, jajaja. Es con este argumento Sidney Lumet desarrolla una ácida, por momentos emotiva y otras tantas veces dispareja comedia de humor negro que sustenta su  macguffin (como diría el grandioso  Hitchcock) en este supuesto perfecto  robo, el cual sirve solo como pretexto para explorar la defectuosa relación del trío protagónico, los cuales estan cargados de conflictos existenciales  y que son el motor de la cinta.

Desgraciadamente el punto más flojo en el film es sin lugar a dudas un guión que no acaba de cuajar,  ya que por momentos este se percibe cansino y redundante, obviamente el espectador entiende que el punto neurálgico de la historia es la relación de los personajes, pero gran parte del relato se hace demasiado hincapié en este aspecto haciendo que la cinta no camine y se estanque. Es por este motivo que cuando llega el momento de presenciar el tan ansiado robo, este se visiona con algo de apatía, con todo y que este  acontecimiento goza de ritmo y un montaje eficiente, además de que cuenta con la dosis perfecta de mala leche y humor mordaz, sin embargo, de nuevo el flojo guión inserta  una resolución facilona y hasta pueril que le quita credibilidad al mentado robo (la activación de una alarma por parte del personaje de Broderick) por lo que la resolución de este acto se percibe estéril.

Afortunadamente el tercer acto nos tiene preparado un cierre más que digno, pues en este se descubre un film con sabor amargo, más parecido a una tragicomedia, la cual incluso esta cargada de emotividad (el destino de Jessie es bastante pesimista,  pero no podía ser de otra forma pues como bien decía el mismo personaje, "si no estas dispuesto a asumir la condena no cometas el crimen"), pues esta  se aleja de aquel humor campechano del cual estaba impregnado el film en su primera mitad para cerrar de manera eficiente los conflictos de los tres protagonistas.

Ahora bien, puedo decir que en el apartado visual  el film de Lumet cuenta con una eficaz puesta en escena, una correcta fotografía y demás elementos que hacen que esta funcione a nivel sensorial, empero es indudable que donde se nota la mano del director norteamericano es en la dirección de actores, ya que aunque los personajes estan definidos en sus motivaciones, son excepcionales los performances de Sean Connery y Dustin Hoffman quienes se comen la pantalla cuando aparecen a cuadro, ya sea por separado o juntos, obviamente nos encontramos con dos actores que viven una etapa de madurez a nivel interpretativo, por una parte un imponente Connery se encarga de componer al crepuscular ladrón que parece no tener remordimientos pos sus actos y vive la vida al máximo, por otra parte, descubrimos un Hoffman que borda el personaje del hombre común y corriente lleno de preocupaciones, el cual busca llenar los anhelos rotos de su juventud en su hijo Adam (Boderick), el cual por supuesto quiere vivir su vida.

Sidney Lumet (1924-2011)
De Matthew Broderick hay que decir que está varios escalones debajo de estos señores actores, motivo por el cual se le nota hasta incómodo, pues aunque logra cierta química con el ex Bond (que es más virtud del actor irlandés),cuando comparte escena con Hoffman y Connery juntos, este se descubre carente de herramientas para estar a la altura de estos, recordemos que Broderick trataba por ese entonces quitarse la etiqueta de estrella adolescente, ya que había protagonizado la divertida Experto en Diversiones (John Hughes, 1986) y quería lograr lo que había hecho Tom Cruise con su carrera.

Por lo demás puedo decir que Negocios de Familia es una irregular cinta que cuenta con algunos chispazos y buenos momentos que identifican la obra de su autor, como por ejemplo la memorable escena del funeral del cantinero Doheny (Bill McCutcheon) en la cual se percibe ese discurso moral y ético sobre la familia, la camaradería, etc, al igual que el desenlace del personaje de Connery el cual cierra la tesis del film. 

Asi que puedo recomendar este film con la consigna de que no es la mejor obra de su autor, pero sin lugar a dudas refleja ese claro oscuro, asi como las motivaciones de Lumet, autor que nunca se dio por vencido  en ese hostil ambiente llamado Hollywood y que dejo para la posteridad obras tan contundentes como Doce Hombres (1957), Sérpico (1973), Tarde de Perros (1975) y Network (1976) entre otras.




domingo, 17 de abril de 2011

DC UNIVERSE: SUPERMAN IV, EN BUSCA DE LA PAZ

TÍTULO ORIGINAL: Superman IV The Quest for Peace
AÑO: 1987
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Sidney J. Furie
GUIÓN: Lawrence Konner & Mark Rosenthal (Personajes: Joe Shuster, Jerry Siegel) MÚSICA: Alexander Courage, John Williams
FOTOGRAFÍA: Ernest Day
REPARTO: Christopher Reeve, Gene Hackman, Margot Kidder, Jackie Cooper, Marc McClure, Jon Cryer, Sam Wanamaker, Mark Pillow, Mariel Hemingway
PRODUCTORA: Warner Bros Pictures / Cannon Group / Golan-Globus Production
GÉNERO: Ciencia ficción.




Cuando su servidor pensaba que El Hombre de Acero no podía caer aun más bajo después de la sonrojante Superman III (Lester, 1983) claramente estaba equivocado, pues al ver el resultado de la cuarta y última entrega protagonizada por el siempre carismático Chris Reeve encarnando al héroe azul uno se pregunta ¿era realmente necesario hacer esta puta mierda para darnos cuenta que la franquicia creada por Richard Donner ya había muerto con la tercera entrega?, pues al parecer a los productores de la Cannon no les pareció asi y decidieron comprar los derechos cinematográficos del Kriptoniano a unos Saldkind quebrados (jajajaja por ambiciosos), pues entre demandas (Marlon Brando demando a estos por que no querían pagarle el milloncito de dólares que le prometieron por su corta participación, jajaja) y los malos resultados en taquilla de la tercera entrega, estos tuvieron que deshacerse de la franquicia.

El hecho es que la cuarta entrega viene a ser ese último clavo en el ataúd del Superman cinematográfico que sepulto para siempre al superhéroe más famoso del mundo en la pantalla plateada (dejando de lado el reboot de Bryan Singer), con todo y que el bosquejo de la historia no era del todo malo ya que incluso esta cuarta entrega cuenta con algunas interesantes ideas  (la guerra fría y el surgimiento del personaje de Bizarro), además de que quita de tajo el humor camp del film de Lester, motivo por el cual el film de Furie pudo haber sido incluso una mejor y solvente secuela que la que firmo el director inglés cuatro años atrás,  ya que inclusive la Canon hace el esfuerzo de recuperar al elenco original del primer film para darle credibilidad a dicho proyecto.

Pero comencemos,  el que esto escribe recuerda haber visto con emoción (al menos la carátula, jajaja, lo mismo me paso con una cinta apócrifa del Hombre Araña pero esa es otra historia) el film en formato casero (vhs) cuando asistía con regularidad al por ese entonces famoso Videocentro, una morada donde su servilleta visiono varios títulos que lo marcaron, como aquella violenta Nico (Andrew Davis,1988) la cual significo el debut cinematográfico del señor Seagal y por ende se convirtió en otro de mis héroes de acción (jajaja ojala no hubiera dicho esto). Pero bueno ya centrándome en el film de Sydney Furie, desde su arranque comienzan a advertírsele al espectador que las cosas no estarán del todo bien cuando presenciamos unos cutres créditos iniciales que pretenden hacer alusión al film de Donner, aspecto que ya nos indica que presenciaremos una película de serie b, con todo y que se rescata la partitura de John Williams (con algunas variaciones) cosa que se agradece.

Acto seguido,  una escena nos muestra un transbordador ruso que se encuentra realizando labores de mantenimiento en el espacio, intempestivamente  uno de los astronautas es accidentalmente golpeado por una basura espacial y se zafa de la soga que lo mantenía seguro a la embarcación y comienza a alejarse de esta por lo que su muerte es más que segura, pero no se preocupen que una musiquilla de fondo (tan tan tan tan tan, tan tan tan) nos pone en aviso que Superman (Reeve) está cerca. Y así sucede el héroe salva al hombre y lo lleva de vuelta a su nave, obviamente este le da las gracias (en ruso por supuesto) y el kriptoniano se aleja del lugar no sin antes despedirse en ruso también (faltaba más, es Superman).

Ya en la tierra, en una escuela una maestra mira junto a sus alumnos las lamentables noticias que informan que el Presidente de Los Estados Unidos ha decidido unirse a los países que han de abastecerse de armas nucleares como es el caso de Rusia, motivo por el cual es inminente que una tercera guerra mundial se produzca (este aspecto solo se puede inferir por parte del espectador pues el guión no se toma la molestia de explicarlo). Por tal motivo la mujer que esta frente a su clase aconseja a sus alumnos que en muestra de inconformidad, cada uno escriba una carta al senado norteamericano, sin embargo un chico de la clase tiene una idea mejor mandarle la carta a Superman (Reeve) para que este de algún modo resuelva el conflicto mundial.

Por otra parte nuestro héroe se presenta a trabajar al ya mítico Diario El Planeta junto a Lois (Margot Kidder), claro bajo su alter ego del bonachón de Clark Kent (Reeve) y se entera de que un empresario llamado David Warfiel (Sam Wanamaker) con ansias de poder y su hija Lacy (Mariel Hemingway) han comprado la mayoría de las acciones del Planeta para convertirlo en un periódico amarillista, pues consideran que este rubro les dejará grandes ganancias económicas, motivo por el cual el duro e incorruptible Perry White (breve aparición de Jackie Cooper) decide marcharse del lugar ya que no esta de acuerdo.

Empero esto no es lo peor que sucede en la gran Metrópolis y en el mundo, ya que el verdadero reto para el kriptoniano (aparte de la amenaza nuclear) será el de volver a enfrentar a su archienemigo Lex Luthor (el siempre genial Gene Hackman)  el cual ha escapado de prisión con la ayuda de su inepto sobrino Leny (Jon Cryer), todo con la firme convicción de vengarse del superhéroe para eliminarlo por siempre y de paso ganarse unos cuantos millones de dólares al entrar al negocio de las armas nucleares, ¿pero como va a lograrlo? pues Luthor  crea genéticamente (con un cabello de Superman que se encontraba exhibido en un museo) un supervillano con poderes similares a los de Kal-El, un afeminado (jajajaja es en serio) y nada imponente ser llamado Nuclear Man (Mark Pillow) el único supervillano capaz de  hacerse base y luces en el cabello y manicure, que miedo ¿no?

Ahora bien leyendo el planteamiento argumental uno puede inferir que este no suena tan mal (dejando de lado al horripilante villano que significa Nuclear Man por supuesto) al menos en el papel, pues  los tres nudos argumentales (la amenaza nuclear, la corrupción del Diario El Planeta y la reaparición de Lex Luthor) en verdad daban para realizar una buena cinta con tintes bastante ominosos, por lo que el film pudo haber sido casi una épica, sin embargo una mala dirección y lo peor, recortes presupuestales (la Canon de nuevo se encontró en problemas económicos) hicieron que la cinta del director  Del Ente (1982)fuera mutilada casi en un tercio de su totalidad (de ahí sus escasos noventa minutos), provocando que el film se perciba sin pies ni cabeza, razón para que esta parezca no tener un hilo conductor, encontrando en ella enormes boquetes argumentales que hacen de este film una espantosa e infantilizada cinta de serie b marca registrada de la compañía que lanzara al estrellato a personajes como Chuck Norris o Jean Claude Van Damme.

Por ejemplo, las peleas entre el afeminado Nuclear Man (Pillow) y Superman (Reeve) lejos de generar emoción o peligro (cosa que Donner logro en la segunda entrega) se aprecian más como una mala broma, casi como una parodia de la original ya que las coreografías son horribles y lentas. Pero esto no es lo peor, aquí se han incorporado nuevos poderes en Superman (Revee) como el de la visión de albañilería (jajajaja, se los juro no es broma) el cual podemos presenciar cuando Nuclear Man destruye parte de la muralla china en un acto de terrorismo, en verdad este pasaje es sumamente vergonzoso.

O las incongruencias que rebasan cualquier regla física, como cuando el villano se lleva al espacio exterior  a Lacy (Hemingay) la hija del dueño del Planeta, por que se enamoro de ella cual Frankenstein de tercera, y el respetable ve con pena como la muer respira sin ningun problema desde el espacio, jajajaja . Ahora bien, de los efectos especiales mejor ni hablar, estos son los peores de toda la saga, los vuelos que realiza Superman se pueden notar un fundido bastante chafa entre la pantalla y el personaje, o ya de plano como es en el caso de la batalla en la Luna,  el fondo es un gran telón negro que asemeja el espacio.

Por otra parte el supuesto romance que se nos quiere vender entre Clark (Reeve)Lacy (Hemingway) se siente forzado, metido con calzador (así como muchas de las escenas de vuelo entre Lois y Superman), percibiéndose solo como relleno, como es el caso del personaje que interpreta Mariel Hemingway, ya que este tiene nulo desarrollo en sus motivaciones. Así mismo, es una pena que Gene Hackman este tan desaprovechado, al igual que sucede con Margot Kidder, los cuales estan solo ahí para darle legitimidad a un proyecto que por propios recursos no los tiene, pues estos solo son presentados como meras caricaturas y se deja a criterio del espectador que actuaran como en anteriores entregas. Y mejor ni hablar de Jon Cryer como el sidekick en turno, este no causa la menor gracia.

Sin embargo hay que reconocer que tanto Hackman, Kidder, al igual que el propio Christopher Reeve demuestran oficio en sus performance, por lo que al menos en este aspecto el film se salva de la quema total, empero no es suficiente para sacar a flote este despropósito cinematográfico, por lo que esto me lleva a pensar que es una verdadera lástima que haya terminado con este proyecto la interpretación de Reeve como el héroe azuloso, pues incluso en esta mierda fílmica, el actor vuelve a demostrar que era el Superman por excelencia.

Así que es una lástima que el último vuelo de Superman en la pantalla grande haya terminado de este modo, inclusive el material adicional con el que cuenta el dvd resulta más interesante que el propio producto final, pues nos da una idea de lo que pudo ser, por ejemplo ver a Superman entrando a la Plaza Roja se antojaba inquietante e incluso políticamente incorrecto por el momento histórico por el que pasaba el mundo en la época en que se filmó la cinta. Así mismo, se notan ciertos vestigios de lo que pudo ser la versión cinematográfica del personaje de Bizarro, ya que al menos el peaje muestra como Luthor (Hackman) realiza su primera prueba para crear a su supervillano, obviamente el primer Nuclear Man sale defectuoso y torpe, empero logra meter en problemas al superhéroe kriptoniano en algunos enfrentamientos, además de que está despojado de tan ridículo diseño como es el traje dorado, las uñas largas y el pelo con rayitos rubios (guaaaahhhrr, lo siento solo recordar a semejante personaje hace que su servidor se sonroje).

Para finalizar hay que decir que Superman IV, En Busca de la Paz es un proyecto fallido (que se podía esperar si lo realizo la Canon, jajaja) que cuenta con algunos chispazos de buenas intenciones, pues incluso el aspecto visual del mismo esta más cercano a ser un comic en movimiento, así como su premisa argumental la cual hace referencia a un momento histórico muy específico e irrepetible. Sin embargo como comentaba, la ineptitud e inocencia de sus realizadores hicieron de esta, una broma de mal gusto. 

Así que solo puedo recomendar ver este Superman para fans incondicionales y completistas de la saga cinematográfica, pues como su servidor, encontraran esta solo como un placer culpable de geek, los demás absténganse pues podrían sufrir algún daño a nivel emocional o cerebral (jajajaja) y esto no es broma.  

martes, 12 de abril de 2011

CINE TERROR: ESCUPO SOBRE TU TUMBA (2010)

TÍTULO ORIGINAL: I Spit on Your Grave
AÑO:2010
DURACIÓN: 107 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Steven R. Monroe
GUIÓN: Stuart Morse (Remake: Meir Zarchi)
MÚSICA: Corey A. Jackson
FOTOGRAFÍA: Neil Lisk
REPARTO: Sarah Butler, Chad Lindberg, Daniel Franzese, Tracey Walter, Rodney Eastman, Jeff Branson, Mollie Milligan, Saxon Sharbino, Amber Dawn Landrum
PRODUCTORA: Cinetel Films / Anchor Bay Entertainment
GÉNERO: Terror.Remake.




¡¡¡Perdón!!! ¡¡¡Perdón!!! Discúlpame…
-sheriff Storch
Con el perdón no basta.
-Jennifer
¡Maldita perra! ¡Nos veremos en el infierno y ahí te volveré a violar!
-sheriff Storch

Acto seguido la escopeta que tenía incrustada el sheriff en el ano hace  un disparo destrozando su rostro y todo termina. Afuera de la cabaña, la mujer casi en estado catatónico dibuja una leve sonrisa que transmite cierta satisfacción.
 

Para ser sincero tenía ganas de ver este remake basado en la obra de 1978, y debo decir que no me decepciono tomando en cuenta que dicho film toma solo el endeble argumento de la original para reinventarse como una solvente cinta de terror con buenos toques de gore y un discurso extremadamente fascista como maniqueo, pero que sin lugar a dudas será  la delicia para aquellos amantes del subgénero cinematográfico conocido simplemente como el rape & vengance, ya que por lo menos el film de Steven Monroe se atreve a  mostrar una violencia cruda y sin conseciones al espectador, con todo y  que  el discurso pueda percibirse  como comentaba anteriormente, esteril.

Pero bueno, la cinta del debutante director norteamericano no pretende ser Mártires (Pascal Laugier, 2008) ni mucho menos La Película Serbia (Srdjan Spasojevic, 2010) por lo que contextualizándola en su justo lugar esta funciona. Ahora bien esta nueva versión al igual que el film de Meir Zarchi, toma como excusa la incursión del personaje femenino llamado Jennifer Hills (interpretado de manera más que correcta por Sarah Butler) en una aislada comunidad rural de los Estados Unidos, para detonar toda la violencia, vejaciones y demás maltratos físicos (incluyendo las ya tan famosas violaciones sexuales) tanto como 0psicológicos a manos de cinco individuos que ven en la mujer una forma de satisfacer sus carencias emocionales, sexuales e incluso de género, pues el motivo para violar a Jennifer (Butler) es por que ésta es originaria de la gran ciudad y viene a reflejarles que estos son sin lugar a dudas esa basura blanca de la cual adolece la sociedad norteamericana.

Sin embargo el film de Monroe cuenta con un guión mejor construido que le da un barniz de frescura al relato y por ende a la fluidez narrativa, lo que provoca que el filme contenga más dosis de tensión (por si no bastará con las violaciones, jajaja) y este de algún modo se da con  la incursión de un nuevo personaje que no existía en la versión original, el del sheriff Storch (Andrew Howard) el cual se convierte en un punto de inflexión en el pavoroso relato, ya que este representa a las instituciones que deberían velar por el bien de los ciudadanos y al final se convierte en el mandamás y ejecutor de los terribles hechos.

Asi  mismo cabe resaltar que el tercer acto final que corresponde a la venganza de la mujer, es quiza el más eficaz y también sin temor a equivocarme, el punto neurálgico del film, pues aquí el diseño de las muertes y/o castigos que les proporciona Jennifer a su victimas son más crueles, más gráficas y por ende más dolorosas, lo que sin lugar a dudas representa esa catarsis emocional por parte del personaje femenino y por ende del espectador que gracias al planteamiento de la historia, siente total empatía por la protagonista, por ende este se convierte a su vez  en un cómplice que disfruta de algún modo el proceder de Jennifer Hills.

Por tal motivo quedarán para el recuerdo escenas tan brutales como las del ajustamiento del sheriff, al cual literalmente le vuelan la cabeza por el culo, o peor aún la amputación de un pene  a uno de los abusadores, el cual representaba sin lugar a dudas el momento cumbre en el film original y dejaba claro las verdaderas intenciones de aquel. Asi mismo hay que resaltar que a nivel plástico el film cuenta con buena factura, su fotografía es de los aspectos más notables del film, la puesta en escena es correcta, los encuadres y manejo de cámara también, incluso uno de los aspectos de los cuales siempre adolecen este tipo de cintas como son las actuaciones, aquí se finiquitan de forma solvente desde la protagonista hasta el resto del casting.

Es por esto que la historia se percibe creíble en todo su desarrollo (obviando ciertos aspectos narrativos como los del celular y algunas malas decisiones por parte de la protagonista), pues literalmente Sarah Butler carga con la cinta en sus hombros interpretando el difícil papel de victima y victimaria sin caer en la sobreactuación, asi como sucede con el grupo de abusadores, los cuales componen a verdaderos seres humanos, abominables si, pero a final de cuentas humanos. Aunque sin lugar a dudas el personaje del sheriff que hace Andrew Howard es quiza el más perturbador, gracias al perfil de su personaje (no lo revelare, pero pone sobre la mesa la doble moral que mucha gente aplica en su vidas) y el buen quehacer del actor .

En términos generales Escupo sobre tu tumba es una buena cinta de horror moderno, de esas  que  de verdad logran incomodar al respetable como también lo hicieran títulos como Las Colinas tienen ojos (Ajá, 2006) o Silencio en el Lago (James Watkins, 2008) por mencionar algunas, cinta que al igual que las aludidas con anterioridad cuenta también con buena factura  en su realización, empero esta no logra quitarse de encima aquel gran vestigio histórico que significo el film original por lo que uno se pregunta si de verdad era necesario este remake, pues analizándolo  en términos indiscutibles la cinta de Steven Monroe es la antitesis total del movimiento explotation.

De cualquier manera puedo recomendar Escupo Sobre tu Tumba (2010) para todos aquellos que disfruten de pasar un mal rato (como su servidor), no sin antes advertirles que si de verdad quieren sentir la experiencia grindhouse mejor vean la original, pues representa un microuniverso contenido en su propio tiempo.

El film nos cuenta la historia de Jennifer Hills (Sarah Butler), una chica de ciudad que alquila una aislada cabaña en la montaña para escribir su última novela. Una terrorífica tarde, un grupo de hombres del lugar asalta la cabaña y la violan en varias ocasiones para después intentar matarla y asi cubrir el crimen, sin embargo Jennifer sobrevive, y consumida por el odio y el dolor tramará su venganza, devolviéndoles el favor a los sujetos de una manera que nunca llegarán a imaginar.



viernes, 8 de abril de 2011

NEO GRINDHOUSE: INFIERNO AL VOLANTE

TÍTULO ORIGINAL: Drive Angry 3D
AÑO: 2011
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Patrick Lussier
GUIÓN: Todd Farmer, Patrick Lussier
MÚSICA: Michael Wandmacher
FOTOGRAFÍA: Brian Pearson
REPARTO: Nicolas Cage, Amber Heard, William Fichtner, Billy Burke, David Morse, Katy Mixon, Christa Campbell, Charlotte Ross, Nick Gomez
PRODUCTORA: Summit Entertainment / Millennium Films / Nu Image Films / Nu Image
WEB OFICIAL: http://www.driveangry3d.com/
GÉNERO: Thriller. Explotation.



Para concluir con esta tanda doble o sesión de matinée dedicada al nuevo héroe de acción cutre (el respetable Nicolas Cage), que mejor que cerrarla con esta bien intencionada cinta llamada Infierno al Volante, acertado titulillo  que le da ese aire grindhousesco a la producción de Patrick Lussier (Sangriento San Valentín 3D, 2008) la cual rinde tributo (que otra cosa si no) a ese viejo y desdeñable subgénero cinematográfico surgido en los años setentas llamado explotation y que ahora en pleno siglo XXI ha sido revalorado por sus complementos tanto  ideológico,  culturales, narrativos y plásticos.

Es por esto que la cinta protagonizada por el ángel enamorado de Cage hizo recordar y añorar aquellos viejos tiempos en donde uno podía disfrutar de dos cintas por el precio de una entrada, con las maratónicas dobles funciones que proveían al respetable de asientos duros y suelos pegostiosos (siempre quise pensar que era solo refresco de cola tirado en el mismo, jajaja) que le dejaban el trasero dormido al presente, aspecto que se pasaba por alto cuando uno salía feliz como un enano al presenciar majestuoso espectáculo en verdaderas y enormes pantallas con las que contaban los cines en aquella época, todavía recuerdo que aquel año de 1989 mis padres me llevaron a ver Karate Kid III (Avildsen, 1989) y al terminar esta, comenzó la genial, emocionante, divertida y para el que esto escribe la mejor parte de la saga de Indiana Jones, La Última Cruzada (Spielberg, 1989) con unos portentosos Harrison Ford y Sean Connery venciendo nazis.

Pero bueno creo que ya me desvié del tema (además de que me siento algo viejo al contar esto, jajaja), el hecho es que Infierno al Volante ya desde su arranque promete un espectáculo lleno de sangre, sexo y mucha violencia para divertirnos durante hora y media (cosa que solo se cumple parcialmente), esto lo descubrimos cuando somos testigos de cómo  Milton (Cage) escapa del infierno conduciendo su veloz Buick rojo hasta llegar a la tierra (what the fuck?!!). Por si el respetable se cuestiona como suceden estos acontecimientos solo les puedo decir, ¡que carajo importa! Nicolas Cage maneja su clásico auto a toda velocidad para comenzar a regar cadáveres por algunos condados de Texas, jajaja.

Y es que a los cinco minutos de comenzada la cinta el protagónico emprende una persecución contra unos tipos que manejan a toda velocidad una camioneta tratando de escapar del misterioso hombre, el cual se encuentra ataviado con ropajes negros y gafas del mismo color como si de  Johnny Cash se tratase, solo que aquí Cage trae una larga peluca rubia (sin rizos cosa que se agradece, jajaja) y no comparte la ideología del “Hombre de negro”, ya que Milton quiere venganza.

Acto seguido, Milton se despacha a los malos disparándoles con su larga escopeta (a uno le vuela la mano completa de un plomazo por lo que esta secuencia muestra como la extremidad cercenada sale de la pantalla en un chafa pero efectivo 3D, jajaja), total que el misterioso hombre deja vivo solo a uno de los malandrines para que le avise a su jefe que ha regresado.

Obviamente el respetable no sabe lo que esta pasando, pero el bizarro argumento no tarda mucho en desvelarnos que Milton (Cage) ha regresado de la muerte con el único fin de rescatar a su nieta (una recién nacida) de las manos de un loco llamado Jonah King (Billy Burke),  líder de un clan satánico que planea llevar a cabo una especie de rito cuando la luna llena se ponga en los dos días siguientes y entregar a la infante como ofrenda para lograr la inmortalidad (o algo asi, jajaja). Es por este motivo que Milton deberá salvar al bebe de tan fatídico final pues este representa el último vestigio que le recuerda a su hija muerte quien pereció a manos de King.

Sin embargo la misión de nuestro antihéroe no será tan sencilla con todo y que encuentra la ayuda de una atractiva camarera llamada Piper (Amber Heard) quien cuenta con un potente Dodge changer en color negro que servirá para dar alcance a los malos de la función, pues la mano derecha del mismísimo Belcebú mandará a la tierra al Contador (un genial William Fichtner) para que haga volver a Milton, por lo que este respirará la nuca de nuestro protagonista siguiendo a cada paso su paradero.

Como puede leer el respetable el extravagante planteamiento del guión puede resultar excesivo y hasta fuera de contexto para estos tiempos políticamente correctos, sin embargo este representa a su vez una de las parciales virtudes del film de Lussier quien por momentos parece que va echar toda la carne al asador, pero luego parece arrepentirse (o los productores sintieron frió al llenar la pantalla de sexo y violencia gratuita) pues por cada secuencia memorable como la del motel, por ejemplo, donde somos testigos de cómo el personaje que interpreta Cage se encuentra follando a una rubia, la cual se encuentra completamente desnuda, con los senos al aire y gritando como loca ante tan placentero acto. Debo decir que esta escena es lo mejor del film, pues el bueno de Nic Cage se folla a la mujer con lentes oscuros, fumándose un puro,  sin quitarse la ropa y con cara de no siento nada (jajaja).

Pero eso no es todo, pues mientras Milton sigue con el mete saca (de hecho la rubia hace todo el trabajo, jajaja) momentos después irrumpen en el cuarto unos malandrines para eliminar al hombre de negro, por lo que este desenfunda sus armas (sin sacar la otra de la mujer, jajaja) y se despacha a los rufianes que querían acabar con él, claro hay que hacer la pequeña observación que el hombre se mueve y rueda por el cuarto sin sacar su miembro de la mujer mientras esta grita, pero ahora de terror ante los acontecimientos, jajaja, de verdad esta secuencia es delirante y contiene ese espíritu de cinta explotation 100 %.

Asi mismo debo reconocer que el insulso desarrollo de personajes ayuda a creernos esta nueva versión de cine grindhouse, pues por una parte el personaje de Milton (Cage) con todo y que es un arquetipo se percibe creíble en este universo, incluso aquí si funciona la incapacidad interpretativa del señor Nic Cage quien escupe de manera efectiva los jocosos diálogos que dicta el guión. Por otra parte la hermosa Amber Heard encaja perfecto como apoyo como la bella y ruda chica que ayuda al protagónico a cumplir la misión, además  de que  enseña sus atributos físicos.

Es por esto que incluso el villano goza de ese aire de perversidad pero a su vez también cuenta con algo de chapucero, aspecto que lo hace algo blandengue pero no por eso echa a perder la función, pero sin lugar a dudas el personaje del Contador que interpreta William Fichtner es quien se roba cada escena en la que aparece (hasta el fondo musical mamón que le ponen ayuda a sus apariciones, jajaja) pues el actor logra dotar al personaje de misterio, gracias a una muy particular interpretación que hace pensar al presente si de verdad Fichtner esta actuando o se la esta pasando pipa en esta producción.

Ahora como aspectos un tanto negativos puedo comentar que  la cinta pierde algo de ritmo cuando se pasa a escenas de cierta introspección entre los personajes, motivo por el cual estas contienen más diálogos (la verdad nada importantes)  y hacen pesado el visionado de la misma. Por otra parte la planificación y montaje de las secuencias de acción son algo disparejos, lo que provoca que el film no tenga un equilibrio, por ejemplo el clímax final por momentos se percibe algo excedido en tiempo aunque cuenta con algunos detalles de humor negro que la hacen soportable (que Milton le caiga encima a varios malazos con su auto se agradece, jajaja) pero por otra parte  la persecución  intermedia de los protagónicos a bordo del potente Dodge challenger y el camper, parece estar filmada con tal desgana que no logra emocionar, es por esto que en ocasiones el film se percibe como cualquier cinta de acción genérica con algunos destellos de mal sana violencia.

Sin embargo creo que el film de Patrick Lussier no es tan malo y cuenta con buenas ideas no del todo bien ejecutadas, pero se agradece que el film por lo menos se perciba honesto y sin más pretensiones que las de divertir a un público ávido de violencia, sexo y un poco de gore desenfadado, por lo que Infierno al Volante podría llegar a convertirse en esas peliculillas que son tan malas que son buenas, jajajaja. Además de que viene a sumarse a esa estela de películas posmodernistas que buscan revisionar un cine que murió hace mucho por ser producto de su tiempo, sin embargo también y como comentaba en un inicio, ese cutre cine de explotation con todo y  sus enormes fallas contaba con ese encanto que tal vez destilaba ingenuidad, pero muy en el fondo existía un reflejo fehaciente de aspectos culturales, políticos y sociales, no por nada se sigue tratando de revisionar este subgénero. 

Para finalizar solo me queda recomendar Infierno al Volante como un sano divertimento sin pretensiones, asi que no se la tomen demasiado en serio. Después de todo que se puede esperar de un film que ya de entrada en su afiche promocional nos muestra a una hermosa mujer mostrando sus atributos físicos dentro de un auto y dejando al protagónico en un segundo plano, la verdad este no engaña a nadie.


jueves, 7 de abril de 2011

CINE CUTRE: EN TIEMPO DE BRUJAS

TÍTULO ORIGINAL: Season of the Witch
AÑO: 2011
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Dominic Sena
GUIÓN: Bragi F. Schut
MÚSICA Atli Örvarsson
FOTOGRAFÍA: Amir M. Mokri
REPARTO: Nicolas Cage, Ron Perlman, Stephen raham, Claire Foy, Stephen Campbell Moore, Robert Sheehan
PRODUCTORA: Rogue / Atlas Entertainment
WEB OFICIAL: http://seasonofthewitchthemovie.com/
GÉNERO: Fantástico. Terror.





Bueno ahora toca el turno de revisar uno de los últimos trabajos del señor Nicolas Cage, histrión que muchas veces provoca en un servidor algo asi como aversión por su forma tan particular de sobreactuar o ser el mismo frente a pantalla (no se que pensar ya, jajaja),  de hecho la última cinta donde encontré  notable el performance de nuestro calvo amigo con sonrisa colgate fue la nueva versión de Bad Lieutenant (2009)  y eso por que la dirigía Herzog, (Kick Ass no cuenta pues no es protagónico aunque lo hace bien). El hecho es que Cage parece estar empeñado en quitarle el trono a Steven Seagal como actor icónico cutre (jajaja) pues cada nuevo proyecto que filma es un bodrio infumable, haciendo que el buen Nic vaya en camino a convertirse en el nuevo Rey Midas de la serie b mas casposa que pueda existir (jajaja) .

La muestra incuestionable de lo que acabo de mencionar es sin dudas esta pueril cinta llamada En Tiempo de Brujas, dirigida por el impersonal Dominic Sena, la cual nos transporta al siglo XIV en plena epoca de la Santa Inquisición solo para presenciar en su apertura, como tres mujeres son condenadas  por un sacerdote a la horca por supuestos actos de brujería, como podrá inferir el respetable las mujeres gritan por sus vidas y confiesan sus crímenes para ser exoneras de tan cruel castigo.
 
Obviamente el curita perdona a una de ellas cuando se arrepiente pero inevitablemente la mandan a la muerte, pues este sostiene que su cuerpo ha sido perdonado pero su alma no (que hijo de puta), el hecho es que otra de las damas le advierte al padre que pagará por lo que esta haciendo (en esos momentos el respetable descubre que esta si es una bruja de verdad por la mirada demoníaca que le ponen, jajaja). Acto seguido las tres mujeres son colgadas por lo que se ha cumplido la palabra del Señor (¡pufff!), empero  para sorpresa del presbítero y cuando esta por darles santa sepultura a los cuerpos corrompidos de estas pobres cristianas (es sarcasmo eh) la mujer que lo había amenazado revive y se carga al asustado hombrecillo, claro todo hay que decirlo,  a la dama le salen uñas largas, se le pone el rostro y ojos demoníacos, además de que comienza a hacer sonidos guturales que hacen que uno se cague de risa (perdón de miedo) todo para convencernos de que de verdad se trata de una bruja (hay guey el miedo invade todo mi ser, jajaja).

Instantes después la escena se corta y ahora nos encontramos unos años más tarde mientras una toma general nos sitúa en un enorme desierto en donde esta a punto de comenzar una batalla entre el ejercito comandado por La Iglesia Católica (los buenos obviamente) y los impuros que no creen en Dios (los malos).  Ahí conocemos a nuestros dos héroes, unos caballeros llamados Behmen (Cage con una ridicula peluca rubia y con risos ¡noooo!) y Nelson (Ron Perlman ganándose la vida para seguir comiendo hasta que se realice Hellboy III) quienes defienden el bando de Dios (jajaja), estos son los caballeros más efectivos y rudos que hay, esto lo podemos constatar con la larga y por momentos trivial secuencia que nos presenta al par de personajes luchando y rompiendo cráneos (para desgracia del respetable con ausencia de sangre) a través de varios años, bajo la lluvia, en la nieve y demás intemperies climáticas (todo hay que decirlo adornado de una horrible fotografía que se percibe más como un fondo de video juego que un verdadero recurso atmosférico) esto con el fin de que el respetable descubra un poco la psicología de los personajes centrales.

El hecho es que en el último enfrentamiento los cruzados llegan a un pueblo y masacran a todos los presentes, empero Behmen (Cage) se da cuenta de que estos ni siquiera estaban armados cuando atraviesa a una mujer con su espada (esta escena es impagable pues Nic Cage pone su cara de retasado para tratar de transmitirnos el dolor que le invade tan pavoroso descubrimiento), razón por la que este le reclama al hombre al mando y decide abandonar el ejercito por tan atroces acontecimientos cometidos, obviamente Nelson (Perlman) decide irse con el en un acto de solidadridad y justicia moral, por lo que ahora el par de valientes hombres son fugitivos de la Iglesia por haber desertado.

Total que Behmen y Nelson llegan a un puto pueblo del cual desconozco su nombre (su servidor comenzaba a cabecear de sueño ante tan soso espectáculo) con el fin de proveerse de víveres, pero al llegar al lugar este se encuentra agonizante por la peste que azota a toda la región, es por esto que los caballeros solo quieren comprar unos caballos y salir de inmediato, sin embargo y para desgracia de estos  un accidente (un niño descubre la espada de Behmen con el símbolo del ejercito Católico)  los pone es descubierto y por ende son aprehendidos por la policia del pueblo, la cual esta al mando del cura del lugar.

Como podrán suponer el castigo por abandonar el ejercito es la muerte, sin embargo como el prestigio de nuestros héroes es bien conocido (quien sabe como pero asi es) el cardenal del sitio (el cual por cierto  se encuentra infectado por la peste) les concede el perdón a cambio de que los caballeros transporten a una joven que supuestamente es una bruja a una especie de monasterio, en donde un grupo de cardenales tienen una Biblia especial que puede romper con el maleficio y a su vez acabar con la peste que ha traído consigo la maldición.

Sin embargo Behmen no acepta en un inicio por que sostiene que ya ha hecho suficientes cosas horribles en nombre de Dios, pero todo cambia cuando conoce a la chica (Claire Foy) quien le recuerda a la mujer que mato en la última batalla, y como este busca revindicarse pues decide aceptar para salvar a la chica y probablemente su alma. Lo que sigue después es presenciar el largo, tormentoso y tortuoso camino que deberán recorrer los protagonistas (y el espectador ante tan magro relato falto de emoción), apoyados en algunos personajes secundarios bastante tópicos que solo sirven de excusa para ser carne de cañón en algunos pasajes de la historia supuestamente ominosos, hasta concluir en un anticlimático final con sorpresa incluida (jajajaja), la joven mujer no era una bruja, estaba poseida por el mismisimo ¡patas de cabra!.

Como puede leer el respetable, esta es la endeble y trivial historia que nos plantea Dominic Sena quien en aras de ponerse fastuoso y hasta épico, jajajaja, (cuando entenderán los productores hollywoodenses que lo que hace grandioso un relato no son los efectos especiales si no la construcción de personajes y tratamiento de la historia) le sale el tiro por la culata, y lo que pretendía ser una epopeya tipo El Señor de los Anillos (Jackson, 2001-2003), resulta ser un producto más cercano a una cinta con toques de serie b como Outlander (McCain, 2008) o cualquier film de epoca media dirigida por Uwe Boll, jajaja.

Y es que es absurdo el planteamiento de los acontecimientos que dan rienda suelta a esta previsible historia, pues los personajes no determinan o causan los acontecimientos, lo único que detona la historia es por que el niño descubre la espada de Behmen, ¿díganme si este planteamiento no es risible?, asi mismo las motivaciones del héroe son bastante pueriles y nunca llegan a quedar claras, de hecho al guionista le importan un bledo sus personajes y los trata como simples objetos desechables de usar y tirar.

Por lo que la cinta se centra e intenta sostenerse en una sucesión de escenas supuestamente terroríficas y emocionantes, cosa que nunca sucede, por ejemplo el ataque de unos lobos en un tenebroso bosque (uno supone que es tétrico por la fotografía en tonalidades azules y algunos efectos sonoros pero en realidad ni un niño se asusta con esto) se percibe falto de emoción, bastante hueco  y hasta insultante para el intelecto humano,  incluso los efectos especiales hechos por ordenador tienen una manufactura tan pésima que en vez de abonarle a la pobre historia la hunden más. O el diseño del Demónio tan infantil que hace que te cagues de la risa cuando hace acto de presencia, jajaja.

Por otra parte el único aspecto rescatable de este subproducto es quiza la presencia de Ron Perlman, actor con carisma y con solvencia interpretativa que con todo y que funge como antagonista, logra desempeñar un papel más creíble que el del propio Nic Cage, e incluso logra robarle algunas escenas por que su performance se percibe más natural que el del protagónico.

Asi que ¿qué más puedo comentar sobre este film? Pues que es una soberana perdida de tiempo pues su historia es risible y cuenta con nula veracidad (incluso contextualizándola en su universo fantástico), goza de  cero desarrollo a nivel narrativo y de personajes, por lo que En Tiempo de Brujas es sin lugar a dudas otra muestra clara de este nuevo cine desechable que sigue basando su éxito en la presencia de su protagonista, el cual por cierto es el mayor factor para que esta fracase (aunque usted no lo crea el señor Cage sigue teniendo seguidores). Si tan solo la cinta de Sena se hubiera tomado menos en serio otra cosa habría sido, ni modo.