viernes, 29 de julio de 2011

CINE DE CULTO: KING KONG

TÍTULO ORIGINAL: King Kong
AÑO: 1933
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack
GUIÓN: James Ashmore Creelman & Ruth Rose (Idea: Edgar Wallace)
MÚSICA: Max Steiner
FOTOGRAFÍA: Eddie Linde, Vernon L. Walker, J.O. Taylor (B&W)
REPARTO: Fay Wray, Robert Armstrong, Bruce Cabot, Noble Johnson, James Flavin, Sam Hardy, Frank Reicher
PRODUCTORA: RKO Radio Pictures
GÉNERO: Fantástico.




Definitivamente una de las cintas más emblemáticas, mágicas, imaginativas y sobre todo fantásticas en la historia de la cinematografía es el King Kong del intrépido director Merian C. Cooper (su propia vida serviría para realizar un film se los aseguro) quien al verse seducido por cuestiones meramente aventureras (el tipo era una especie de Indiana Jones que se encontraba fascinado por explorar sitios salvajes, al tiempo que encontraba en la figura de los gorilas gran encanto) logro plasmar algunas de sus inquietudes a nivel plástico y narrativas al realizar dos documentales, Hierba (1925) y Chang (1927) junto a su inseparable colega y amigo Ernest Schoedsack.

Por tal motivo estos trabajos previos fueron de algún modo los cimientos de la obra cumbre de la dupla Cooper y Schoedsack, la cual arrasaría, aterrorizaría y fascinaría a partes iguales al público que hacia el esfuerzo por pagar una entrada en las salas de cine en aquel lúgubre periodo de la gran depresión por la que pasaba Estados Unidos. Pero ¿de que trata King Kong? La historia nos cuenta como un audaz director de cine llamado Carl Denham (Robert Amstrong) arregla los preparativos para filmar su siguiente película en un lugar del cual asegura solo el conoce pues cuenta con el mapa para llegar a este, el nombre del misterioso sitio se lleva el nombre de La Isla de la Calavera.

Sin embargo Denham no le ha dicho a todo el equipo que lo acompaña en la embarcación que su verdadera intención es la de filmar un misterioso monstruo que habita en la Isla, (por lo que esconde en el bote infinidad de explosivos y armas)  motivo por el cual se apresura a buscar una hermosa mujer que pueda encarnar a la dama en peligro de su film antes que las autoridades puertarias descubran el cargamento que lleva consigo, y es en esos momentos cuando el hombre se encuentra con una hermosa mujer llamada Ann Darrow (Fay Wray) a la cual le ofrece la oportunidad de convertirla en una famosa estrella, acto seguido la mujer no muy convencida acepta pues su situación es muy precaria (como la de la mayoria de los norteamericanos).

Asi pues la embarcación de Denham parte rumbo a su destino sin saber que se enfrentarán a peligros inimaginables cuando el equipo de filmación, la propia Ann Darrow y John Driscoll (Bruce Cabot) un escritor de teatro que se convierte en otro pasajero por engaños del director, se encuentren filmando un ritual donde los nativos del lugar ofrecen como ofrendas a las mujeres del lugar para calmar la furia del inmenso mounstro al cual llaman King Kong, sin embargo en determinado momento los aborígenes capturan a Ann y la ofrecen al gigante gorila quien se la lleva. Momentos después tanto Denham y John (Cabot) organizan un rescate suicida junto con los valientes marinos para rescatar a la bella Ann sin sospechar que al ingresar a la jungla donde Kong es el rey afrontarán a criaturas que ya se creían extintos en pleno siglo XX, como dinosaurios e infinidad de monstruos gigantescos.

El hecho es que decenas de hombres perecen en el rescate, mientras el intrépido John Driscoll logra salvar a la hermosa Ann (de la cual se ha enamorado) sin contar que el poderoso mastodonte que representa Kong quedará también prendado a la mujer, motivo por el cual este intentará recuperarla a toda costa y por ende lo que le costará su libertad, pues el ambicioso Carl Denham no dejará pasar la fabulosa oportunidad de encarcelar al simio para venderlo como la principal atracción en la Ciudad de Nueva York, pero como el respetable podrá inferir las cosas se saldrán de control cuando el gigante gorila escapa de su cautiverio, dando como resultado solo caos y destrucción. 

Creo que una de las principales virtudes del film del tándem Cooper- Schoedsack es sin lugar a dudas la honestidad que transmiten al realizar esta entretenida cinta de aventuras pues lejos de considerar a King Kong como un blockbuster de su epoca hay que decir que este trabajo audiovisual combina de manera eficaz varios ingredientes como el romance, aventura, acción, suspenso y sobre todo unos efectos especiales bastante ingeniosos y adelantados a su época, los cuales corren a cargo del grandioso Willis O´Brien principal artífice de la dificilísima técnica llamada stop motion, un verdadero arte que reta el intelecto, la paciencia y sobre la habilidad manual que por supuesto inspirarían la obra de otro grande como es Ray Harryhausen (quien trabajará con O´Brien en El Gran Gorila de 1949).

Así mismo debo acotar que el guión está bien construido y no dejas huecos argumentales, inclusive se percibe que este es de muchas maneras casi autobiográfico con respecto a los realizadores, basta con analizar el perfil psicológico de los personajes de Carl Denham y John Driscoll los cuales son el equivalente a Merian C. Cooper y Ernest Schoedsack respectivamente, pero fuera de estos aspectos es indudable que el guión es una montaña rusa de emociones que desde el arranque  ya no suelta al espectador por lo cual es incuestionable la capacidad de los realizadores para catalizar dicho argumento.

De ahí que no sea casualidad que infinidad de escenas perduren generación tras generación dentro del inconsciente colectivo del espectador que haya gozado de semejante film, pues ya desde la primera aparición de Kong (en la aldea, pasando por las excelentemente montadas y planificadas secuencias de batalla entre el simio y un Tiranosaurio, hasta la ya mítica secuencias de los aviones derrumbando al rey Kong del Empire State) el respetable rompe en asombro (aun en estos días) ante la presencia y personalidad del protagónico, el cual sorpresivamente cuenta con rasgos  que se ganan de inmediato la empatía del espectador pues increíblemente este gigante gorila cuenta con motivaciones aceptables como si presenciáramos un nuevo cuento de la Bella y la Bestia.

Incluso era tal la humanización del personaje de King Kong que en su momento la versión que se reestreno en los cines por los años cincuenta (época en la que el pueblo americano vivía en plenitud el american way of life) se tuvo que mutilar la escena donde Kong arranca algunas de las prendas de la vestimenta del personaje que encarnaba Fay Wray cuando se encuentran en el sitio que el gorila tiene por hogar. Ahora bien de los personajes encarnados por actores de carne y hueso debo decir que aunque estos resultan ser simples arquetipos de su tiempo (el héroe, la dama en peligro, un hombre rico con ambiciones monetarias, etc) embonan a la perfección en una historia que lejos de ser un simple escapismo mental contiene entre líneas un discurso bastante incisivo acerca de la intolerancia a todos aquellos que la sociedad considera diferentes, motivo por lo cual el personaje de King Kong se convierte en un símbolo que representa a los oprimidos por lo que no es casualidad que el relato se torne bastante desesperanzador sobre todo en su tercer acto, si no basta con presenciar el contundente final.

En definitiva el King Kong de Cooper y Schoedsack  es un film imprescindible, el cual me atrevería a decir que es atemporal y bastante visionario, cosa que se puede notar en su lenguaje visual a través de esos portentosos encuadres, tomas, composición y una fotografía en blanco y negro que no tiene desperdicio, sin embargo no puedo dejar de mencionar los increíbles efectos especiales que desarrolló Willis O´Brien pues gracias a estos el film logra esa magia que será irrepetible (con todo y que la versión de Peter Jackson me pareció bastante solvente) pues estos van desde la creación de maquetas  y personajes a escala, la invención de nuevas cámaras para revelar y proyectar la película con el objeto de realizar fotomontajes de los actores reales y demás técnicas que el propio O´Brian invento para esta película (avances que de hecho llevaba desarrolando años atras con sus propios filmes llamados El mundo Perdido y Creacion de 1931, cintas donde las criaturas protagonistas eran dinosaurios los cuales por cierto se usaron para el film de King Kong).

Por tal motivo  estimado lector no debe perderse esta increíble cinta la cual indudablemente le hará pasar un buen rato de emociones, tensión y algo de angustia, en pocas palabras los hará vivir una real experiencia cinematográfica además de que comprueba lo que siempre he pensado del pelele de Michael Bay  el cual ni con la inversión de miles millones de dólares para gastar en los mejores y mas avanzados efectos digitales puede dotar de alma y algo de dignidad a sus estúpidos robots.

martes, 26 de julio de 2011

CINE DE CULTO: EL ABOMINABLE DOCTOR PHIBES

TÍTULO ORIGINAL: The Abominable Dr. Phibes
AÑO: 1971
DURACIÓN: 94 min.
PAÍS: Inglaterra
DIRECTOR: Robert Fuest
GUIÓN: James Whiton, William Goldstein
MÚSICA: Basil Kirchin
FOTOGRAFÍA: Norman Warwick
REPARTO: Vincent Price, Joseph Cotten, Virginia North, Terry-Thomas, Sean Bury, Susan Travers, David Hutcheson, Edward Burnham, Alex Scott, Peter Gilmore, Maurice Kaufmann, Peter Jeffrey
PRODUCTORA: Coproducción GB-USA; American International Pictures (AIP)
PREMIOS: 1971 Festival de Cine Fantástico de Sitges: Mejor actor (Vincent Price)
GÉNERO: Terror. Intriga.

Como ya he comentado en otras ocasiones mis héroes cinematográficos por excelencia son Alfred Hitchcock, Ingmar Bergman, Woody Allen, John Carpenter, George Romero y  Clint Eastwood, pero es sin lugar a dudas el grandioso actor británico Vincent Price quien tiene reservado un lugar muy especial en mi corazoncito cinéfilo gracias a que por su enigmática y poderosa personalidad el histrión con dotes de sobreactuación lograba dotar de esa chispa mágica a cada proyecto que encarnaba, aspecto que solo una estrella de verdad puede lograr.

Entre los trabajos que más me han gustado de Price se encuentran las sombrías y terroríficas cintas llamadas Witchfinder General (Reeves, 1968) y From a Whisper to a Scream (Burr, 1986), sin embargo el que esto escribe encuentra en El Abominable Doctor Phibes una joyita de ese cine de serie b, ya que esta contiene elementos tanto plásticos, discursivos y por supuesto interpretativos que la vuelven uno de los mejores trabajos del otrora actor, y es que la cinta que dirige Robert Fuest destila inteligencia, un humor mal sano (cosa que se agradece) e incluso logra crear un film adelantado a su época por varios factores de los cuales les describiré más adelante.

La cinta no podía comenzar de mejor manera cuando una toma general nos muestra el interior de un recinto que se viste de colores chillantes como azules y rojos (mientras una espeluznante musica de fondo acompaña unos excelentes créditos iniciales) seguida de una decoración no menos kistch  en donde se puede visualizar también a una banda musical de muñecos de tamaño real, acto seguido emerge del piso un enorme órgano, para que momentos después haga acto de aparición un siniestro hombre con rostro desfigurado y ataviado con una capa el cual comienza a tocar el instrumento cual fantasma de la opera, su nombre Anton Phibes (Vincent Price), un sujeto que más que un hombre parece un ente.

Instantes después Phibes (Price) y su asistente, Vulvania (Virginia North) salen de la mansión que habitan y toman su auto para trasladarse a la ciudad de Londres donde cometen su primer crimen en contra de un prestigiado doctor al cual asesinan al parecer sin motivo alguno cuando introducen en la recamara de este un sin fin de murciélagos los cuales devoran al mencionado cuando dormía placenteramente. Al día siguiente el asistente del fallecido médico avisa a la policía sobre lo ocurrido  y es cuando el inspector Trout  (Peter Jeffrey) de la Scotland Yard es asignado al caso ya que las circunstancias de la muerte del cirujano son bastante extrañas.

Desgraciadamente para el inspector Trout y la policia las cosas irán de mal en peor pues cuando aun se encuentra tratando de descifrar quien es el asesino de la primera víctima, comienzan a desatarse una infinidad de crímenes por toda la ciudad con el mismo modus operandi ya que todas las víctimas son médicos y han sido asesinados en circunstancias aterradoras, sin embargo un hallazgo a un más horripilante se devela cuando Trout (Jeffrey) descubre que todas las víctimas se conocían entre si, empero una luz de esperanza surge cuando el doctor Vesalius (Joseph Cotten) el único sobreviviente que queda del grupo de galenos asesinados, llega a la conclusión junto con el inspector  que el culpable de los crímenes es ni más ni menos que el doctor Phibes (al cual creían muerto) un colega al cual el distinguido grupo de doctores le hizo el favor de operar a su esposa, la cual desgraciadamente murió en la intervención por lo que ahora parece que Phibes ha regresado de la muerte para vengar la muerte de su amada.

Como podrá leer el distinguido, el argumento de la cinta pinta bastante interesante ya que retoma esas manifestaciones clásicas (por no decir románticas) del cine de horror (Drácula 1931, El Hombre Lobo 1941, Frankenstein 1931, etc.), en donde el villano de la historia no es un ser maligno por complacencia, si no que se ha visto en la necesidad de convertirse en un ente perverso cuando ha encontrado en la justicia del hombre solo lo contrario, por ende el personaje de Anton Phibes se descubre inclusive como un villano carismático, gracias al diseño de sus motivaciones y a la excelente interpretación de Price. Por tal motivo el respetable gozará (se los aseguro) de las elaboradas fechorías del diabólico doctor  (créanme que algunas parecen sacadas de algunos pasajes de la saga Saw) mientras el despistado inspector Trout le sigue la pista en un perverso juego del gato y el ratón, donde inclusive el espectador deseará que el doctor Phibes logre salirse con la suya.

Y es que así como argumentaba que el guión se percibe solvente, también es la dirección de Robert Fuest lo que abona para que el film se encuentre equilibrado, que fluya entre asesinato y asesinato (cada vez más elaborados a medida que avanza el film, por ejemplo lo del hombre que queda empalado a una pared es para partirse de risa por su enfermizo sentido del humor o el clímax final donde el doctor Vesalius debe rescatar a su hijo de una muerte segura cuando interviene una trampa con ácido, demuestran la inteligencia y valía de un buen guión), ya que aunque el planteamiento resulte en una narración un tanto lineal, son esas dosis de desfachatez argumental lo que le da ese aire surreal y en ocasiones jocoso al filme.

Igualmente es importante mencionar que este no funcionaria en absoluto sin la omnipresente presencia de Vincent Price quien encuentra en su Anton Phibes tal vez uno de sus personajes más complejos y a la vez más ricos en lo que respecta al diseño psicológico, ya que durante toda la historia el actor británico dice cuando mucho cinco líneas y toda la labor interpretativa recae solo en su buen quehacer corporal para dotar de misterio, terror y sobre todo motivaciones creíbles a su personaje, en pocas palabras encontramos un Vincent Price bastante mesurado pero igual de cumplidor, por ende el resto del reparto cumple adecuadamente su labor histriónica pues al ser intérpretes ingleses llevan esa basa cultural y sobre todo ese humor tan fino que solo los británicos dominan.

Así mismo debo comentar que tanto el montaje (sobre todo en lo referente al diseño del recinto de Phibes), la composición de planos, la música, la iluminación, etc. son excelentes, pues son indudablemente aspectos plásticos influenciados por el pop art, si no basta con ver y confrontar esa fotografía en la cual solo encontramos colores primarios (rojos, verdes, amarillos) y una escenografía bastante teatral que no busca el realismo si no convertirse en una propuesta plástica.

Finalmente no me queda más que recomendar de sobre manera esta excelente cinta de horror clásico que cuenta con las dosis perfectas de gore, un humor perversamente divertido y un villano que seguramente se encuentra en el salón de la fama de los monstros más emblemáticos del género gracias a su atractiva personalidad.  Al tiempo que se notan las intenciones artísticas del director por realizar un film honesto, el cual probablemente represente una de las obras indispensables en la basta filmografía del icónico Vincent Price.

miércoles, 20 de julio de 2011

CINE DE CULTO: TANK GIRL

TÍTULO ORIGINAL: Tank Girl
AÑO: 1995
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Rachel Talalay
GUIÓN: Tedi Sarafian (Cómic: Alan Martin, Jamie Hewlett)
MÚSICA: Graeme Revell
FOTOGRAFÍA: Gale Tattersall
REPARTO: Lori Petty, Ice-T, Naomi Watts, Don Harvey, Jeff Kober, Malcolm McDowell, Ann Cusack, Iggy Pop, James Hong, Scott Coffey
PRODUCTORA: MGM
GÉNERO: Ciencia ficción





Había escuchado desde hace mucho tiempo sobre la existencia de este film de 1995, que si  para muchos era una basura y algún otro sector la consideraba una genialidad, sin embargo lo cierto es que en su estreno el film de la directora Rachel Talalay paso sin pena ni gloria por las salas de los cines cosechando pésimas críticas y pobres recaudaciones a nivel económico, pero ¿que habrá provocado semejantes resultados?, creo que primero debemos contextualizar la basa en la cual esta fundamentada la obra cinematográfica, el comic inglés creado por Jamie Hewlett y Alan Martin, el primero diseñador y por ende creador de los trazos tan característicos de la obra gráfica del mencionado, el cual después se convertiría en uno de los creadores del grupo virtual Gorillaz  ¿notan el parecido en el diseño de los personajes?

El hecho es que la novela gráfica de Tank Girl como la mayoria de los comics que se han gestado en el Reino Unido contienen una corriente filosófica muy particular contra el régimen autoritario y el fascismo de la epoca de los años ochentas y noventas que tanto caracterizo al país europeo, basta con revisar el tebeo de ciencia ficción llamado 2000 AD de donde surgiría posteriormente la saga de El Juez Dredd, nacida a finales de los años setentas para constatar esto. Asi mismo lo que caracterizaba a dichos cómics era su intenso nivel de violencia, sexo y los discursos anarquistas que contenían por lo que estos se convirtieron en obras de culto, algunos gracias a las plumas de tipos tan visionarios y adelantados a su epoca como Dave Gibbons o Alan Moore.

Ahora bien después de revisar un poco del material gráfico de Tank Girl por Internet y visionar el film puedo decir que el trabajo audiovisual logra rescatar el espíritu de la novela gráfica, pero ya hablando en términos meramente cinematográficos hay que acotar que aunque el film de Talalay se deja ver cuenta con algunas inconsistencias a nivel de ritmo, motivo por el cual el visionado se puede percibir un tanto cansino con todo y que el film es a todas luces una sátira política y social con grandes toques de sarcasmo que incluso hacen que la cinta no se tome demasiado en serio por lo que en su momento esta fue considerada una obra netamente cutre, incomprendida diría yo.

La historia se sitúa en un mundo postapocaliptico donde ha ocurrido una explosión que ha acabado casi con toda la vida, motivo por lo cual dejaron de existir las grandes urbes y ahora los pocos humanos que sobreviven coexisten en pequeñas comunidades en los grandes desiertos que ahora fungen como urbes, sin embargo también existen seres que no son precisamente humanos pues han mutado en otro tipo de razas las cuales son un constante peligro para los pocos hombres que quedan sobre la tierra.

Pero esto no es lo peor del asunto ya que por otra parte el único y valioso recurso natural que queda es el agua (la cual a cada día escasea más) y esta se encuentra siendo acaparada por el malvado Kessle (Malcolm McDowell) dueño de la Corporación Water and Power quien  se ha apropiado de esta con fines meramente lucrativos, además de que utiliza su poderoso armamento y ejercito para eliminar a todo aquel que se haga de un poco del vital líquido de manera ilegal.

Sin embargo y para desgracia de Kessle (McDowell) una extravagante, desmadroza y sobre todo anárquica chica llamada Rebeca (genial Lori Petty) se cruzará en los planes del megalómano sujeto cuando el regimiento de este acabe con la familia de la mencionada, cuando  en un operativo estos sean masacrados y esta sea capturada para pertenecer  a las filas de la corporación sin que dicho villano sospeche que el espíritu autodestructivo y nihilista de la chica llevaran a la perdición a su emporio, sobre todo cuando Rebeca encuentre en una tímida e inteligente chica de mantenimiento conocida simplemente como Jet Girl (Naomi Watts) la cómplice perfecta para llevar a cabo su venganza.                                                                                                                                               
Y este sería a grandes rasgos el punto neurálgico de una trama que se antoja algo surrealista y bastante recargada con algunas similitudes argumentales a lo Mad Max (George Miller, 1979), pues entre canguros humanos ávidos de sexo y destrucción, un tanque que cuenta con inteligencia propia y un desfile de eventos llenos de absurdos, sarcasmo, un humor políticamente incorrecto, psicodelia y algunos toques musicales de trip hop, la cinta se puede percibir algo desastrosa a nivel narrativo (por los vacíos que le guión guarda), sobre todo por la ambigüedad de su propia premisa.

Empero con todo y esto el film de la directora Rachel Talalay guarda aspectos plásticos tanto discursivos que hacen de este una propuesta válida que por supuesto no será del agrado de todos, pero sin lugar a dudas es interesante en su visionado y es que uno de los mayores aciertos en el film es la elección del casting, comenzando por una extraordinaria Lori Petty la cual logra hacerse del personaje extrayendo del mismo esa insolencia y desenfado que tanto caracteriza a la irreverente mujer de las tiras cómicas, por tal motivo la historia recae directamente en la interpretación de Petty quien gracias a un gran carisma (o tal vez a su propia personalidad no lo se, jajaja) saca a flote un papel que a simple vista parece sencillo pero que se descubre lleno de motivaciones y por lo tanto encuentra el punto exacto de sarcasmo y auto parodia que lo hace muy peculiar.

Asi mismo Naomi Watts logra darle tridimensionalidad a un personaje que en manos de otra actriz resultaría un simple y genérico sidekick, pero gracias a la labor interpretativa de la actriz australiana su Jet Girl se vuelve otro protagonico importante, con peso en la trama y lo más importante logra gran química con Petty. Asi mismo el resto del reparto esta en la misma línea, sin embargo debo confesar que ver al ex rapero ahora convertido en actor Ice-T como T-Saint (un canguro antropomorfo) se vuelve una experiencia algo bizarra, sobre todo cuando este conserva esa actitud de gansta que tanto caracteriza al sujeto (jajaja), y por último Malcolm MacDowell recicla los villanos que muchas veces se vio forzado a interpretar por lo que encaja a la perfección en este cinta de ciencia ficciòn con sabor a serie b.

Ahora bien en el apartado técnico y visual debo decir que la cinta cumple de forma algo justa lo que promete, ya que por momentos los escenarios, el vestuario, los efectos especiales (por momentos se puede ver como algunos cables sujetan algunos vehículos de ataque, jajaja) e incluso las caracterizaciones (sobre todo de los canguros) se perciben algo cutres con todo y que la United Artist (si no me equivoco) respaldo dicho proyecto. Pero insisto, estos elementos solo engrandecen un producto que a todas luces se percibe malogrado, eso sí descubriendose honesto pues se puede percibir  mucho entusiasmo por parte de sus realizadores y actores, aunque también se encuentran vestigios de incapacidad (o diferencias creativas entre estudio y directora, no lo se) en la toma de desiciones que en general no logran una cinta redonda.

Empero puedo decir que también vi con buenos ojos algunas decisiones creativas para resarcir el ajustado presupuesto, como la implementación e inserción de animación tradicional para contar algunos pasajes o situaciones que hubieran resultado demasiado elaborados o costosos si se hubieran realizado en acción real, así como la implementación de algunas viñetas de la obra original para transmitir y reforzar aspectos narrativos o en su defecto meramente expositivos.

Finalmente y ya para terminar debo decir que el Tank Girl de Rachel Talalay es una obra imperfecta, de difícil revisión tanto por su discurso ideológico y por el diseño de sus personajes los cuales no buscan agradar al presente, por lo que si el espectador no logra engancharse a la primera tendrá  que hacer un esfuerzo para terminar el visionado. Así mismo con todo y que el film está lleno de defectos, este logra  descubrirse como una obra honesta que rescata de manera fehaciente el espíritu del comic, por tal motivo es ahí donde radica su mayor  virtud y por ende  se ha ganado el status de culto que ahora ostenta. 

viernes, 15 de julio de 2011

CONOCERÁS AL HOMBRE DE TUS SUEÑOS de Woody Allen

TÍTULO ORIGINAL: You Will Meet a Tall Dark Stranger
AÑO: 2010
DURACIÓN: 98 min.
PAÍS: Inglaterra
DIRECTOR: Woody Allen
GUIÓN: Woody Allen
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Vilmos Zsigmond
REPARTO: Josh Brolin, Anthony Hopkins, Naomi Watts, Freida Pinto, Antonio Banderas, Gemma Jones, Lucy Punch, Christian McKay
PRODUCTORA: Coproducción GB-España; Gravier Productions / Mediapro
GÉNERO: Drama. Comedia.




¿Otra cinta de Woody Allen? se estarán preguntando algunos, pues si estimados visitantes del blog siento decepcionarlos o en su defecto espero alegrarlos (supongo que también habrá mucha gente que al igual que su servidor disfruta del cine del director norteamericano) pero era imprescindible subir este último trabajo del pequeño genio (y digo última obra por que aun no llega a mi país Midnight in Paris, 2011) no solo por que al que esto escribe le fascine el trabajo del mencionado, si no por que creo que visionar la obra de Allen es acercarse a aspectos tan fascinantes en la naturaleza del ser humano desde una perspectiva tan irónica, sensible y muchas veces absurda que ha caracterizado la inmensa filmografía del buen Woody.

Una voz en off (Zak Orth) comienza a contarnos esta agridulce historia no sin antes advertirnos con una frase lo que veremos, “este es un cuento contado por un idiota, lleno de furia y sonido, pero sin significado alguno”. A continuación se nos presenta al primer protagonista del film, un hombre llamado Alfie Shebritch (Anthony Hopkins), caballero inglés de edad respetable con una situación económica holgada quien hace tiempo se divorcio de su mujer y comenzó una nueva vida como un joven playboy (jajaja) quien en el afán de conservar algún vestigio de juventud se ha comprado algunos autos deportivos, al tiempo que se ha inscrito a un gimnasio para conservar un buen físico, sin embargo muy en el fondo este no se siente realizado. Por otra parte, su exmujer Helena (Gemma Jones) no ha superado la ruptura con el perdido Alfie, e incluso para desproveerse del dolor que le ha causado dicha relación ha intentado suicidarse, motivo por el cual con todo y que ha intentado subsanar sus males a través de terapias psicológicas, pues no ha podido encontrar más que en el ocultismo esa paz interior que le brinda una adivinadora de cartas, la cual en cada sesión siempre le vaticina que su futuro esta por mejorar.

Por cierto, Sally (Naomi Watts) es la hija de Helena y es quien le recomendó la pitonisa a su madre con el fin de que esta no la hostigue (jajaja) por las tardes con sus problemas pues como se muestra en la historia, la propia Sally ya tiene suficientes dificultades emocionales, sobre todo por que no se siente en plenitud siendo una mujer que tiene que aceptar cualquier trabajo para mantener a su familia, puesto que Roy (Josh Brolin) su esposo no cuenta con un empleo solvente ya que este es un escritor fracasado que solo ha tenido éxito con su primer libro, razón para que por las noches escriba y por la mañana pierda los empleos que ha obtenido pues este nunca rinde lo suficiente en estos.  ¡Ah lo olvidaba! Roy no quiere tener hijos y Sally si, otro inconveniente en la relación ¿no creen?. Sin embargo y contrario a lo que el respetable pudiera pensar la vida de estos individuos se volcará cuando el destino les presente nuevos personajes que les harán cuestionarse, o peor aun, les restregarán en la cara  cual balde de agua fría aspectos tan trascendentales como la mortalidad, la vejez, la sexualidad, el miedo a la soledad y demás pathos que hacen de estos personajes tan complejo e interesantes. 

Habiendo dicho esto debo señalar que esta cinta de Allen logra llegar a los estándares de lucidez y calidad de sus mejores obras, aunque ya no se perciba tan denso en sus referencias literarias o filosóficas, sin embargo esto también sirve como un indicativo que podría suponer que el autor neoyorquino ha purgado sus demonios existenciales a través de tantos años e innumerables films, lo cual se refleja en esta obra con los diversos personajes que deambulan en esta historia pues aquella figura pragmática que fungía como el psicoanalista interior de Allen, es ahora reemplazado por la figura del vidente, la cual  funciona como hilo conductor en la vida de los personajes (todos reflejos del director e mayor o menor medida), motivo por el cual estos con todo y que toman sus propias decisiones también estan expuestos a los caprichos del destino.  

Es por esto que con todo y que el film cuenta con infinidad de personajes (Antonio Banderas y Lucy Punch se agregan conforme avanza la trama) y un guión que se percibe algo barroco, hay que puntualizar que este logra dotar de tridimensionalidad a estos despojándolos de ser simples arquetipos. Por tal motivo la sensación de desesperanza y melancolía que destila la historia impregna por partes iguales tanto a protagonistas como al propio espectador, empero también hay que destacar que como este film es una comedia por supuesto cuenta con ese lado cómico (más no por eso afable) que tanto ha caracterizado a la obra de Allen, por lo que podremos encontrar momentos para la posteridad llenos de un sórdido humor negro como por ejemplo es impagable presenciar la escena donde se nos  muestra a Helena (Jones) en una sesión de espiritismo junto a su nuevo pretendiente, el cual le pide permiso a su difunta esposa para que le de permiso de salir con esta (jajajajaja) o cuando Roy (Josh Brolin) se da cuenta que el amigo al cual creía muerto y al cual le había robado la autoría de su libro resulta estar en coma con probabilidades de despertar, pues no queda más que reír y a su vez lamentarse a partes iguales cuando hemos visto el proceder del personaje que interpreta Brolin durante toda la historia ante tan fatídico desenlace.

Incluso y aunque por momentos el film de la sensación de que no pasa nada, son estos donde se nota la maestría de Woody Allen (como guionista y como director por supuesto) ya que es en esas minucias narrativas en donde radica la magnificencia del guión pues al presentarse de forma tan sencilla el autor logra despojarse de grandilocuencias en los diversos discursos que aborda. Por otra parte y tal vez lo más llamativo en esta Conocerás al hombre de tus sueños sea sin lugar a dudas ese reparto de lujo que Allen dirige con soltura, pues los mencionados Hopkins, Brolin, Banderas, Jones, Punch y  Watts entregan unos performances bastante solventes aprovechando los diversos momentos que tienen frente a cámaras, incluso a su servidor le sorprendió gratamente la actuación de  Antonio Banderas quien se muestra sobrio y hasta podría decir que interpreta uno de sus mejores papeles (aun no he visto La Piel que Habito de Almodóvar).  

Incluso Anthony Hopkins vuelve a demostrar que es un buen actor que cuando esta bien dirigido muestra otro nivel (como lo que le pasa a Robert de Niro, ¡por favor Scorsese rescátalo de la mediocridad!) ya que el papel que interpreta como Alfie es genial pues aquí el histrión por momentos da la sensación de que se burla de si mismo. Ya casi para finalizar debo decir que los apartados técnicos del film son impecables, la fotografía es limpia tanto como naturalista, los encuadres y movimientos de cámara conservan ese estilo tan peculiar que solo Allen puede brindar a sus films y las locaciones que nuevamente nos regresan a Londres aportan ese aire de clasismo que tan característico lugar puede ofrecer.

Asi que estimado lector si usted es amante del buen cine, si le gustan las historias inteligentes y un humor fino, no debe perderse Conocerás al hombre de tus sueños por ningún motivo, ya que aunque esta cinta demuestre que  los inconvenientes de la vida en ocasiones son bastante pesimistas, siempre queda algún vestigio de esperanza.



martes, 12 de julio de 2011

THRILLER: SEPULTADO

TÍTULO ORIGINAL: Buried
AÑO: 2010
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: España
DIRECTOR: Rodrigo Cortés
GUIÓN: Chris Sparling
MÚSICA: Víctor Reyes
FOTOGRAFÍA: Eduard Grau
REPARTO: Ryan Reynolds, Ivana Miño
PRODUCTORA: Versus Entertainment
WEB OFICIAL: http://experienceburied.com
PREMIOS: 2010: 3 Premios Goya: Mejor Guión original, Montaje y Sonido. 10 nominaciones
GÉNERO: Intriga. Thriller




Desde la primera vez que vi el trailer de Sepultado quede enganchado ya que las imágenes que mostraban este destilaban perspicacia, terror y mucha claustrofobia, motivo por el cual su servidor pensaba que el film de Rodrigo Cortés podía ser una genialidad o en su defecto un tomadura de pelo, afortunadamente para el respetable debo decir que la cinta es una muestra clara de soberbia narrativa, montaje y puesta en escena, pues practicamente durante  hora y media que dura su visionado este jamás decae dejando al espectador eso si con grandes dosis de taquicardias.

La premisa es la siguiente, un sujeto llamado Paul Conroy (Ryan Reynolds) despierta maniatado dentro de un ataúd que se halla sepultado bajo la tierra aparentemente sin explicación alguna, Paul desesperado y sin saber como llego a estas circunstancias  descubre que solo cuenta con un teléfono celular (con la mitad de la pila), un encendedor y un bolígrafo, accesorios que básicamente fungirán como herramientas para ir desenmarañando el contexto que a primera instancia parece un juego perverso. Sin embargo conforme avance la trama horribles revelaciones harán que el hombre (y el espectador) se cuestionen aspectos tan importantes como la importancia que juega el destino en el ser humano, la mortalidad y lo más trascendental, el descubrir como las decisiones que tomamos por más simples que estas sean siempre tienen consecuencias en nuestros actos.           

Y esto es todo lo que les puedo contar sobre el argumento puesto que hacer lo contrario echaría a perder las sorpresas (y vaya que las hay) que nos tiene deparado el film de Rodrigo Cortés, el cual dicho sea de paso apuesta su éxito en un guión bien construido que no pretende tomarle el pelo al espectador, con algunas vueltas de tuercas bien empleadas, un humor enfermizamente negro y sobre todo a la buena interpretación de su protagónico (un Ryan Reynolds mimetizado en su personaje) quien prácticamente sorprende al  cargar con todo el film a sus espaldas.

Y es que la cinta solo cuenta con un escenario (el interior de la caja de madera que aprisiona a Reynolds) empero como comentaba esos gadgets que utiliza el protagonista  para tratar de sobrevivir de este encierro servirán como catalizadores para que tanto este como el espectador vayan encontrando respuestas a las preguntas como ¿quién provoco esto? o más importante aun ¿con que objetivo? de tal manera que cuando salen a flote las motivaciones de los causantes de esto, el film se presenta como una metáfora que explora los conflictos generados después del 9/11 sin percibirse maniqueo en su ejecución discursiva, además de que también toma esta disertación como un simple pretexto para ahondar en  aspectos más complejos y a la vez ominosos con los que cuenta el ser humano.

Es por esto que el personaje al que da vida el muchas veces exacerbadle Ryan Reynolds se va descubriendo como un hombre común y corriente al cual le toco la mala fortuna de encontrarse en el lugar y momento equivocado, del cual después conocemos que como cualquier ser humano esta lleno de defectos y virtudes, empero aquí sus desperfectos han pesado más para ponerlo en esta dolorosa situación. Asi mismo el guión se descubre bastante mordaz y sin concesiones por lo que no es casualidad que cuando Paul (Reynolds) intenta contactarse vía celular con alguna autoridad  norteamericana para que lo rescaten, estas son presentadas como lo que son, instituciones ineptas que solo buscan salvaguardar su imagen vendiéndonos la misma como simples panfletos hirientes a las cuales les importa un comino las vidas de la población a la que deberían proteger. 

Sin embargo estos perturbadores pasajes con todo y que se presentan dolorosos también destilan ese sórdido humor negro que causa algunas carcajadas (como a un servidor) o en su defecto risas nerviosas  en el espectador, el cual al no tener más alternativa ante la impotencia y coraje que causa dicho espectáculo, refleja en estos comportamientos una especie de catarsis que lo libere de lo inexplicable que resulta descubrir a un hombre enterrado vivo.

Ahora bien hay que destacar que la historia funciona en gran parte a que el director y el guionista Chris Sparling nunca abandonan al personaje principal ya que se puede percibir que este es tratado con complejidad, que les importa, inclusive con todo y que la situación que enfrenta el personaje es horrible este nunca se encuentra desprovisto de humanidad y los obstáculos que tiene que sortear no se presentan arbitrarios.

En lo referente al apartado visual debo decir que tanto las tomas como los encuadres empleados son correctos y meten de lleno al presente en la claustrofóbica caja, haciendo que este viva en cierta forma la experiencia de Paul (Ryan Reynolds). Asi mismo la fotografía de Eduard Grau  combina diferentes texturas en su presentación, variando sus tonalidades que van desde los cálidos naranjas hasta los opresivos y fríos azules que vigorizan el estado anímico del protagónico.

Finalmente no me queda más que recomendar Sepultado como una solvente cinta (digna heredera de la obra de Hitchcock) que destila inteligencia y eficacia en su desarrollo argumental, la cual por momentos borda géneros tan selectos como el misterio, el terror o el thriller psicológico por lo que su visionado (en formato dvd por supuesto) será una bocanada de aire fresco en un verano lleno de Blockbusters sin pies ni cabeza y lo peor, sin una pizca de entretenimiento.

sábado, 9 de julio de 2011

EL PRINCIPIANTE de Clint Eastwood

TÍTULO ORIGINAL: The Rookie
AÑO: 1990
DURACIÓN: 121 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Clint Eastwood
GUIÓN: Boaz Yakin & Scott Spiegel
MÚSICA: Lennie Niehaus
FOTOGRAFÍA: Jack N. Green
REPARTO: Clint Eastwood, Charlie Sheen, Sonia Braga, Raúl Juliá, Tom Skerritt, Tony Plana, Pepe Serna, Lara Flynn Boyle, Donna Mitchell
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures
GÉNERO: Acción | Policíaco.







No cabe duda que la carrera de Clint Eastwood es ya un referente importante en la historia de la cinematografía universal,  por supuesto hay que hacer mención que el ahora autor se lo ha ganado por derecho propio desde que en aquel lejano año de 1964 se diera a conocer con el interesante spaghetti western de Sergio Leone llamado Por un Puñado de Dólares (basado en el Yojimbo de Akira Kurosawa de 1961), donde Eastwood mostraba esa personalidad de tipo duro con moral ambigua la cual usaría en la mayoría de los personajes que interpretara durante su carrera como actor. 

Sin embargo también hay que decir que el actor/director norteamericano gracias a su poderoso y atrayente carisma supo mantener este arquetipo durante años por lo que este jamás se menoscabo, si no basta con revisar El Gran Torino (2008) para constatar esto. El hecho es que la vasta filmografía de este señor obviamente cuenta con grandes obras maestras pero también con algunos trabajos menores como este film de 1990 llamado simplemente El Principiante, titulo que sigue la línea del thriller policiaco que hiciera famoso al propio Eastwood dos décadas atrás, pero que aquí el resultado no es el esperado provocando que el producto se diluya gracias a un planteamiento argumental demasiado tópico y un secundario falto de carisma.

La historia arranca una noche cuando el detective Nick Pulovski (Eastwood) y su compañero el agente Powell (Hal Williams) se encuentran vigilando un peligroso callejón de la ciudad de Los Ángeles, lugar qua han identificado como el sitio donde una peligrosa banda de roba coches de lujo llevará a cabo su último golpe y a la cual le han seguido la pista desde hace varios meses,  estos sujetos son dirigidos por Strom (Raúl Julia) un megalómano sujeto que siente gran satisfacción al realizar dichos ilícitos, sin embargo lo que le causa más placer son las grandes cantidades de dinero que le generan estas actividades. Por tal motivo el duro detective Pulovski ha convertido en su leitmotiv la captura del escurridizo delincuente, desgraciadamente esa noche cuando este y su compañero estan a punto de capturarlo, el mencionado Strom (Julia) asesina a Powell por un descuido que comete este y tanto el como su banda emprenden la huida.

Lo que sigue después es presenciar una de las secuencias de acción más logradas en el cine de acción cuando el presente ve como el rudo de Clint después de torcer la mueca y fruncir el seño se despide de su difunto compañero, toma su auto y comienza una persecución a muerte cuando este trata de alcanzar al pesado armatoste que significa el trailer lleno de autos que pilotea el mismo Strom por una de las pistas más transitadas de la cuidad, sin embargo después de provocar grandes destrozos y choques en los automovilistas que transitaban por el lugar el mafioso logra escaparse dejando mal herido a Pulovski.

Mientras tanto otra escena nos muestra a un joven policia llamado David Ackerman (un despistado Charlie Sheen) el cual asiste a una prueba donde varias autoridades le hacen una especie de prueba para ver si este es apto para convertirse en detective, empero dicha escena muestra como el sujeto comienza a desmoronarse a nivel emocional cuando los detectives comienzan a discutirle la probable muerte de su hermano, acto seguido la escena que nos mostraba esa habitación oscura y constreñida se transforma en una azotea de un edificio donde dos chicos tratan de saltar de un edificio a otro, empero uno queda atorado para después caer al vació, instantes después David (Sheen) despierta abruptamente bañado en sudor, todo ha sido una pesadilla.

Como podrá inferir el respetable tanto Pulovski (Eastwood) como Ackerman (Sheen) terminaran siendo compañeros cuando al segundo lo asciendan a detective y trabaje bajo la tutela del primero, por lo que al novato no le quedarán más opciones que acompañar al testarudo Nick en su vendetta personal quien a toda costa quiere atrapar a Strom (Julia), claro todo esto aderezado con algunas dosis de comedia, unas soberbias secuencias de acción y una de las escenas de sexo más enfermizas que se hayan hecho. Sin embargo y como comentaba todos estos ingredientes que a primera vista parecen ser una formula comprobada aquí se perciben rancios, sin chispa y es que el mayor problema del film es sin lugar a dudas ese guión que no termina por definirse por una comedia negra o un policíaco con tintes de farsa, es por este motivo que incluso las situaciones que deberían causar zozobra o angustia como cuando el par de detectives entran a un lujoso restaurante a amedrentar al personaje que interpreta Raul Julia, se percibe ineficaz ya que el enfrentamiento verbal se siente blando a todas luces con todo y que Eastwood se vislumbra bastante cómodo en ese  papel de antihéroe rudo que tanto domina.

Asi mismo las motivaciones de los personajes no son lo suficientemente claras (a excepción de las de Pulovski), motivo por el cual estos no terminan de quedarse en simples arquetipos, incluso esa supuesta fractura emocional que soporta en sus hombros el personaje de Ackerman termina por ser un simple esbozo que no termina de convencer, y si a esto le sumamos la incapacidad de Charlie Sheen por dotar de carisma e inteligencia a su personaje, pues nos encontramos con el peor protagonista del film, aspecto bastante negativo si tomamos en cuenta que en este recae gran parte de la trama (la escena donde esta acude con su padre para que le preste dos millones de dólares para rescatar a Pulovski es ridícula e increíble).

Y para rematar nos encontramos con un villano que no esta a la altura del buen Clint, ya que el Strom de Raúl Julia no es más que un ladrón de cuello blanco sin ambiciones (osea un ladroncillo de quinta) razón por lo que nunca llega a imponer temor, haciendo que que la trama se vuelva más generica al tiempo que se percibe la ausencia de una presencia que pudiera descubrirse como esa antitésis obligatoria que requería la simple presencia de Eastwood. 
Empero no todo es tan inerte en esta cinta pues por lo menos encontramos unos cuantos destellos de genialidad por parte del directo, como la escena sexual a la que hago alusión donde una imponente Sonia Braga (quien funge como Liesl, una especie de guardaespaldas de Strom muy al estilo de las chicas villanas de las cintas de Bond) le hace ver su suerte al rudo detective que interpreta Eastwood, cuando una escena nos muestra como este se encuentra maniatado a una silla  y hace acto de presencia Liesl (Braga) para golpear e insultar verbalmente  a Pulovski, para después y ante la mirada atónita del héroe despojarse de sus pantaletas y lo obliga  a mantener relaciones con ella, eso si con la consigna de que no afloje (jajajaja) o le corta el miembro. Ahora que lo recuerdo el film de James Bond protagonizado por Pierce Brosnan llamado El Mundo No Basta (Michael Apted) recicla esta escena que casualidades de la vida ¿no?

Asi como bien logradas, emocionantes y bien planificadas son las secuencias de la explosión donde Eastwood y Sheen salen volando por lo aires manejando un auto o la pelea del bar gay, pues estas transpiran la mala leche y visión del director. Asi mismo visualmente el film no tiene ningún reparo y se nota la mano sobria de Eastwood, asi como en el apartado del score (el cual recuerda más a los films de Harry el Sucio), desgraciadamente estos elementos no logran salvar de la mediocridad esta obra menor del director norteamericano, la cual claramente se percibe como un encargo para poder solventar cintas más personales como Los Imperdonables, proyecto que llegaría dos años después  a las salas cinematográficas para descubrirse como una obra indispensable en la cinematografía norteamericana pues esta  reinventaría de manera tajante (como lo hiciera el propio Sam Peckinpah treinta años antes) un género que se creía muerto hace décadas .

Asi que estimados lectores se preguntarán si recomiendo ver El Principiante, la respuesta es que solo podría incitar a su revisión para los incondicionales de Eastwood, o para aquellos que no hayan visto mejores buddie movies como los filmes de Walter Hill o Richard Donner, e incluso la propia saga de Harry El Sucio (que aqui parece más una parodia de esta que otra cosa) ya que para un servidor resulto ser una experiencia un tanto frustrante puesto con todo y que soy un absoluto admirador de la obra del buen Clint encontré esta cinta bastante flojita para los estándares de calidad a los que el realizador  norteamericano tiene acostumbrados, con todo y que por momentos logra entretener.


martes, 5 de julio de 2011

CRONOS de Guillermo del Toro

TÍTULO ORIGINAL: Cronos
AÑO: 1991
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: México
DIRECTOR: Guillermo del Toro
GUIÓN: Guillermo del Toro
MÚSICA: Javier Álvarez
FOTOGRAFÍA: Guillermo Navarro
REPARTO: Federico Luppi, Ron Perlman, Claudio Brook, Margarita Isabel, Tamara Shanath
PRODUCTORA: Prime Films / Producciones Iguana S.A.
PREMIOS 1993: Sitges: Mejor guión, mejor actor (Federico Luppi)
GÉNERO: Fantástico. Terror.




Para muchos Guillermo Del Toro es uno de los directores más imaginativos, dotado de una visión plástica  y narrativa sin igual que lo hace tener un estilo propio (me incluyo en este grupo), para otros es simplemente un realizador con toques de genialidad a nivel visual con grandilocuencias en los discursos ideológicos de sus filmes (créanme que los hay), pero como sea hay que decir que la obra del realizador tapatío resulta estimulante ya que al menos a un servidor la filmografía de este director le ha perecido siempre honesta (a excepción de Mimic de 1997 que aunque contiene algunas pinceladas de la visión del director se percibe más como un encargo para comenzar con el pie derecho en Hollywood).

El hecho es que el debut cinematográfico de Guillermo Del Toro no podía ser mejor pues este aborda el tema del vampirismo de una forma bastante original, llegando a niveles de tal lirismo que el film se vuelve una alegoría moral sobre los temores más profundos del hombre como son la mortalidad y el miedo a la soledad. La cinta cuenta la historia de Jesús Gris (Federico Luppi) un hombre de la tercera edad que tiene una vieja tienda de antigüedades el cual comparte la mayoria del tiempo con su nieta Aurora (o hija no esta muy claro) quien lo acompaña en la tienda.

Cierto día cuando Jesús (Luppi) se encuentra realizando labores de aseo en nuevas piezas y descubre una estatuilla de un arcángel, descubre que este conserva en su interior un extraño artefacto que lo deja fascinado ya que el diseño de este contiene tal belleza que provoca que el hombre se quede con el, momentos después Jesús trata de investigar el funcionamiento del objeto (el cual tiene forma de escarabajo y es de color dorado) cuando de repente este se activa y queda prendado a la mano del hombre quien comienza a sangrar desmedidamente ante la mirada atónita de Aurora (Tamara Shanath).

Después, ese mismo día pero ya en la noche Jesús comienza a sentir un fuerte dolor que invade todo su cuerpo, asi como una gran comezón en la extremidad herida por lo que pasados unos minutos este se desmaya. A la mañana siguiente el hombre despierta sintiéndose como nunca, más joven, incluso al mirarse al espejo este descubre como su rostro se ha rejuvenecido de manera inexplicable, empero lejos de asustarse ante tan increíble suceso, Jesús va a su viejo negocio a comenzar un nuevo día.

Sin embargo esa mañana ingresa a su negocio un extraño hombre llamado Ángel de la Guardia (Ron Perlman) el cual le pregunta a Jesús si dentro de sus pertenencias cuenta con algunas estatuillas de ángeles por lo que el dueño le contesta que si y le vende la que tiene en existencia. Satisfecho el hombre paga y se marcha, desgraciadamente para el anciano se avecina una ola de infortunios pues el misterioso sujeto que fue a buscar dicha figura ha sido enviado por un poderoso hombre (Claudio Brook) el cual ha dedicado toda su vida  para encontrar el cronos, ese aparato que ha estado perdido desde la epoca medieval y que porta en su interior  un extraño insecto que se alimenta de sangre humana  proveyendo la vida eterna a aquel que lo posea.

Lo que sigue después es presenciar ese proceso autodestructivo por parte del protagonista quien cegado por las maravillosas virtudes físicas que le suministra en un principio el cronos comienza a poner en peligro lo que más quiere (su familia), al tiempo que descubre  pavorosos cambios en su persona cuando este se da cuenta que la piel comienza a deteriorársele, además de que descubre que una inclemente necesidad de ingerir sangre humana se ha apoderado de él (genial la escena del baño donde Jesús la prueba por primera vez pues este refleja esa ansiedad de ingesta al tiempo que se descubre realmente asquerosa)  motivo por el cual ese milagroso artefacto  comienza a pasarle factura pues su cordura se desquebraja a pedazos al no encontrar una posible cura, mientras Ángel de la Guarda (Perlman) aceche cada día y noche para hacerse del preciado artefacto pues su tío (Brook) no descansara hasta hacerse del escarabajo dorado.

Primeramente me gustaría señalar que el aspecto más notable del film es sin lugar a dudas el guión que firma el propio Guillermo del Toro, el cual cuenta con algunos toques lovecrafnianos tanto en aspectos narrativos como visuales (a su servidor le recordó a ese magnifico relato llamado El Sabueso que también narra como dos sujetos enfrentan una especie de mladición al robar un preciado artefacto), asi como una estructura narrativa muy del estilo de las cintas clásicas de horror de la Universal, por ejemplo ese personaje que interpreta Claudio Brooke es el equivalente a los mad doctors que hacen todo lo posible por conseguir ese preciado poder que les da la capacidad de jugar a ser Dios, es por esto que no es casualidad que este sea presentado como un hombre enfermo, casi en etapa terminal lo que magnifica sus motivaciones al tiempo que se perciben creíbles.

Por otra parte Ron Perlman encarna a ese ayudante sin moral, al cual lo único que lo motiva en sus motivaciones es la cuestión económica asi como es placer que conlleva causar dolor físico (la escena donde este se despacha a Jesús Gris es perturbadora y por momentos bastante cruda) por lo que a este le interesa en lo mínimo el poder que pueda obtenerse del cronos. Asi mismo el personaje de Jesús Gris (jajaja quien en el apellido lleva la penitencia) que interpreta genialmente Federico Luppi, (actor que al igual que Perlman trabajaría con del Toro en algunas de sus siguientes películas) es quiza la representación más irrefutable de la vulnerabilidad del ser humano a niveles morales e incluso teológicos, pues este es presentado como un hombre común y corriente el cual en el crepúsculo de su existencia se le presenta la oportunidad de volverse eterno, motivo por el cual corrompe su propia existencia.

Sin embargo estos personajes lejos de ser simples arquetipos del género cuentan con profundidad psicológica y rasgos de humanidad que los vuelven creíbles en este microcosmos que plantea el autor, aunque todos sean ambiguamente morales, motivo por el cual el personaje de la pequeña Aurora se vuelva un punto importante y bastante interesante ya que esta de alguna manera simboliza esa inocencia y bondad de la que también esta dotado el ser humano, motivo por el cual ni siquiera importa que  este  emita una sola palabra durante todo el film ya que asi se refuerza ese discurso de esperanza.

Por tal motivo y como comentaba anteriormente creo que el guión se percibe totalmente amarrado por lo cual no deja cabos sueltos, al tiempo que nos provee de un desenlace totalmente desolador con algunos vestigios de esperanza, aspecto que no podría ser diferente si durante toda la trama invadía ese aire de pesimismo. Por otra parte, otro aspecto que resalta es indudablemente que aquí el vampirismo no se presenta como en otras cintas (no se muestran tipos con colmillos largos ni mucho menos), aquí este aspecto es retratado más como una condición humana asi  como lo planteara tiempo después Abel Ferrara en su interesante y por momentos grandilocuente film Adicción (1995).

Asi mismo la historia dentro de ese aire de ominosidad y pesimismo también cuenta con un humor bastante negro que balancea las cosas, por ejemplo la escena del crematorio es para partirse de risa cuando Tito (breve pero concisa aparición de Daniel Jiménez Cacho), el sujeto que prepara los cuerpos de los difuntos que llegan a la funeraria se encuentra maquillando la cara de Jesús (el cual murió supuestamente) se descubre  orgulloso de su “obra”, ya que considera que le quedo muy chingón el trabajo de maquillaje, sin embargo en ese momento entra a la sala el dueño del negocio (Juan Carlos Colombo) y le hace de su conocimiento a Tito que le quedo muy bien la caracterización del difunto, empero después le hace saber que no se hubiera esmerado tanto ya que este tieso va a ser cremado (jajajaja), acto seguido el empleado pone cara de encabronado, jajaja.

Ahora bien en el apartado visual hay que destacar que el film con todo y que cuenta con un escaso presupuesto esta bien logrado, sobre todo por las locaciones donde esta filmada ya que la Ciudad de México se convierte en un personaje más de la historia, además que le aporta ese aire de mexicaneidad a la misma, al tiempo que el respetable descubre por primera vez esa imagineria visual del realizador mexicano con lo que respecta al diseño de creaturas como es el propio escarabajo mecanizado que supone el Cronos. Por otra parte del Toro logra crear atmósferas opresivas y lúgubres gracias a la orgánica fotografía de Guillermo Navarro (Desperado, Del Crepúsculo al Amanecer, Jackie Brown o Cabeza de Vaca) que aporta ese aire onírico en algunos tramos del film y la partitura de Javier Álvarez es de gran ayuda para dotar de misterio a una historia que esta bien contada y no tiene desperdició tanto en fondo como en forma.

Asi que estimado lector si usted quiere disfrutar de una cinta de vampiros atípica, original, pero sobre todo inteligente, no debe perderse Cronos, un film que se descubre honesto en su discurso, bien logrado en su factura (con todo y sus problemas económicos) además de que muestra esa inquietud y talento con la que cuenta el imaginativo director Guillermo del Toro quien se diera a conocer con esta excelente opera prima y que ahora lo ha vuelto referente del cine mundial.